Título del proyecto coordinado: Comunidad experimental de investigación en artes vivas: creación, intervención, genealogía / Experimental community for living arts research: creation, intervention, genealogy (ECLAR)
Título del subproyecto 1: Artes Vivas y Prácticas Expandidas de Investigación-Creación: experimentalidad y genealogía / Live Arts and Expanded Practices for artistic research: experiment and genealogy (EXPERIMENTA) IP: José A. Sánchez. Universidad de Castilla-La Mancha.
Título del subproyecto 2: Artes vivas e intervención crítica en las arquitecturas del tiempo libre / Live Art and Critical Intervention in Leisure Arquitectures(ARQUILIB) . IP: Fernando Quesada. Universidad de Alcalá
ECLAR. Resumen del proyecto coordinado.
Este proyecto plantea la creación de un marco y una comunidad de investigación experimental para la producción artística, la elaboración de metodologías de investigación-creación y el estudio genealógico de prácticas experimentales en el ámbito de las artes vivas y otras prácticas artísticas expandidas, con especial atención a la escritura experimental, el paracinema, el site specific y la arquitectura del ocio. Los términos artes vivas y prácticas expandidas remiten tanto a una fluidez disciplinar (incorporando lo inter- y lo trans-disciplinar) como a una disolución de límites (flexibilizados en la teoría, pero aún rígidos en la práctica y en los estudios académicos) entre un arte inscrito en el ámbito de la alta cultura y multitud de prácticas que originariamente no responden al concepto moderno de arte.
Seminario de Investigación: “Representación y performatividad de la enfermedad como síntoma de la vida contemporánea”
Organizado por los proyectos de investigación:
Visiones del cuerpo enfermo en el cine y la fotografía: patologías físicas y psíquicas (1890-1920) (VICUEN). (Universitat de Girona). (PID2021-125555NB-I00) (Ministerio de Ciencia e Innovación) (2022-2025)
Archivo virtual artes escénicas. Artes efímeras en Castilla–La Mancha (Universidad de Castilla-La Mancha). (SBPLY/21/180225/000069) (Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha) (2022-2025)
Enfermar es dejar de estar firme. Enfermar se representa como una caída: caer enfermx. Enfermar es sentirse débil, privadx de. Enfermar es reconocer una existencia corporal convertida en testimonio de una falla, de una ruptura en la trayectoria personal y social. El cuerpo es testimonio; el cuerpo es síntoma; el cuerpo habla de una condición perdida y pronto recuperable – la salud–, o muestra un dolor crónico que fue gestándose lentamente por eso que por economía o pereza llamamos “nuestra forma de vida”, una forma de vida que hace tiempo ya que quiso ser reducida a “forma-trabajo”.
Después de su experiencia trabajando en las fábricas francesas entre diciembre de 1934 y agosto de 1935, Simone Weil daba buena cuenta en La condición obrera del modo en el que se liga el trabajo y las formas de vida. En la actualidad, el trabajo, también el intelectual, produce una fatiga patológica al corresponderse plenamente con esas formas de vida asentadas sobre una aceleración imposible que ya Paul Virilio denunciaba por ejemplo en El arte del motor: aceleración y realidad virtual.
Después del “pensamiento débil” acuñado por Gianni Vattimo e inmersxs como seguimos en la “sociedad líquida” descrita por Zygmunt Bauman, la ausencia de firmeza –la condición enferma–hace mella en los cuerpos individuales y en el antaño denominado “cuerpo social”.
Comité organizativo Carolina Martínez López, Carme Pardo Salgado, Àngel Quintana Morraja, Germán de la Riva Umaña, Alan Salvadó Romero, José Antonio Sánchez Martínez, Isis Saz Tejero, Ana Serrano Tellería
Diseño, redes, comunicación y apoyo técnico Beatriz Sánchez, Irene Mahugo, Romina Casile, Tzu Hang Hung, Christiana-Dafni Tatsi
Inscripciones arteainvestigacion@on.uclm.es
PROGRAMA
Lunes 8 de Abril – Sala 111
11:00 – 11:30 Inauguración académica
Presentación de los proyectos de investigación Visiones del cuerpo enfermo en el cine y la fotografía: patologías físicas y psíquicas (1885-1920) (VICUEN), a cargo de Alan Salvadó (UPF), y Archivo Virtual de Artes Escénicas. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha (JCCM. Fondos FEDER), a cargo de Isis Saz (UCLM)
Itsaso Iribarren (UCLM) & Germán de la Riva (UCLM). Artistas e investigadores. Doctores en Bellas Artes. Trabajan en colaboración desde hace quince años. Su interés está en los procesos de creación y en las dinámicas de vida y trabajo que estos generan. Han creado piezas en diferentes formatos escénicos y audiovisuales siendo galardonados con diferentes premios: UCLM 2023, Ayuntamiento de Pamplona 2018, Teatro Circo Price Madrid 2014, Universidad UARCIS 2011 y Gobierno de Navarra 2009. Han presentado piezas nacional e internacionalmente en espacios como Matadero Madrid, La Grainerie de Toulouse, Artpark Nueva York o Centro Cultural San Martín de Buenos Aires. Actualmente Itsaso es docente y Germán investigador, ambos en la UCLM.
11:50 – 12:10Lepra y autofagia. La casa es negra de Forough Farrokhzad[Comunicación]
María-Josep Balsach (UdG). Maria-Josep Balsach es profesora de Teoría del arte y Arte Contemporáneo y directora de la Cátedra de Arte y Cultura Contemporáneos de la Universidad de Girona. Premio Internacional Espais de Crítica de Arte y Premio Ciutat de Barcelona de ensayo por el libro Joan Miró. Cosmogonías de un mundo originario (1919-1939), Barcelona, Galaxia Gutenberg, 2007. Directora del proyecto ELAA-European Live Art Archive con la Universidad de Oxford y el Centro GlogauerArt de Berlín.
12:10-12:40 Pausa
12:40-13:00 Un éxtasis quieto[Comunicación]
Irene Mahugo (UCLM). Contratada predoctoral en la Facultad de Bellas Artes de la UCLM, forma parte del grupo de investigación ARTEA. Se forma en Escenografía en la RESAD y en el MIAC de la UCM, cursando un año de estudios en ASP de Cracovia. Se sitúa en un discurso crip-queer para investigar la producción de nuevos imaginarios que subviertan la normalidad. Disociación, aceleración tecnológica, políticas de control de los cuerpos, prótesis, alianzas, enfermedad son algunos de los conceptos que pueden ayudar a definir su investigación; desde la amplitud que abarcan las artes vivas.
13:00 – 13:45
¿Terapia o Hipnotización? La subjetivización ambiental de los mediosaudiovisuales. Tzu Hang Hung (UCLM).[Instalación performativa. Sala Larga]
Cuerpos inmovilizados. Henry Lamiña (UCLM). [Instalación performativa. Sala Larga]
Tzu Hang Hung (UCLM). Trabaja con la escritura expandida enfocando en su materialidad y su corporeidad desde los gestos y la oralidad, a través de performances e instalaciones multimedia, donde traducciones y/o partituras constantemente se va creando y metamorfoseando, y registran transferencias de afectividad y trayectorias de espacios y tiempos en los que transitan cuerpos. Explora el escuchar/pensar (affective listening), propuesta por la antropóloga e investigadora de estudios sonoros Jing Wang, como modo que revela la potencialidad para transformar.
Henry Lamiña (UCLM). Artista visual e investigador. Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Central del Ecuador (Quito, 2017). Máster Universitario en Investigación en Prácticas Artísticas y Visuales por la Universidad de Castilla-La Mancha (España, 2019), donde actualmente realiza su doctorado y trabaja como investigador. Sus proyectos han sido expuestos en diferentes ciudades de Ecuador y España obteniendo becas en ambos países para continuar con su investigación y producción artística.
13:45 – 14:15 Coloquio
14:15 – 16:15 Pausa
16:15- 17:00 Visiones del cuerpo enfermo en el cine y la fotografía de principios delsiglo XXI [Comunicación]
Carolina Martínez (UdG) / Carmen Pardo (UdG) / Alan Salvadó (UPF)
Carolina Martínez-López (UdG) es profesora titular en los Grados en Artes Escénicas y Comunicación Audiovisual y Multimedia de la Universitat de Girona (ERAM), y miembro de los grupos Teories de l’Art Contemporani (UdG) y GROC (Grupo de Investigación en Orígenes del Cine). Es editora del libro El Universo dereniano. Textos fundamentales de la cineasta Maya Deren (2015/2020), y miembro del comité de selección de SEMINCI. Sus líneas de investigación giran en torno a una visión expandida del cine, la coreografía, la escena y los usos del cuerpo, desde una perspectiva experimental y documental.
Carmen Pardo (UdG). Profesora Titular de la Universidad de Girona. Sus temas de investigación se refieren a la cuestión de la escucha y la voz, la ecosofia y la ecología sonora, así como a la música contemporánea y la estetización de lo social. Especialista en John Cage, le ha dedicado varias publicaciones como John Cage, Escritos al oído y La escucha oblicua: una invitación a John Cage.
