2010. Comisariado en colaboración con Tamara Alegre.
Proyecto para Tabacalera-Madrid. Ministerio de Cultura. 25-31 Octubre 2010
En su tercera edición, “Arte es acción”, después de haber intentado habitar un museo y ocupar un teatro, se traslada a una antigua fábrica, en el centro de Madrid. La itinerancia de esta muestra en los últimos años es sintomática de la difícil ocupación de las prácticas artísticas que intenta hacer públicas: son contradictorias con el principio conservacionista de los museos, pero también con el espectacular de los teatros. Quizá una antigua fábrica, aún no sometida a la asepsia ni a la amnesia, pueda constituir un lugar más adecuado.
“Arte es acción” es un proyecto promovido por el Ministerio de Cultura cuyo objetivo es presentar la obra de artistas internacionales que trabajan en el ámbito del arte de acción. La primera edición tuvo lugar en 2008, comisariada por Bartolomé Ferrando: reunió a nueve artistas que presentaron acciones durante tres días en el Museo Reina Sofía de Madrid. La segunda edición tuvo lugar en 2009, comisariada por Marcel.lí Antúnez: se presentaron siete piezas a cargo de nueve artistas durante tres días en el Teatro Valle Inclán de Madrid.
La tercera edición tendrá lugar entre el 25 y el 31 de octubre de 2010 en el edificio Tabacalera en Madrid. En esta ocasión, colaboran en su organización el INAEM y Casa Árabe, una suma de esfuerzos que confiamos, en el futuro, dé lugar a nuevas líneas de actuación en territorios cada vez más transitados por las prácticas artisticas contemporáneas y que resulta imposible delimitar de acuerdo a las categorías tradicionales, tanto desde el punto de vista artístico (teatro, artes visuales, cine, música) como desde el punto de vista geográfico o cultural.
La acción constituyó para muchos artistas a lo largo del siglo XX un medio de romper la clausura de la obra e implicar al espectador en una relación activa, bien por la necesidad de compartir un tiempo y un espacio (en una recuperación de las formas originarias de teatralidad), bien por la necesidad de activar la imaginación en la reconstrucción de la memoria o la potencialidad de la acción a partir de las huellas o los documentos (en una recuperación de las formas originarias de representación plástica). En ambos casos se trata de alejar la práctica artística de la comodidad del producto que se observa, se compra y se almacena para enfatizar la dimensión de experiencia compartida, la construcción colectiva de subjetividad o la generación de discursos de vigencia momentánea.
Arte es acción cuando pone en movimiento o en cuestión el modo mismo de organización de la práctica artística y de su exhibición. Y cuando ese cuestionamiento y ese movimiento trascienden los límites de la clausura institucional y posibilitan vías de comunicación y de efectividad en el exterior. En un tiempo se entendió que un medio eficaz de actuar era suprimir el objeto, el producto. Pero cuando ya los museos incluyen en sus salas las huellas de las acciones e incluso aceptan agrietar sus muros para darles cabida, quizá haya que replantear la relación entre acción artística y producción. En una época dominada por el capitalismo performativo, ¿no podría ser útil volver la mirada atrás y estudiar la potencialidad transformadora que acompañaba a la producción industrial?
Al definir acción como producción queremos poner en evidencia el doble sentido del concepto “producción” en cuanto generación de productos, pero también en cuanto proceso de trabajo para la creación de algo nuevo. Lo nuevo puede ser invención y repetición del tipo o del standard, de acuerdo a la norma industrial, pero lo nuevo puede ser también invención de la organización, redefinición del modo en que se produce. A la producción focalizada en el producto, a la producción entendida como generación de mercancía propia del capitalismo de primera generación sucede la producción como proceso, como enriquecimiento de las relaciones sociales y humanas. No se trata de convertir la relación en mercancía, sino de poner en movimiento los mecanismos de relación.
Nuestra propuesta es poner en funcionamiento por unos días la maquinaria de la Tabacalera, teniendo en cuenta que en una fábrica de tabacos la maquinaria eran las trabajadoras, y que las trabajadoras no sólo actuaban dentro de la fábrica sino también fuera de ella, y que el potencial industrial que los muros encerraban se transformaba en potencial social fuera de ellos. Se trabajará con el espacio, se trabajará con materiales encontrados, se colaborará con otros artistas o se buscará un lugar de acción en espacios de relación en el entorno. Durante esta semana, los participantes compartirán sus procesos en conversaciones informales, sesiones de visionado y debate, propuestas específicas de trabajo en proceso.