Alan Salvadó (UPF). Profesor de Historia del Cine y Modelos de Puesta en Escena en el Grado de Comunicación Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra. Su investigación académica en París, Barcelona y Girona se centra en la historia y la estética del paisaje, la iconografía audiovisual y la cultura visual con especial atención a la comunicación política. Es coeditor del libro El poder en escena. Motivos visuales en la esfera pública (Galaxia Gutenberg, 2023) y curador de la edición de Motivos visuales del cine (2016).
17:00 – 17:20 Cineastas ante la proximidad de su muerte: Jacques Demy y Johanvan der Keuken [Comunicación]
Imma Merino (UdG). Licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona y Doctora en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra habiendo escrito su tesis doctoral sobre “Subjectivitat i autorepresentació en el cinema d’Agnès Varda”. Es profesora de Historia i Teoría del Cine y de Análisis de los medios de Comunicación en la Universidad de Girona. Ha colaborado en diversos libros colectivos, entre los cuales En torno a la Nouvelle Vague. Rupturas y horizontes de la modernidad, Al otro lado de la ficción: Trece documentalistas españoles,Derivas del cine europeo contemporáneo y Envejecimientos y cines ibéricos; así como en monografías sobre Jacques Demy, François Truffaut, Max Ophuls, Jacques Becker y Luís Buñuel. Ha publicado el ensayo Agnès Varda: espigadora de realidades y de ensueños y ha coeditado, junto a Ariadna Lorenzo, el libro colectivo Carol: bellesa subversiva del desig.
17:20 – 17:40 Salvo el relámpago. Imágenes viajeras entre la medicina y el cine a principios del siglo XX. [Comunicación]
Daniel Pitarch (UdG) es investigador independiente, miembro del colectivo artístico Estampa (www.tallerestampa.com) y docente en grados de arte (BAU y Masana). Una parte de su investigación se centra en la historia del audiovisual en un sentido expandido, sea en el tiempo (el estudio de tecnologías audiovisuales del s. XIX, con estudios detallados de la linterna de proyección en el contexto hispánico, por ejemplo) o en el discurso (la conceptualización del cine desde campos paralelos en las primeras décadas del s. XX). Su tesis doctoral estudia la obra escrita, publicada e inédita, de Jean Epstein y sus cruces con el pensamiento médico del momento. Entre sus publicaciones destaca la edición de los escritos sobre cine de Walter Benjamin para la editorial Abada.
17:40 – 18:00 Coloquio
18:00 – 18:30 Pausa
18:30 – 19:30 Conferencia Invitada: Versiones y perversiones performativas del discurso médico: La mala vida buenísima de epilépticas, neurasténicos y sicalípticas
Gloria Durán (USAL) es profesora contratada doctora en el área de escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, USAL. Miembro del GIR, Grupo de Investigación Reconocido “Conexiones y extensiones de la escultura en el s.XX y s.XXI (Escultura Expandida)” (CEXE/XX/XXI.) Está desarrollando ahora el contrato/proyecto art.83: “Comisariado, realización de la investigación, producción artística de una serie de píldoras de radio para RSS, Radio del MNCARS, en torno a la actualización como práctica artística de la música de principios de siglo (Escultura expandida)”, un proyecto volcado en el canal “Radio Sicalipsis” de la Radio del MNCARS (RRS). Es doctora en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, UPV (2009).
Martes 9 de Abril– Sala 111
9:30 – 9:50El espectáculo de los cuerpos y la enfermedad: del Operation Theatre al Baby Incubator[Comunicación]
Isis Saz (UCLM). Artista, docente e investigadora en la Universidad de Castilla-La Mancha. Profesora Titular de universidad. Departamento de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes (Cuenca, España). Miembro del grupo de investigación Artea. Forma parte de diversos proyectos nacionales e internacionales relacionados con la práctica e investigación artística, el arte de acción y la cultura visual. Ha publicado sus escritos en libros y revistas especializadas de arte, danza y teatro -Instituto Cervantes, Estudis Escènics (Institut del Teatre), Cairón (UAH),Telón de Fondo (UBA) o Performance Research. Desde 2011 dirige trabajos de investigación relacionados con prácticas artísticas efímeras y artes visuales.
9:50 – 10:10 La inmoralidad como enfermedad en el nacimiento de la sociedad moderna [Comunicación]
Olga Taravilla (UdG). Investigadora predoctoral en formación (IFUdG) en el grupo de investigación en Teorías del Arte Contemporáneo de la Universitat de Girona. Doctoranda en Ciencias Humanas, del Patrimonio y de la Cultura, desarrolla la tesis sobre mujeres, músicas y espacios de representación en Girona (1900-1950) bajo la dirección de Carmen Pardo Salgado. Es graduada en Artes Aplicadas a la Pintura y la Escultura por la Escuela de Arte de Tarragona, licenciada en Historia del Arte y máster en Iniciación a la Investigación por la Universitat de Girona. Es fundadora de la cooperativa Cultural Rizoma, con sede en Celrà (Girona).
10:10 – 10:30 La enfermedad en el imaginario flamenco. Derivas de la práctica artística en cante flamenco[Comunicación performativa]
Charo Martín (CSM Rafael Orozco). Su actividad profesional tiene como hilo conductor el estudio del repertorio clásico flamenco y su reinterpretación. Como Catedrática de cante flamenco, promueve la investigación acerca de una didáctica específica para la enseñanza del cante, especialmente en el marco del conservatorio de música. Como artista, la investigación acerca de las posibilidades del cuerpo-voz flamenco y su poética a través de la improvisación y la performance es el eje que vertebra sus actuales creaciones.
10:30 – 11:00 Coloquio
11:00 – 11:30 Pausa
11:30 – 12:30 Conferencia invitada: A oscuras y en celada: los cuidados y la escucha delcuerpo enfermo.
Ivan Pintor (UPF) es doctor en Comunicación Audiovisual y profesor en el Departamento de Comunicación de la Universidad Pompeu Fabra, donde imparte clases sobre cine contemporáneo, serialidad televisiva, lenguajes visuales y cómic. Es co-coordinador de proyectos de investigación como MUMOVEP (Mutaciones de los Motivos visuales en la esfera pública: pandemia, cambio climático,identidades de género y conflictos raciales). Es autor de la monografía Figuras del cómic (2017), y en los últimos años, ha participado en más de cincuenta libros, entre los cuales El poder en escena (2023) y Motivos visuales del cine (2016).
II Jornada de Investigación en Artes Performativas 2024
La II Jornada de Investigación en Artes Performativas se propone desde el proyecto Archivo Virtual de Artes Escénicas. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha ( JCCM. Fondos FEDER) y tiene como objetivo fundamental generar encuentros y acercar al público la obra de investigador+s y creador+s que están trabajando en lugares interdisciplinares, dando visibilidad a este tipo de prácticas en la región Castellano-Manchega y potenciando la apertura de nuevos espacios de investigación artística.
Libre acceso hasta completar el aforo. Sala 111 de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca.
Organiza: Grupo de investigación ARTEA
Dirección académica y coordinación: Isis Saz, Germán de la Riva
Comité científico y organizador: Isis Saz, Germán de la Riva, Ana Serrano Tellería, Itsaso Iribarren, Carolina Martínez, Esperanza Collado, Raúl Hidalgo
Diseño, redes, comunicación y apoyo técnico: Beatriz Sánchez, Irene Mahugo, Romina Casile, Tzu Hang Hung.
Actividad realizada en el marco del proyecto: Archivo Virtual de Artes Escénicas: Artes efímeras en Castilla-La Mancha. SBPLY/21/180501/000164
PROGRAMA
11:00Inauguración
11:15 Lenguas de humedal
Malén Iturri. Artista e investigadora, despliega su curiosidad en torno a prácticas de sensibilización desde un enfoque somático. Su práctica artística y pedagógica pulsa desde la búsqueda de imaginarios colectivos senso-perceptivos, en torno a la vida como estado relacional continuo entre seres más que humanes. Investiga y acciona en los ámbitos del estudio del movimiento, la voz y la percepción, la improvisación, la creación escénica y la experimentación sónica.
Es Educadora Somática el Movimiento y Educadora del Movimiento Evolutivo Infantil por la escuela de Body-Mind Centering®, graduada en Bellas Artes por la UPV, egresada del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual (UCLM-ARTEA-MNCARS) y del Máster Universitario en Estudios Culturales y Artísticos con perspectivas Feministas y Cuir [MUECA :S] de la UMH. Actualmente desarrolla su tésis doctoral dentro del Programa de Doctorado en Arte: Producción e Investigación de la UPV, en torno a la educación somática y eco-ambiental en relación con prácticas artísticas encarnadas.
Oscar Bueno. 1985, Avilés, Asturias. Graduado en grado profesional de piano en Avilés y graduado en Arte Dramático en Gijón. Máster en práctica escénica y cultura visual de la universidad de Alcalá de Henares y el museo Reina Sofía. Toda mi práctica se mueve sin parar entre lo musical, lo coreográfico y lo visual, de modo más o menos premeditado. Soy autor pero también trabajo acompañando procesos de otras artistas, que desembocan en teatros y contextos híbridos de la escena experimental europea. Soy performer en ambos ámbitos, y soy músico. La visualidad o el trabajo en dibujo da forma a una exploración central en mi trabajo, que se comunica con esas otras disciplinas de forma natural. Considero que mi trabajo artístico es un híbrido entre la música (y la composición musical), la escena y la imagen. He presentado mi trabajo y las colaboraciones que realizo en diferentes espacios como: Mercat de les Flors, Teatros del Canal, Centro Conde Duque, BUDA, Kaai theater, farº festival, La Casa Encendida, MACBA, CA2M, Museo Reina Sofía, Matadero Madrid, PNEU Salzburg, Tanzquartier, etc.
12:45 FUMAROLA: Procesos para un disco desde los márgenes Roldán, el proyecto musical de Juan Carlos Roldan, es lo bastante ecléctico y modular como para resistirse a cualquier definición estática, sobre todo si consideramos sus muchas colaboraciones y camaleónicas formaciones en directo. Y es que el impulso de su trabajo se desarrolla precisamente en el entorno artístico del que proceden la mayoría de sus cómplices en la experimentación sonora: Rafa Martínez del Pozo (La Jr, AA Tigre), Javi Álvarez (Dúo Cobra, Fluzo), Kiev Cuando Nieva, Lorena Álvarez y su Banda Municipal y, en definitiva, todo ese universo endogámico y a la vez expansivo que se engendró en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y se materializó parcialmente en AA Records. Tras una primera etapa configurando las bases más experimentales del proyector con Roldán (2007) “El cantar” (2009) “Te tenemos muy cerca” ( 2012), “Tetrata” (2013) y “Espero que dure” (Repetidor) inician una nueva etapa en 2020 de la mano de El Genio Equivocado con la publicación de Tus Poderes (2020). Un disco que supuso el giro definitivo del proyecto pasando del formato solitario a banda con de Jaime Sevilla (bajo, percusión) y a Nacho Olivares (guitarras, sintetizadores, percusión). Percusiones complejas sumergidas en un pop más accesible, Tus Poderes es también una confesión en un cambio de etapa vital, las canciones abordan desde la madurez al valor de lo cotidiano. En 2023 publican ‘Fumarola’, un nuevo trabajo «gaseoso, vaporoso, volcánico y fluido», tan experimental como mágico.
13:30 Mesa redonda. Intersecciones y lugares de encuentro entre sonido e imagen. Modera: Esperanza Collado
14:30 Descanso
16:30 Cuerpo, espacio, lugar. Una aproximación desde la mística
Esther Rodríguez. Coreógrafa, bailarina y arquitecta. Investiga a través de la práctica artística. Su trabajo se mueve entre la coreografía, la práctica escénica, el relato, lo performativo y arquitectónico, empleando principios asociados a dichas disciplinas para diseñar prácticas espaciales y sociales. Se forma en danza contemporánea paralelamente a los estudios de arquitectura y posteriormente realiza un Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual, UCLM y un postmaster en a.pass (estudios avanzados de performance y escenografía) en Bruselas. Su investigación aborda las relaciones entre cuerpo, espacio, lugar desde el baile y el movimiento, partiendo de la curiosidad hacia lo desconocido como motor.
Mi práctica de investigación artística se basa en el desarrollo de diferentes sistemas para abordar lo desconocido. A través del movimiento, la performatividad del espacio, la escritura-oralidad y la instalación como principales medios, desarrollo prácticas sociales y espaciales relacionadas con lo invisible, las formas en que se hace visible y las potencialidades de los espacios intermedios. Mi enfoque comprende el cuerpo como una tecnología a través de la cual podemos ampliar nuestra percepción de la realidad entendiéndolo como un sensor y un canal por el que pasan diferentes tipos de información, ampliando así nuestra relación con el entorno. En los últimos años he desarrollado varios trabajos que reflexionan sobre la otredad, la liminalidad, la interrelación entre diferentes medios, cuerpos y disciplinas, la bioética, lo ciborg, las relaciones espaciales y las relaciones entre sistemas vivos (humanos y no humanos). Algunos de estos trabajos abordan las nociones de vida y muerte, ausencia-presencia y otras formas de relacionarnos con la (in)finitud.
17:15 El poder de la música de tradición oral para generar comunidad: La voz nunca calla
Javi Collado. Desde pequeño vinculado a la música popular de Cuenca y Castilla La Mancha, investiga sobre el poder de la voz y la instrumentación tradicional como fuerza curativa, comunicativa y cooperativa. La formación como Educador Social, Maestro de música y Musicoterapeuta, le ayudan a tener una visión comunitaria de los sonidos. Creador de varios proyectos de difusión de la música tradicional como Las jornadas de Música y Cultura Popular Félix Collado o el Bicifolk, e impulsor de proyectos culturales en torno a la música como el Yeye Weekend o el Caño-on festival. Componente de las bandas de música tradicional Zas!!candil Folk y Collado Project, donde buscan acompañar a la música de raíz hacia un lugar más cercano para todos y todas, disfrutando del saber popular y la riqueza de los pueblos. También pertenece a grupos de otros estilos como: Pavana Dingo, Ni chicha, ni limoná y The Coats Cats.
18:00 RAP RURAL. Sobre las artes escénicas, la tradición y la performance.
Bewis de la Rosa Artista interdisciplinar. Bailarina, actriz, coreógrafa, investigadora y profesora en el campo de la danza y el teatro físico. Escritora de teatro, poesía performativa y pensadora. Dirige desde 2014 su Compañía de Investigación en Danza y Teatro-físico Malditas Lagartijas. En 2021 inicia el proyecto musical Bewis de la Rosa, en el que investiga y desarrolla el concepto <Rap Rural>. En su discurso observamos la importancia del pensamiento crítico, el transfeminismo, el decrecimiento, la herida histórica y la salud mental, partiendo desde el amor y el arte como medios de transformación social. Graduada en Coreografía de la Danza Contemporánea por el Conservatorio María de Ávila y formada en el Lab. Internacional de Investigación Teatral TNT-ATALAYA.
18:45 Mesa Redonda. Público y performatividad en las artes efímeras. Modera: Itsaso Iribarren & Germán de la Riva
10.00-10.15h. Bienvenida institucional y presentación de las directoras del seminario.
10.15-12.15h. CONVERSATORIO 1. Investigación en artes y slow humanities. Contextos de una universidad pública por venir. Mesa retransmitida online para doctorandos y doctorandas UCLM. Retransmisión a cargo de la Escuela Internacional de Doctorado.
Aurora Fernández Polanco, Catedrática de Historia del Arte, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid.
Marta Labad. Artista, investigadora y profesora del Centro U-Tad, Universidad Camilo José Cela.
Remedios Zafra, investigadora científica, Instituto de Filosofía del Consejo Superior de Investigaciones Científicas.
Modera: José Antonio Sánchez, Catedrático de Historia del Arte, Facultad de Bellas Artes, Universidad de Castilla-La Mancha.
Debate
12.15-12.30h. Descanso
12.30-14.30h. CONVERSATORIO 2. Alternativas y guerrillas en la academia: retos frente a la burocratización y el cientificismo.
Lucía Gómez Sánchez, miembro del colectivo Indocentia y Profesora Contratada Doctora, Departamento de Psicología Social de la Universitat de València.
Modera: Luis López Carrasco, cineasta, miembro del colectivo Los hijos y Profesor Ayudante, Departamento de Arte, Universidad de Castilla-La Mancha.
Debate
14.30-16.00h. Descanso y comida
16.00-18.30h. TALLER. Cómo hacer carrera académica sin perder la curiosidad. Estrategias laborales, métodos de escritura y un suspiro.
Romina Casile. Artista y contratada predoctoral, Universidad de Castilla-La Mancha, Olga Martí y Arantxa Romero, contratadas postdoctorales Margarita Salas (Universitat Politècnica de València / Universidad Complutense de Madrid-Universidad de Castilla-La Mancha).
Ya no hay límites temporales, solo consumo y trabajo sin interrupción. Un mundo fragmentado y una atención interrumpida. El descanso y el sueño pierden terreno en nuestras vidas con consecuencias fatales. Un taller para volver a la experiencia del cuerpo y del sueño como un espacio sagrado y fuera de las lógicas de la producción. nº de participantes: máximo 16 personas.
Financiado por el proyecto Archivo Virtual Artes Escénicas: Artes Efímeras En Castilla-La Mancha (SBPLY/21/180501/000164).
Taller Placer (Paula Miralles y Vicente Arlandis), colectivo de investigación y práctica escénica.
13.00-14.45h.Descanso y comida
14.45h-16.45h. CONVERSATORIO 3. Ecologías investigadoras, cuidados y perspectiva de género.