Arte es acción en tanto efectivamente pueda contribuir a que memoria y deseo coincidan en la creación de las condiciones que imposibiliten la repetición de lo mismo y fuercen a repensar y redefinir. El arte es acción en cuanto produce experiencia compartida. La acción es arte cuando produce discurso.
Este proyecto es una invitación a la producción compartida. A artistas activos en diferentes contextos y medios, para compartir la memoria de un barrio y de un lugar de trabajo, para compartir también el presente de quienes trabajan en Madrid y de quienes habitan las casas de quienes cien años atrás pusieron su cuerpo al servicio de una producción que no les perteneció, pero que no por ello canceló su deseo.
Artistas y proyectos
Alonso-Craciun
El colectivo alonso+craciun propone la construcción de una instalación arquitectónica específica que integrará objetos del antiguo mobiliario del edificio, objetos de producción propia y un dispositivo audiovisual. Mientras se trabaja en la construcción a lo largo de la semana, se mostrarán obras de video, se realizarán comidas, presentaciones orales, y se desplegará un conjunto de narrativas en distintos formatos: video, fotografía, objetos y texto. Entendiendo lo cultural como un actividad pública, generadora de conflictos y nuevos conocimientos; las narrativas que se presentan remiten a nuevas ediciones sobre lo histórico, los lugares específicos y sus transformaciones: en un escenario local (Uruguay), puestas en relación y re-editadas para este evento.
alonso+craciun (Sebastián Alonso y Martin Craciun) trabajan en proyectos que vinculan el arte, la arquitectura, el pensamiento y las prácticas sociales. Su más reciente trabajo PÚBLICO: Posiciones en un mundo real propone reflexionar sobre la condición de lo público y el público desde diferentes sentidos, como lo son: el carácter público del arte; la imagen de las transformaciones y nuevas configuraciones de la ciudad contemporánea; la ocupación del espacio público desde la práctica artística; el trabajo en forma de agencia; la construcción de los públicos. Formas, instalaciones, fotografías, videos, publicaciones, documentos y el acontecimiento conforman su trabajo.
www.alonso-craciun.net
Jumana Emil Abboud. Las cigarreras. España / Fortuna
Jumana Abboud visitó la antigua Tabacalera en septiembre y quedó profundamente impresionada por el lugar. Se trataba de una impresión física, tangible. Lo que más le impactó fue la yuxtaposición de espacios contradictorios, como si respondieran a un modelo de muy diferentes teselas de cerámica. La atmósfera estaba tensionada por dos fuerzas opuestas: una de plenitud y otra de ausencia, ambas asociadas a la memoria. Caminando por los corredores y salas de la fábrica, casi se podía sentir, incluso oler los fantasmas. Y algunos aparecieron. El primero en un viejo póster caído sobre el suelo de uno de los laboratorios, en el que se representaba a una chica joven, posando tras la palabra-velo “España”. Esta fue la primera aparición, la chica inocente llamada España. La segunda fue Fortuna, el espíritu de una mujer torre. Un monumento notable, como una diosa, coronada. Se escondía tras las cajas de cartones de tabaco amontonadas: era grande, gigantesca. El Espíritu Fortuna. Y de vuelta al vacío, a la casa encantada, a la casa de estas dos mujeres-espíritu, Fortuna y España. ¿Era este edificio con olor a tabaco y techos altísimos un Partenón, “el templo de la diosa virgen”? De hecho, Tabacalera fue el “templo” para muchos cientos de mujeres, no hace tanto tiempo.