María Ruido, artista, investigadora, productora cultural y profesora agregada en el Departamento de Arte y Cultura Visual de la Universitat de Barcelona.
Irene Mahugo, escenógrafa y contratada predoctoral, Universidad de Castilla-La Mancha.
Modera: Isis Saz, artista y Profesora Titular, Departamento de Historia del Arte, Facultad de Bellas Artes, Universidad de Castilla-La Mancha.
Debate
16.45-17.00h. Descanso
17.00-19.00h. CONVERSATORIO 4. Formatear las fronteras: indisciplinas de la investigación en artes y humanidades.
Clara Piazuelo, investigadora y productora cultural, miembro del colectivo DU-DA.
Isidro López-Aparicio, artista, comisario, Catedrático de la Universidad de Granada e investigador en el Instituto para la paz y los conflictos.
Raúl Hidalgo, artista y Profesor Contratado Doctor Departamento de Arte, Facultad de Bellas Artes, Universidad de Castilla-La Mancha.
Modera: Selina Blasco, profesora en la Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid.
Debate
19.00-19.30h. Espacio de conclusiones y cierre
Inscripciones hasta el 10 de octubre de 2023. Se entregará un diploma de asistencia a aquellas personas que asistan al 90% del seminario.
Del 28 de septiembre al 1 de octubre, 2023 – Consultar programa
La Cátedra Teatralidades expandidas, comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida.
Esta tercera edición se articula en torno a la trayectoria artística y discursiva de Tim Etchells y su trabajo con Forced Entertainment, un colectivo creado en Sheffield (Inglaterra) en 1984, integrado por Robin Arthur, Richard Lowdon, Claire Marshall, Cathy Naden, Terry O’Connor y Etchells como director artístico. Nacido en pleno auge del thatcherismo, Forced Entertainment se mantiene activo después de casi cuarenta años, desafiando el individualismo neoliberal con una práctica basada en la incertidumbre, las preguntas, la expresión de los miedos, la burla reflexiva, pero también los sueños compartidos, la potencia conectiva y la disidencia temporal. Aunque su principal medio es la escena, en sus propuestas conviven la escritura, la instalación visual y la intervención en espacios públicos. El trabajo actoral se basa en una tensión entre el estar presente físicamente y el salir constantemente de sí, por medio de la literarización, el enmascaramiento (como muñeco o animal) o la pérdida (de la voz, del movimiento, de la propia imagen). Las actuaciones duracionales permiten reflexionar acerca del agotamiento, como un eco del trabajo desregulado y alienante que también puede ser llamado “inhumano”. Forced Entertainment invita a los asistentes a no ser espectadores distraídos sino testigos que se atrevan a la desestabilización y se impliquen en una experiencia estética que es también una acción ética y política.Mostrar más
Programa
Jueves 28 de septiembre, 2023
Sesión 1
17:00 – 21:00 h Quizoola! Performance duracional —A cargo de Forced Entertainment Inglés con traducción simultánea al español
Esta edición de la Cátedra se inaugura con Quizoola!, una performance improvisada en la que los artistas formulan y responden preguntas de manera ininterrumpida. Ya sean filosóficas, triviales o profundamente personales, los artistas inventan las respuestas sobre la marcha: pueden ser verdaderas o falsas, largas o cortas, serias o cómicas. Así, el ambiente de la performance oscila entre la charla íntima, el pub quiz y el interrogatorio absurdo. A través del juego y la improvisación, el espectador entra en contacto con un clima cargado de energía en vivo.
La duración original de este oscuro e hilarante clásico de Forced Entertainment es de 6 a 24 horas. En el Museo se presenta una versión reducida de 4 horas a cargo de dos performers del grupo. Como en todas las obras de larga duración del grupo, el público de Quizoola! es libre de entrar y salir en cualquier momento, y puede decidir si quiere permanecer en su asiento durante mucho tiempo o dejar la sala un rato en diferentes momentos para ver qué pasa.
Edificio Nouvel, Auditorio 400
400 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo
Viernes 29 de septiembre, 2023
Sesión 2
12:00 – 14:00 h Some Imperatives. Performance duracional —A cargo de Tim Etchells, en colaboración con el Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual
Some Imperatives es una performance de larga duración que propone una secuencia de textos breves pintados por un artista en solitario sobre una pared. El texto de la pieza comprende diversos eslóganes, llamadas al cambio, la acción o la protesta, la reflexión filosófica y al replanteamiento político.
A medida que los textos individuales cambian de registro —poético, absurdo y pragmático—, el proceso de la representación —pintar el texto, borrarlo y volverlo a pintar repetidamente en el mismo lugar a lo largo de un periodo de tiempo— pone en primer plano la propia escritura como proceso de argumentación errática y contradicción. Conforme se van marcando las paredes repetidamente, las iteraciones del texto se acumulan y se muestran parcialmente a través de las capas de pintura, creando un residuo desordenado de la acción en curso.
Esta performance cuenta con la participación de Tim Etchells y la colaboración del Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual.
Acceso a la performance en intervalos de 30 minutos una vez iniciada la actividad. La performance se repetirá el sábado 30 de septiembre de 13:00 a 15:00 h y el domingo 1 de octubre de 12:00 a 14:00 h
Edificio Sabatini, Planta 3, conexión con Edificio Nouvel
240 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en la web del Museo a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la actividad. Máximo 2 por persona
16:30 – 16:45 h Presentación —A cargo de José Antonio Sánchez
16:45 – 17:45 h Exquisite Catastrophe [Catástrofe exquisita] Conferencia de Adrian Heathfield Inglés con traducción simultánea al español
¿Cómo podemos concebir eventos de experimentación escénica como los del colectivo teatral Forced Entertainment? ¿Cómo se relacionan estos eventos con el proceso de creación colaborativa y qué es lo que rompen e instituyen? Si nuestra identidad humana está actualmente marcada por su volatilidad, su relación violenta con la naturaleza y la amenaza de su continuidad, ¿cómo se evocan estas realidades desde la práctica de Forced Entertainment?
En esta conferencia, Adrian Heathfield traza filamentos de un imaginario catastrófico —a veces angustiado y melancólico, alegre y extático— que discurre, se estremece y se transforma a través del cuerpo de trabajo de la compañía.
17: 45 – 18:45 h The Slow Hurry of Figuration [La prisa calma de la figuración] Conferencia de Giulia Palladini Español con traducción simultánea al inglés
En esta conferencia, la investigadora Giulia Palladini explora la temporalidad y la estética del trabajo de Forced Entertainment. En particular, aborda la técnica de la figuración que caracteriza la obra de la compañía a lo largo de sus cuatro décadas de creación colaborativa. A partir de la locución latina festina lente, Palladini propone el concepto de “prisa calma” como prisma de lectura de una serie de prácticas que considera distintivas del trabajo, la imaginería y el lenguaje teatral de Forced Entertainment. Así, considera que la “prisa calma” caracteriza su obra de varias maneras: es un tempo a menudo presente en el escenario, participa en ciertas estructuras de reconocimiento del espectador que vuelve, y afecta al proceso creativo colectivo y duradero que esconde la obra en su conjunto. En los espectáculos de Forced Entertainment “la prisa calma” funciona como una tecnología que se esfuerza por abrir la potencialidad de la figuración.
Edificio Nouvel, Auditorio 200 y Plataforma online
19:00 – 21:00 h 12am: Miniatures Performance —A cargo de Forced Entertainment
12 am: Miniatures es una versión breve de 12 am…, una performance física y visual que explora la relación entre objeto y etiqueta, imagen y texto. La pieza funciona como una especie de caleidoscopio narrativo en el que las figuras que se nombran, en diferentes combinaciones, comparten espacio bajo el telón de fondo de estrellas eléctricas. La performance juega con el creciente agotamiento e inventiva de sus intérpretes, que reimaginan sin cesar sus identidades valiéndose de carteles y distintas prendas de ropa para crear nuevas historias y yuxtaposiciones entre personajes.
La pieza original se desarrolló a partir de material utilizado por primera vez en el espectáculo teatral de la compañía Emanuelle Enchanted(1992) y fue la primera obra de larga duración (de 6 a 11 horas en su versión original) creada por Forced Entertainment. La lista completa de personajes/signos utilizados en 12 am… está publicada en la colección de ensayos Certain Fragments (Routledge, 1999), de Tim Etchells. La performance es interpretada por Richard Clowdon, Tim Etchells y Claire Marshall, integrantes de Forced Entertainment, en diferentes espacios del Museo, y el público es libre de entrar y salir a su antojo.
150 personas
Entrada
Entrada libre hasta completar aforo. Acceso por entrada general de Nouvel
Sábado 30 septiembre, 2023
Sesión 5
17:00 – 18:00 h nO me tienE quE interesaR Charla performática de Juan Domínguez
¡Qué bien le va a venir esta charla al campo! ¿Qué campo? – ¿Qué charla? Entro en un sitio y poco a poco me adentro en diferentes dimensiones de él para acabar en otro sitio diferente sin saber dónde estoy ni como he llegado a él, pero sin sentir que estoy perdidx. No pienso en si me interesa o no, no me tiene que interesar, siento y me siento bien aquí. Cuando me vaya querré volver, ¿lo haré? Tantos sitios en los que me sentía bien a los que no he vuelto. Creo que de eso trata esta charla, de volver. ¿volver? – ¿charla?
Juan Domínguez
18:00 – 19:00 h A Question Without an Answer [Una pregunta sin respuesta] Conferencia performativa de Tim Etchells Inglés con traducción simultánea al español
La voluntad de Forced Entertainment es actualizar y alentar tensiones, creando constelaciones inestables de significación y percepción en el espacio entre el escenario y el espectador, en la zona social y política del auditorio y en la respuesta dinámica (a través de la lectura activa) de los propios espectadores. El grupo no está interesado en aquello que pueda ser dicho, resumido o expuesto de una forma alternativa a la representación. El conocimiento y la “información” que busca Forced Entertainment radica en (y no es divisible de) el despliegue del tiempo y la energía colectivos, el movimiento de los cuerpos y la negociación pública de la copresencia. El significado de la obra se halla únicamente en el acto y la situación de la propia representación, y en ningún otro lugar.
En esta conferencia, Tim Etchells reflexiona sobre el desarrollo y proceso de trabajo de Forced Entertainment, haciendo referencia a las performances realizadas por el grupo a lo largo de sus 40 años.
19:00 – 19:30 h Pausa
19:30 – 21.30 h Tensión permanente. Coloquio —A cargo de Juan Domínguez, Tim Etchells, Adrian Heathfield y Giulia Paladini. Modera José Antonio Sánchez Español e inglés con traducción simultánea.
Tras cuarenta años de trayectoria creativa, cabría pensar que un+ artista alcanza un dominio de su medio que le permite perseguir sus propósitos con seguridad. Pero la seguridad es precisamente lo que la práctica de Forced Entertainment evita, en parte por una necesidad intrínseca al proceso creativo, en parte como respuesta a una realidad cultural y política cambiante. No hay estabilidad sin desestabilización previa, el equilibrio es valioso allí donde resulta difícil mantenerlo. No hay compromiso creativo cuando se desatienden las urgencias de la realidad, aquellas de las personas y seres con quienes convivimos. En esta tensión se mantienen todas las personas participantes en este coloquio, tanto l+s artistas de Forced Entertainment como l+s teóric+s que acompañan su trabajo desde la escritura.
Jueves 28, viernes 29 y sábado 30 de septiembre, 2023 – de 10:00 a 21:00 h
Videocreaciones
Activaciones en salas de la Colección
En paralelo a las actividades, durante los tres días de duración de la Cátedra, se pueden ver tres videocreaciones de Tim Etchells en las salas de la Colección:
Tim Etchells. Paint it Black [Píntalo de negro] Reino Unido, 2014, color, monocanal, sin sonido, AD, 4’ Cámara y producción: Anna Krauss
La obra Paint it Black, de Tim Etchells, surge de una sencilla tarea de interpretación en la que la letra clave de la canción homónima de los Rolling Stones se representa como una instrucción literal. A medida que las imágenes en pantalla, anuncios, textos y titulares de una serie de revistas y periódicos desaparecen bajo la pintura negra, la continua acción de pintar de Etchells relega a la oscuridad del olvido a estrellas del rock, políticos, economistas, modelos, paisajes naturales y gráficos estadísticos. Esta pieza audiovisual fue producida por primera vez como parte del proyecto Karaoke (ART) de Davis Freeman en 2014.
Tim Etchells. Eyes Looking [Ojos que miran] Reino Unido, 2016, color, monocanal, sin sonido, AD, 3’.
Esta obra fue encargada originalmente por Times Square Arts’ Midnight Moment y proyectada en octubre de 2016 en las pantallas de Times Square (Nueva York) como parte del festival Crossing the Line. La pieza pone de relieve las pequeñas acciones y detalles que unen a los humanos, generando una sensación de multitud de cuerpos vivos, que respiran y se mueven juntos en el espacio público de una ciudad. Mediante la materialidad efímera del hielo, Eyes Looking reflexiona sobre la transmutación de las palabras que, al ir disolviéndose en agua, se convierten en patrón, forma y reflejo.
Tim Etchells. Untitled (After Violent Incident) [Sin título (A partir de Incidente Violento)] Reino Unido, 2013, color, monocanal, 67’
Como sugiere su título, el vídeo Untitled (After Violent Incident) de Etchells comenzó como respuesta a la videoinstalación Violent Incident (1986) de Bruce Nauman. En la obra de Nauman, un hombre y una mujer aparecen en doce pantallas en interminables tomas desincronizadas, representando y repitiendo un brutal número de slapstick. En la versión de Etchells, dos intérpretes —Lucy McCormick y Bruno Roubicek— repiten en bucle la coreografía del vídeo original en tiempo real, reiterando hasta el agotamiento su secuencia de caídas, patadas, bofetadas y derribos. La obra obtiene una repetición brutal y al mismo tiempo cómica, conseguida mediante la coacción física más que a través de la edición.
La I Jornada de Investigación en Artes Performativas se propone desde el proyecto Archivo Virtual de Artes Escénicas. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha ( JCCM. Fondos FEDER) y tiene como objetivo fundamental generar encuentros y acercar al público la obra de investigador+s y creador+s que están trabajando en lugares interdisciplinares, dando visibilidad a este tipo de prácticas en la región Castellano-Manchega y potenciando la apertura de nuevos espacios de investigación artística.
Organiza: Grupo de investigación ARTEA
Dirección académica y coordinación: Isis Saz, Germán de la Riva
Comité científico: Isis Saz, Germán de la Riva, Ana Serrano Tellería, Itsaso Iribarren, Carolina Martínez. Diseño, Redes y Comunicación: Tzu-Han Hung, Joel Escudero, Youssef Taki
Actividad realizada en el marco del proyecto: Archivo Virtual de Artes Escénicas: Artes efímeras en Castilla-La Mancha. (SBPLY/21/180501/000164) (SBPLY/21/180225/000069)
PROGRAMA
11:00 Inauguración y Presentación del Proyecto AVAE. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha: Isis Saz. Titular Historia del Arte (UCLM). José Antonio Sánchez. Catedrático Historia del Arte (UCLM)
11:15 Presentación ESAD CLM Cuenca: Miguel L. Mula. Director ESAD CLM. Patricia González. Jefa Departamento Interpretación ESAD CLM.
11:30 Si estuviéramos aquí Teresa Anses. Creadora escénica y actriz.
12:15 El maillot fucsia tiene la culpa. También el deseo, el juego, el aburrimiento y la presión. Cristina Gómez. Coreógrafa y bailarina.
13:00 Te escucho la mirada en un caracol Joaquín Collado. Coreógrafo y bailarín.
13:30 Mesa redonda. Lugares de intercambio: Arte Dramático, Artes visuales y Danza. Modera: Ana Serrano Tellería. Titular Comunicación (UCLM)
14:30 Descanso
16:00 Covalencia Clara Bernet. Artista de circo y bioquímica.
16:45 Secretos: proceso y vínculo Inma Haro. Creadora multidisciplinar y performer.
17:30 Creación Escénica en Crisis. Inventario de gestos transdisciplinares para la resistencia Mayte Olmedilla. Creadora escénica, clown, violinista.