Jumana Emil Abboud estudió Bellas Artes en la Facultad de Arte de Ontario (Canadá) y en la Academia de Arte de Bezazel, en Jerusalén, donde actualmente vive y trabaja. Utiliza el dibujo, el video arte, la instalación y la acción. Temas principales que animan su práctica son la memoria, la pérdida y su recuperación, y la cuestión de género femenino. Algunas de las exposiciones en las que ha participado son Reconsiderando el Arte Palestino (Fundación Antonio Pérez, Cuenca, 2006), Huyendo de lo que más nos molesta (Magasin 3, Estocolmo, 2007), 9º Bienal de Lyon (Lyon, 2007), Palestina 1948 (Tropenmuseum, Amsterdam, 2008), Mujeres Artistas (Museo de arte contemporáneo, Algiers, 2008), Jugo de Cactus (Maison des Metallos, Paris, 2008), Escenas del sur II – Meditarráneo Orientale (Carré d’Art, Nimes), Bienal de Venecia y Bienal de Istanbul (2009). Ha participado en programas de residencia como Cove Park Artist-in-Residence (Escocia, 2006) y Artists-Initiative-Tokyo (2005 & 2008).
Minouk Lim. FireCliff (Acantilado de fuego)
Site-specific and sound performance (Instalación específica y actuación sonora)
Letras de las canciones escritas por Minouk LIM 2010
Firecliff, en cuanto acción-intervención en un espacio específico, es una obra de arte que usa el sonido y la luz. En ella, la oscuridad antes que la luz aparece como un tema que interroga sobre cómo ver a través de la oscuridad. El acto de “ver a través de la oscuridad” implica posicionarse contra el miedo y resistir el dolor. Este acto aborda la co-relación entre memoria y testimonio. La oscuridad, al ser capturada por la cámara infrarroja, muestra que algo cálido es algo vivo. El sonido está en armonía con los tiempos de la acción, o cumple la función de un medio crítico. El hip hop, con ayuda de una máquina, hace posible la reproducción creativa, mientra que el canto gregoriano y el testimonio de una mujer mayor proporcionan un empoderamiento de los sentidos por medio de la creencia y de la memoria respectivamente.
La Tabacalera es un lugar que testimonia el fin de la aspiración a y de la creencia en algo firme contenido en la modernidad clásica. El trabajo manual y un sentido de solidaridad comunal surgido de aquél sucumbieron ante el torbellino globalizador y todas las relaciones se han convertido en algo excepcional, abandonadas a la incerteza. Las instituciones capitalistas instan una producción que ya no permite solidaridad o simpatías duraderas: la maquinaria asegura la máxima eficiencia en tiempo, convertida en el único objetivo.
Basado en tal vision, FireCliff canta sobre la sensación de privación y miedo. Activa historia y memoria en la sensación del lugar por medio del arte, pero ayudándonos para mirar de frente las oscuras sombras que se ciernen sobre el futuro. FireCliff es como una espada de doble filo. Lo que ilumina la oscuridad es la esperanza identificada con la calidez de la relación humana que hace posible la solidaridad, con el corazón reconfortado bajo las peligrosas bobinas electrónicas.
Minouk Lim trabaja en un espacio intermedio entre movilidad y discontinuidad, concibiendo formas y prácticas a lo largo del proceso de movilidad. Aunque el modo de producción pueda parecer dinámico, sus ideas son especulativas. En lugar de mantenerse al margen o criticar lo dado, Lim especula en torno a nuestra realidad y dimensión de pensamiento producida por el transcurso de la vida en su movilidad. En este sentido, el trabajo de Lim, sean objetos, acciones, fotografías, vídeos, publicaciones o programación de eventos, constituyen un único trabajo global con múltiples referencias internas entrelazadas. Al trabajar durante y en el proceso, su obra refleja vivamente los espacio-tiempos segmentados de Corea. Como una manera de suspender sobre la discontinuidad o sostener mediante el sentido del desplazamiento, Lim intenta medios potenciales de restaurar la connectividad y la contingencia de individuos en movimiento.
www.minouklim.com
Lan Hungh
Hungh concibe la “producción” desde su experiencia como productor activo de arte en los años transcurridos desde su llegada a Berlín en 2007. En el contexto de “Arte es acción: acción es producción”, Hungh se instalará en los intersticios, en las partes no existentes o ignoradas, en los detalles… “Cuanto más transparentes, más lejos llegarán”. Su trabajo se centrará en el concepto del ser in-catalogado u objeto no identificable. Se tratará de hacer perder al público la capacidad de reconocer, haciéndole recorrer un largo itinerario construido mediante objetos, acciones y otras cosas indefinidas, que apenas se distinguen unas de otras.