18:00 Mesa Redonda. Lugares de intercambio: Circo, Artes de acción y Artes visuales. Modera: Itsaso Iribarren, Doctora en Bellas Artes (UCLM)
18:30 Cierre de jornada
Ponentes invitad+s
Teresa Ases Creadora escénica, actriz, dramaturga, productora, docente y gestora cultural. Licenciada en arte dramático por la ESAD de Murcia en la especialidad de interpretación en el musical (2010). Directora artística de la Cía Somos Vértice desde 2010 y co- fundadora de NAVEL ART, espacio y compañía de creación contemporánea en Madrid desde 2017. Entre sus últimos trabajos como creadora y dramaturga destacamos Tengo la sensación de haber estado en el mismo mundo que todos (2021), Increíble, Indecente (2022) seleccionada en MTM Milán (Italia) dentro del Festival proyecto Cura y No me nombres tu hija (2022) seleccionada dentro del programa jóvenes talentos de la Fundación Global caja. Actualmente se encuentra en la co-dirección del Festival Cópula, un programa de investigación y creación contemporánea de artistas plásticos y escénicos. https://www.teresaases.com/ @ teresa_ases
Mayte Olmedilla Licenciada como violista en el Conservatorio Superior de Sevilla, amplía sus estudios musicales en la Universität Mozarteum de Salzburgo y en la Privatuniversität de Viena. Ha estudiado interpretación musical en la Resad de Madrid, y se ha especializado en la disciplina de clown y bufón en España y Argentina. Ha sido creadora de la compañía Funamviolistas, con la que ha recibido entre otros galardones, el premio Max de las artes escénicas en el 2014. Ha sido galardonada con la beca del ministerio de cultura Fulbright para la ampliación de estudios artísticos en la categoría de artes escénicas para el período 2023/2024 en EE.UU. https://mayteolmedilla.com/ @mayte_olmedilla
Inma Haro Creadora multidisciplinar, performer y arteducadora. Utiliza la creatividad como punto de partida tanto en terreno plástico como de investigación del movimiento. En sus propuestas imprime la mirada de género, habla del cuerpo como sujeto y busca el sentido crítico del arte como estímulo y transformación social. Trabaja de forma individual bajo el nombre de missharo. Cree en las sinergias con otras personas como un detonante para el cambio y la reflexión a través de las múltiples versiones del proceso artístico. https://missharo.blogspot.com/ @ inmaharo_missharo
Joaquín Collado Soy Joaquín Collado, coreógrafo, bailarín y pedagogo de origen castellano-manchego con base en Barcelona. Desde 2017 desarrollo mi propia práctica coreográfica con la cual exploro procedimientos coreográficos para alterar y expandir los contornos del cuerpo y la danza, con la motivación de acoger otros múltiples cuerpos que existen en la esfera de lo espacial, lo monstruoso y lo poético. Actualmente me encuentro un nuevo proceso de investigación y creación para el que cuento con el apoyo del Mercat de les Flors, en términos de artista/proyecto asociado para la temporada 23-24, y con Graner, centro de creación de danza y artes vivas de Barcelona, La Briqueterie CDCN, Théâtre de Vanves / festival ArdDanthé, Tenerife LAV, y Graners de Creació de Valencia. Coordino el festival Paisaje, un festival de danzas heterogéneas en el municipio rural de Villamalea, Albacete. https://www.antescollado.com/ @joaquincolladoo
Cristina Gómez Cristina Gómez (Albacete, 1979). Coreógrafa y bailarina afincada en Valencia desde 2010. Licenciada en Danza Contemporánea por la London Contemporary Dance School y en Periodismo por la Universidad de Salamanca. Ha colaborado con artistas como Sol Picó, Spanish Brass y Silke Wiegand, entre otros. Entre 2008 y 2018 dirige la compañía EnÁmbar Danza. Sus trabajos se han presentado en festivales como Resolution! (Londres), Interferencias (México), Us The Moon and The Neighbors (Beirut), Dansa València, Mes de Danza (Sevilla), Cádiz en Danza, Ibero Fest (Tallin), InShadow (Lisboa), etc. Entiende la escena, el movimiento y el propio cuerpo como espacios lúdicos capaces de generar reflexión, encuentro y transformación. Su último trabajo escénico, “Anhel” ha sido reconocido con tres Premios de las Artes Escénicas Valencianas (Mejor Espectáculo de Danza, Mejor Dirección Coreográfica, y Mejor Bailarina). https://gomezcristina.net/ @cristinago_dance
Clara Bernet Graduada en bioquímica por la UCM y artista circense formada en la escuela de circo INAC de Portugal (2018/2020) con especialidad en rueda cyr, pinos y acrodanza. Formación en ballet por la “Royal academy of dance of London” y en danza contemporánea. En 2014 funda su compañía de circo “Circulum” y ha sido fundadora-organizadora de dos festivales de circo, el EUCIMA en Madrid, y ASALTOS en Cuenca con la idea de acercar la cultura circense a su ciudad. Destaca su participación con la Joven compañía de teatro (mayo, 2023), Roberto Magro (2019) y la “Fundación Antonio Gades” (2019). Junto a su compañía Círculum, estrena en el Umore Azoka 2022 el espectáculo de calle “Ni no ni nana”. A nivel individual, en 2020 estrena “No aparece mi nombre…” y en el 2022 la video creación “Donde habitan la luz y la sombra” junto a Victoria Santesmases y Laura Laria. @_clara_bernet
Visiones del cuerpo enfermo en el cine y la fotografía: patologías físicas y psíquicas (1890-1920) (VICUEN). (Universitat de Girona). (PID2021-125555NB-I00) (Ministerio de Ciencia e Innovación) (2022-2025)
Archivo virtual artes escénicas. Artes efímeras en Castilla–La Mancha (Universidad de Castilla-La Mancha). (SBPLY/21/180225/000069) (Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha) (2022-2025)
Enfermar es dejar de estar firme. Enfermar se representa como una caída: caer enfermx. Enfermar es sentirse débil, privadx de. Enfermar es reconocer una existencia corporal convertida en testimonio de una falla, de una ruptura en la trayectoria personal y social. El cuerpo es testimonio; el cuerpo es síntoma; el cuerpo habla de una condición perdida y pronto recuperable – la salud–, o muestra un dolor crónico que fue gestándose lentamente por eso que por economía o pereza llamamos “nuestra forma de vida”, una forma de vida que hace tiempo ya que quiso ser reducida a “forma-trabajo”.
Después de su experiencia trabajando en las fábricas francesas entre diciembre de 1934 y agosto de 1935, Simone Weil daba buena cuenta en La condición obrera del modo en el que se liga el trabajo y las formas de vida. En la actualidad, el trabajo, también el intelectual, produce una fatiga patológica al corresponderse plenamente con esas formas de vida asentadas sobre una aceleración imposible que ya Paul Virilio denunciaba por ejemplo en El arte del motor: aceleración y realidad virtual.
Después del “pensamiento débil” acuñado por Gianni Vattimo e inmersxs como seguimos en la “sociedad líquida” descrita por Zygmunt Bauman, la ausencia de firmeza –la condición enferma–hace mella en los cuerpos individuales y en el antaño denominado “cuerpo social”.
Comité organizativo Carolina Martínez López, Carme Pardo Salgado, Àngel Quintana Morraja, Germán de la Riva Umaña, Alan Salvadó Romero, José Antonio Sánchez Martínez, Isis Saz Tejero, Ana Serrano Tellería
Diseño, redes, comunicación y apoyo técnico Beatriz Sánchez, Irene Mahugo, Romina Casile, Tzu Hang Hung, Christiana-Dafni Tatsi
Inscripciones arteainvestigacion@on.uclm.es
PROGRAMA
Lunes 8 de Abril – Sala 111
11:00 – 11:30 Inauguración académica
Presentación de los proyectos de investigación Visiones del cuerpo enfermo en el cine y la fotografía: patologías físicas y psíquicas (1885-1920) (VICUEN), a cargo de Alan Salvadó (UPF), y Archivo Virtual de Artes Escénicas. Artes Efímeras en Castilla-La Mancha (JCCM. Fondos FEDER), a cargo de Isis Saz (UCLM)
Itsaso Iribarren (UCLM) & Germán de la Riva (UCLM). Artistas e investigadores. Doctores en Bellas Artes. Trabajan en colaboración desde hace quince años. Su interés está en los procesos de creación y en las dinámicas de vida y trabajo que estos generan. Han creado piezas en diferentes formatos escénicos y audiovisuales siendo galardonados con diferentes premios: UCLM 2023, Ayuntamiento de Pamplona 2018, Teatro Circo Price Madrid 2014, Universidad UARCIS 2011 y Gobierno de Navarra 2009. Han presentado piezas nacional e internacionalmente en espacios como Matadero Madrid, La Grainerie de Toulouse, Artpark Nueva York o Centro Cultural San Martín de Buenos Aires. Actualmente Itsaso es docente y Germán investigador, ambos en la UCLM.
11:50 – 12:10Lepra y autofagia. La casa es negra de Forough Farrokhzad[Comunicación]
María-Josep Balsach (UdG). Maria-Josep Balsach es profesora de Teoría del arte y Arte Contemporáneo y directora de la Cátedra de Arte y Cultura Contemporáneos de la Universidad de Girona. Premio Internacional Espais de Crítica de Arte y Premio Ciutat de Barcelona de ensayo por el libro Joan Miró. Cosmogonías de un mundo originario (1919-1939), Barcelona, Galaxia Gutenberg, 2007. Directora del proyecto ELAA-European Live Art Archive con la Universidad de Oxford y el Centro GlogauerArt de Berlín.
12:10-12:40 Pausa
12:40-13:00 Un éxtasis quieto[Comunicación]
Irene Mahugo (UCLM). Contratada predoctoral en la Facultad de Bellas Artes de la UCLM, forma parte del grupo de investigación ARTEA. Se forma en Escenografía en la RESAD y en el MIAC de la UCM, cursando un año de estudios en ASP de Cracovia. Se sitúa en un discurso crip-queer para investigar la producción de nuevos imaginarios que subviertan la normalidad. Disociación, aceleración tecnológica, políticas de control de los cuerpos, prótesis, alianzas, enfermedad son algunos de los conceptos que pueden ayudar a definir su investigación; desde la amplitud que abarcan las artes vivas.
13:00 – 13:45
¿Terapia o Hipnotización? La subjetivización ambiental de los mediosaudiovisuales. Tzu Hang Hung (UCLM).[Instalación performativa. Sala Larga]
Cuerpos inmovilizados. Henry Lamiña (UCLM). [Instalación performativa. Sala Larga]
Tzu Hang Hung (UCLM). Trabaja con la escritura expandida enfocando en su materialidad y su corporeidad desde los gestos y la oralidad, a través de performances e instalaciones multimedia, donde traducciones y/o partituras constantemente se va creando y metamorfoseando, y registran transferencias de afectividad y trayectorias de espacios y tiempos en los que transitan cuerpos. Explora el escuchar/pensar (affective listening), propuesta por la antropóloga e investigadora de estudios sonoros Jing Wang, como modo que revela la potencialidad para transformar.
Henry Lamiña (UCLM). Artista visual e investigador. Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Central del Ecuador (Quito, 2017). Máster Universitario en Investigación en Prácticas Artísticas y Visuales por la Universidad de Castilla-La Mancha (España, 2019), donde actualmente realiza su doctorado y trabaja como investigador. Sus proyectos han sido expuestos en diferentes ciudades de Ecuador y España obteniendo becas en ambos países para continuar con su investigación y producción artística.
13:45 – 14:15 Coloquio
14:15 – 16:15 Pausa
16:15- 17:00 Visiones del cuerpo enfermo en el cine y la fotografía de principios delsiglo XXI [Comunicación]
Carolina Martínez (UdG) / Carmen Pardo (UdG) / Alan Salvadó (UPF)
Carolina Martínez-López (UdG) es profesora titular en los Grados en Artes Escénicas y Comunicación Audiovisual y Multimedia de la Universitat de Girona (ERAM), y miembro de los grupos Teories de l’Art Contemporani (UdG) y GROC (Grupo de Investigación en Orígenes del Cine). Es editora del libro El Universo dereniano. Textos fundamentales de la cineasta Maya Deren (2015/2020), y miembro del comité de selección de SEMINCI. Sus líneas de investigación giran en torno a una visión expandida del cine, la coreografía, la escena y los usos del cuerpo, desde una perspectiva experimental y documental.
Carmen Pardo (UdG). Profesora Titular de la Universidad de Girona. Sus temas de investigación se refieren a la cuestión de la escucha y la voz, la ecosofia y la ecología sonora, así como a la música contemporánea y la estetización de lo social. Especialista en John Cage, le ha dedicado varias publicaciones como John Cage, Escritos al oído y La escucha oblicua: una invitación a John Cage.
Alan Salvadó (UPF). Profesor de Historia del Cine y Modelos de Puesta en Escena en el Grado de Comunicación Audiovisual de la Universidad Pompeu Fabra. Su investigación académica en París, Barcelona y Girona se centra en la historia y la estética del paisaje, la iconografía audiovisual y la cultura visual con especial atención a la comunicación política. Es coeditor del libro El poder en escena. Motivos visuales en la esfera pública (Galaxia Gutenberg, 2023) y curador de la edición de Motivos visuales del cine (2016).
17:00 – 17:20 Cineastas ante la proximidad de su muerte: Jacques Demy y Johanvan der Keuken [Comunicación]
Imma Merino (UdG). Licenciada en Filosofía por la Universidad Autónoma de Barcelona y Doctora en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra habiendo escrito su tesis doctoral sobre “Subjectivitat i autorepresentació en el cinema d’Agnès Varda”. Es profesora de Historia i Teoría del Cine y de Análisis de los medios de Comunicación en la Universidad de Girona. Ha colaborado en diversos libros colectivos, entre los cuales En torno a la Nouvelle Vague. Rupturas y horizontes de la modernidad, Al otro lado de la ficción: Trece documentalistas españoles,Derivas del cine europeo contemporáneo y Envejecimientos y cines ibéricos; así como en monografías sobre Jacques Demy, François Truffaut, Max Ophuls, Jacques Becker y Luís Buñuel. Ha publicado el ensayo Agnès Varda: espigadora de realidades y de ensueños y ha coeditado, junto a Ariadna Lorenzo, el libro colectivo Carol: bellesa subversiva del desig.
17:20 – 17:40 Salvo el relámpago. Imágenes viajeras entre la medicina y el cine a principios del siglo XX. [Comunicación]
Daniel Pitarch (UdG) es investigador independiente, miembro del colectivo artístico Estampa (www.tallerestampa.com) y docente en grados de arte (BAU y Masana). Una parte de su investigación se centra en la historia del audiovisual en un sentido expandido, sea en el tiempo (el estudio de tecnologías audiovisuales del s. XIX, con estudios detallados de la linterna de proyección en el contexto hispánico, por ejemplo) o en el discurso (la conceptualización del cine desde campos paralelos en las primeras décadas del s. XX). Su tesis doctoral estudia la obra escrita, publicada e inédita, de Jean Epstein y sus cruces con el pensamiento médico del momento. Entre sus publicaciones destaca la edición de los escritos sobre cine de Walter Benjamin para la editorial Abada.
17:40 – 18:00 Coloquio
18:00 – 18:30 Pausa
18:30 – 19:30 Conferencia Invitada: Versiones y perversiones performativas del discurso médico: La mala vida buenísima de epilépticas, neurasténicos y sicalípticas
Gloria Durán (USAL) es profesora contratada doctora en el área de escultura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, USAL. Miembro del GIR, Grupo de Investigación Reconocido “Conexiones y extensiones de la escultura en el s.XX y s.XXI (Escultura Expandida)” (CEXE/XX/XXI.) Está desarrollando ahora el contrato/proyecto art.83: “Comisariado, realización de la investigación, producción artística de una serie de píldoras de radio para RSS, Radio del MNCARS, en torno a la actualización como práctica artística de la música de principios de siglo (Escultura expandida)”, un proyecto volcado en el canal “Radio Sicalipsis” de la Radio del MNCARS (RRS). Es doctora en Bellas Artes por la Universitat Politècnica de València, UPV (2009).
Martes 9 de Abril– Sala 111
9:30 – 9:50El espectáculo de los cuerpos y la enfermedad: del Operation Theatre al Baby Incubator[Comunicación]
Isis Saz (UCLM). Artista, docente e investigadora en la Universidad de Castilla-La Mancha. Profesora Titular de universidad. Departamento de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes (Cuenca, España). Miembro del grupo de investigación Artea. Forma parte de diversos proyectos nacionales e internacionales relacionados con la práctica e investigación artística, el arte de acción y la cultura visual. Ha publicado sus escritos en libros y revistas especializadas de arte, danza y teatro -Instituto Cervantes, Estudis Escènics (Institut del Teatre), Cairón (UAH),Telón de Fondo (UBA) o Performance Research. Desde 2011 dirige trabajos de investigación relacionados con prácticas artísticas efímeras y artes visuales.
9:50 – 10:10 La inmoralidad como enfermedad en el nacimiento de la sociedad moderna [Comunicación]
Olga Taravilla (UdG). Investigadora predoctoral en formación (IFUdG) en el grupo de investigación en Teorías del Arte Contemporáneo de la Universitat de Girona. Doctoranda en Ciencias Humanas, del Patrimonio y de la Cultura, desarrolla la tesis sobre mujeres, músicas y espacios de representación en Girona (1900-1950) bajo la dirección de Carmen Pardo Salgado. Es graduada en Artes Aplicadas a la Pintura y la Escultura por la Escuela de Arte de Tarragona, licenciada en Historia del Arte y máster en Iniciación a la Investigación por la Universitat de Girona. Es fundadora de la cooperativa Cultural Rizoma, con sede en Celrà (Girona).
10:10 – 10:30 La enfermedad en el imaginario flamenco. Derivas de la práctica artística en cante flamenco[Comunicación performativa]
Charo Martín (CSM Rafael Orozco). Su actividad profesional tiene como hilo conductor el estudio del repertorio clásico flamenco y su reinterpretación. Como Catedrática de cante flamenco, promueve la investigación acerca de una didáctica específica para la enseñanza del cante, especialmente en el marco del conservatorio de música. Como artista, la investigación acerca de las posibilidades del cuerpo-voz flamenco y su poética a través de la improvisación y la performance es el eje que vertebra sus actuales creaciones.
10:30 – 11:00 Coloquio
11:00 – 11:30 Pausa
11:30 – 12:30 Conferencia invitada: A oscuras y en celada: los cuidados y la escucha delcuerpo enfermo.
Ivan Pintor (UPF) es doctor en Comunicación Audiovisual y profesor en el Departamento de Comunicación de la Universidad Pompeu Fabra, donde imparte clases sobre cine contemporáneo, serialidad televisiva, lenguajes visuales y cómic. Es co-coordinador de proyectos de investigación como MUMOVEP (Mutaciones de los Motivos visuales en la esfera pública: pandemia, cambio climático,identidades de género y conflictos raciales). Es autor de la monografía Figuras del cómic (2017), y en los últimos años, ha participado en más de cincuenta libros, entre los cuales El poder en escena (2023) y Motivos visuales del cine (2016).