Lan Hung, licenciado por la Academia de Bellas Artes de Taiwán. Su práctica consiste en explorar la cotidianidad y la vida íntima a través del arte de acción, la música, instalaciones, vídeos, esculturas y proyectos de comisariado. Desde una aproximación intercultural, su trabajo como un diario que incorpora música y movimientos de su experiencia personal. Ha trabajado en Nueva York, Taipei, Tokyo, Qadar, Martinique y varias cuidades europeas. www.lanhungh.blogspot.com
Talleres
Geraldine Pilgrim. Incidente
Investigación y presentación pública de performances / instalaciones “in-situ”. Trabajo sobre la memoria del lugar, el cuerpo en relación al espacio y la dinámica arquitectural, trabajo no-verbal, exploración del texto como lenguaje visual. Los participantes trabajarán individual o colectivamente en el interior o exterior de la antigua fábrica de tabaco de Madrid. Escogiendo temas y lugares para el desarrollo de un trabajo que examina la potencia de la performatividad y el espacio. Explorando a través de la creación de atmósferas y la utilización de objetos para desarrollar y crear nuevas narrativas inspiradas en la memoria del espacio, entrelazadas con la consciencia del presente y la proyección del futuro.
Geraldine Pilgrim, directora, diseñadora y creadora de instalaciones. Directora artística de Corridor, desde el año 2000, compañía de “performance art” y creaciones de trabajos específicos en colaboración con jóvenes, personas mayores, artistas y residentes locales. Su trabajo “in-situ” se especializa en instalaciones y actuaciones en lugares inusuales donde la arquitectura sirve de inspiración y narración, donde gradualmente se van desvelando memorias y atmósferas acumuladas con el paso de los años junto con la historia (imaginada y real) del espacio. Cofundadora y directora artística de la destacada compañía de teatro visual Hesitate and Demonstrate que recorrió el Reino Unido y Europa con instalaciones, actuaciones y trabajos específicos de gran escala. www.corridorperformance.org
Ayse Orhon. Decisiones / Hábitos
“Comenzaremos por analizar y posicionar nuestros cuerpos en el espacio-tiempo. Preguntándonos por qué decidimos qué cosas en determinados contextos-circunstancias, y qué son estas decisiones. Lo que no elegimos puede ser nuestra verdadera decisión, como lo que elegimos puede ser lo habitual, lo conocido, lo inconsciente. Conociendo las acciones que hacemos podemos añadir las que no nos son familiares. Cerca del “posicionarse en el cuerpo del otro”. Más interesante, similar pero diferente, “visitando el cuerpo del otro”. Trabajando los “eso sí /eso no” intentaremos crear situaciones de no-representación con la participación física y mental y la participación intuitiva, el riesgo y el soporte mutuo.
Ayse Orhon, coreógrafa e intérprete: en paralelo a su propio trabajo creativo ha colaborado con otras coreógrafas como Aydin Tekker y Emmanuelle Huynh, así como con artistas visuales, como Gülsün Orhon. Nacida en 1976, estudió profesionalmente harpa y natación sincronizada. Continuó su formación en danza graduándose en la DansAkademie/EDDC, la academia de danza y arte en Arnhem y Dusseldorf, en junio del 2001. Trabaja en Estambul como bailarina y coreógrafa. Su creación Can You Repeat? (2007) fue premiada en 8:tension-Impulstanz Festival de Vienna en 2008 y su último dúo Hava’n?n a’s? inauguró el Tanz im August Festival de Berlín (2009).
Josep-Maria Martín. El armario. De lo privado al espacio público.
Se trata de generar un contexto para una investigación colaborativa, una reflexión y una propuesta artística basada en la transformación de lo privado en espacio político. El motivo “salir del armario” será entendido en sentido amplio y no solo desde la identidad de género. Los posicionamientos y decisiones personales que afectan al individuo raramente son puestas en valor; sin embargo, constituyen una parte fundamental del desarrollo sistémico, que se relaciona con el espacio, el tiempo y el colectivo.