Encuentro de Investigación en Artes “Escarbar a oscuras”
Facultad de Bellas Artes de Cuenca Museo Nacional Centro de Arte Reína Sofía Fundación Antonio Pérez 17, 21, 22 y 23 de marzo de 2023
El encuentro de investigación Escarbar a oscuras se propone como un lugar para compartir procesos, preguntas y experimentaciones en torno a la investigación artística. Un marco idóneo para promover el intercambio de metodologías, procedimientos e inquietudes a través del diálogo y la observación de nuevas miradas.
En la oscuridad, la vista requiere de un tiempo de adaptación que agudiza el resto de los sentidos. Intuimos el camino gracias a los cuerpos que sentimos próximos. Cavamos y expandimos el laberinto de la investigación artística; construimos oquedades en una tierra que fertiliza en el encuentro con el otro.
La opacidad da paso a la nitidez a medida que avanzamos en compañía: nos encontramos en modos de hacer, ver y pensar que, como túneles, generan un laberinto de afinidades. Los procesos individuales y el proceso colectivo suceden a la vez, retroalimentándose.
Facultad de Bellas Artes de Cuenca 25 de mayo de 2022
El Encuentro Artea es una jornada que se celebra anualmente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca con el propósito de poner en común los proyectos actuales de sus investigadores e investigadoras y así generar debate, compartir experiencias y plantear posibles colaboraciones. El encuentro tendrá lugar el 25 de mayo de 10.00h a 18.00h en el aula 111 y la asistencia es libre. 10.00h – Bienvenida 10.10h – Isis Saz: Un bosque en el jardín. 10.30h – Anja Isabel Schneider: Mi investigación se centra en la noción de (anti-)ópera partiendo de las producciones artísticas más recientes de Alexander Kluge. La relevancia actual de las propuestas de Kluge pasan por la aplicación del término anti-ópera, el cual opera en otras formas y términos radicalmente diferentes. Del mismo modo que debe pasar por su descolonización a través de la cooperación con otros artistas y paradigmas culturales, sociales y políticos. Un ejemplo será la cooperación de Kluge con Manthia Diawara (Bamako, Mali, 1953) en la pieza de Diawara: Una ópera del mundo (2017). 10.50h – Olga Martí: Una teoría del resto. Este estudio aborda el problema de la temporalidad, el mundo de lo esperable y cierta idea de fuga o desplazamiento. Lo hace desde la práctica artística, ensayando relaciones del cuerpo con otros tiempos y ritmos que difieren del de la producción y velocidad contemporánea y en espacios que no son para ser vistos, sino más bien lugares cotidianos y de intimidad. 11.10h – Preguntas y comentarios 11.45h – Descanso 12.00h – Arantxa Romero: Escritura, cuerpo y animalidad. En esta charla me gustaría desgranar tanto mi trabajo previo en torno a la problemática escritura/cuerpo/imagen como al presente proyecto del contrato postdoctoral que intenta, gracias a la obra entre escritura e imagen de artistas de 1950-70, revisar nuestra desmaterializada animalidad y pluralizar con urgencia los horizontes de lo vivo: ¿cómo comunicar (con) lo animal?, ¿están los animales privados de escritura?, ¿puede existir un cuerpo zoopoético? 12.20h – Irene Mahugo: Quiero realizar un acercamiento a lo que comienza a ser mi investigación, situándome desde la teoría crip/tulli para tratar de trasladarla a espacios performativos, para reflexionar en cómo generar una acción desde la inacción de nuestros cuerpos. La pregunta sería: ¿cómo participar en una revolución o revuelta desde la cama / desde la posición horizontal? Lo crip me lleva a reflexionar en torno a cómo filtrar la imagen propia a través del reflejo del cuerpo en la pantalla, desde la concepción de pantalla como prótesis (algo externo unido a nosotrxs que funciona como una extremidad más), acercándome a una concepción transhumanista y a cómo estos procesos pueden reflejarse en la práctica artística contemporánea. Actualmente, este punto de partida abre muchas otras opciones y preguntas que me gustaría plantear y poner en común para encaminar mi investigación. 12.40h – José Antonio Sánchez: Presencias y haceres de María Teresa Hincapié. 13.00h – Preguntas y comentarios 13.30h –14.00h – Comida 16.00h – Raúl Hidalgo: Sobre la participación y la construcción de relaciones a través de partituras y relecturas. 16.20h – Ana Harcha: Migrantes: tres acciones afectivas. Realización de acciones interdisciplinares en torno a las problemáticas de desplazamiento de pueblos y comunidades, que afectan los modos de percepción y constitución de sociedad del territorio que habitamos. Cada acción pone énfasis en un modo de percepción sensorial: vista/ cuerpo-tacto/ escucha; y acontece en vínculo con un espacio-territorio de la ciudad de Santiago que se entreteje a las memorias e historias de estos desplazamientos. Acción 1: Wallmapu/ Acción 2: Palestina/ Acción 3: Haití. 16.40h – Itsaso Iribarren y Germán de la Riva: Ciudades, caminos, cuerpos y fragmentos. Nuestro trabajo como artistas e investigadores consiste en examinar atenta y particularmente una materia manteniendo una mirada abierta e intuitiva. Es una práctica que nos posibilita descubrir y avanzar por caminos desconocidos, desplazándonos siempre entre los riesgos posibles y la necesidad de aventura. En esta conferencia performativa, Itsaso Iribarren y Germán de la Riva exponen algunas de las herramientas de creación con las que han trabajado en sus obras, haciendo una relectura de lo sucedido en y alrededor de las mismas. Hablando desde la propia práctica y practicando al mismo tiempo. Amplificando los ecos del pasado y construyendo un nuevo lugar desde el que mirar. 17.30h – Preguntas y comentarios 18.00 – Despedida
Facultad de Bellas Artes de Cuenca y otros espacios de la ciudad 21 al 24 de marzo de 2022
Proponemos generar un espacio en el que diversos agentes artísticos puedan compartir sus modos de hacer y líneas de interés en el campo de la investigación y creación artística. Como artistas e investigadores tenemos la sensación de estar naufragando en un mar repleto de datos, de referencias y de contenido que nos vemos en la obligación de absorber para alimentar al monstruo que es el capital cognitivo, siempre insaciable y nunca satisfecho con lo que ya tiene. Nos entendemos como sujetos esponja, necesariamente porosos y permeables pero con capacidades de filtración desde el constante ejercicio del cuestionamiento y la crítica. En esta edición, ponemos el énfasis en los espacios vacíos imprescindibles para la absorción. Absorber implica tener huecos, disponer de un espacio vacío susceptible de ser llenado. Reivindicamos los recovecos en los que encontrar el tiempo y el espacio para pensar frente a una acumulación sin límites. Queremos concentrarnos en esos huecos vacíos, imprescindibles para situarnos a la distancia necesaria y así ser capaces de generar conocimientos concretos y críticos en nuestro contexto. Imaginamos estas porosidades no como entidades independientes unas de otras, sino como espacios interconectados que hemos de habitar conformando una retícula, necesaria para generar alianzas entre diferentes agentes y así poder compartir y ofrecer nuestras habilidades, saberes y afectos. Deseamos contribuir a la creación de un espacio donde todes quepan y tengan las mismas oportunidades; en el que compartir, (des)aprender, empujar, contaminar y generar resistencias colectivas. Invitamos a creadores e investigadores a compartir en estas jornadas, que tendrán lugar el 21, 22, 23 y 24 de marzo, sus procedimientos, metodologías y trabajos finalizados o en proceso. Para participar, las propuestas (conferencia, conferencia performativa, performance o instalación artística) serán presentadas antes del día 6 de febrero de 2022, a través de este formulario web, con la siguiente información: Nombre y apellidos Nombre con el que quieres aparecer en la difusión Mail Número de contacto Lugar de residencia Título de la propuesta Resumen y descripción de la propuesta (máximo 3000 caracteres) Palabras claves Breve biografía (máximo 800 caracteres) Formato de la propuesta (Conferencia, Conferencia performativa, Performance, Propuesta expositiva, etc.) Imágenes de la obra, bocetos o planos de montaje. Necesidades técnicas En caso de que se trate de una propuesta expositiva, cuantos m2 de espacio aproximadamente necesitas (Teniendo en cuenta que los espacios serán compartidos)
*El tiempo estimado para cada propuesta será de 20 minutos aproximadamente; a excepción de las exposiciones, que de acuerdo a la cantidad de postulaciones recibidas variará el tiempo de permanencia en el espacio. **Los equipos técnicos disponibles son limitados, por favor, contacta con la organización si tu propuesta requiere de material técnico específico. Calendario -Inscripción abierta hasta el 6 de febrero a través del siguiente formulario -El encuentro se celebrará del 21 al 24 de marzo de 2022 en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y otros espacios de la ciudad. Organiza el Máster de investigación en prácticas artísticas y visuales y el Máster en prácticas escénicas y cultura visual de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, Universidad de Castilla La Mancha. Con el apoyo del grupo de doctorandos en investigación en el programa de Humanidades, Artes y Educación de la misma universidad.