Programa
De lunes 25 a sábado 30 de octubre
10.00 -18.00. Talleres a cargo de Josep-Maria Martín, Ayse Orhon y Geraldine Pilgrim
Lunes 25 de octubre
12.30. Conferencia de Pensart Cultura: «Saltos de Eje y Compromiso Social»
(introducción al taller de Josep Maria Martin)
18-30-21.30. Programación de vídeo. Obras de Jumana Emil Abboud, Lan Hungh, Minouk Lim, Ayse Orhon y Geraldine Pilgrim
19.30 h. Encuentro con Geraldine Pilgrim
Martes 26 de octubre
18-30-21.30. Programación de vídeo.
19.30 h. Encuentro con Josep-Maria Martín
Miércoles 27 de octubre
18-30-21.30. Programación de vídeo
19.30 h. Encuentro con Jumana Abboud
Jueves 28 de octubre
18-30-21.30. Programación de vídeo
19.30 h. Encuentro con Ayse Orhon
Viernes 29 de octubre
17.30-21.30. Programación de vídeo
18.30. Encuentro con Lan Hungh
20.00. Presentación del proyecto ¿Se considera un asesinato disparar a un cadáver?, de alonso + craciun
Sábado 30 de octubre
10.30-21.30. Programación de vídeo
10.30-22.30. Presentación del proyecto de Lan Hungh: Sorry, I’m late. Acción duracional.
12.30 y 18.30. Presentación del proceso realizado en el taller El armario: de lo privado al espacio público, de Josep Maria Martín
17.00. Encuentro con alonso + craciun
17.00-21.00. Presentación de Las cigarreras. España-Fortuna, de Jumana Emil Abboud. Acción duracional.
21.30. Presentación de Fire Cliff (Acantilado de fuego), de Minouk Lim
Domingo 31 de octubre
10.30-21.30. Programación de vídeo
12.30 Presentación proceso Decisiones/hábitos, de Ayse Orhon
17.00. Encuentro con Minouk Lim
18.30. Presentación proceso realizado en el taller Incidente, de Geraldine Pilgrim
20.00. Presentación de Fire Cliff (Acantilado de fuego), de Minouk Lim
Programa de vídeo
-The Weight of hands. 13,50 min. 2010
– New Town Ghost. 10,45 min. 2005
– Smugling Lemons. 20,40 min. 2006
– Holding my breath (pot version). 16,20 min. 2006
– The Pomegranate. 17,30 min. 2005
– Al-awda (The return). 3,40 min. 2002
Lan Hungh
-Karete (white hole). 3,09 min. 2010
-Tamagotchi. 2,12 min. 2009
-Stop me. 1,26 min. 2009
Ayse Orhon / Gülsün Orhon
-38-40. 5 min, 2002
Geraldine Pilgrim
-Diaporama. Imágenes de las obras: Deep End (2005), Stardust (2005), SPA (2003), Hotel (2000), Dreamwork3 (2000), Dreams of a Winter Night (2007), Enchanted Parks (2007), Handbag Scratch (2010) Not Waving but Drowning (2010)
Jumana Emil Abboud. Vídeos
Smuggling Lemons (Contrabando de limones)
Video monocanal, 2006
“Quiero pasar limones de contrabando de Jerusalén y Ramala. Eso es todo. En realidad todo un limonero, pero como no puedo llevar un árbol entero en m bolsa, llevaré sólo los limones. Smuggling Lemons es un proyecto con diversos componentes: una obra de vídeo, una instalación con los limones pasados de contrabando y una acción que implica un puesto de limones y que tendrá lugar al final del proyecto con el fin de eliminar toda evidencia de la operación de contrabando. Se puede ver el escenario en que un individuo vuelve a encontrar el limonero en el mismo jardín en que antes estuvo la casa que perdió. Podría pensar ingenuamente que la pérdida de su casa se debió a una desorientación geográfica, a o un error cometido al diseñar un mapa. Imagina que un día te despiertas y te encuentras separado tanto de tu casa como de tu jardín, o descubres que tu casa ha sido cercenada de tu jardín. Te gustaría mucho calmar tu sed con un vaso de limonada fría. Pero sucede que la única manera de hacerlo es robando limones de un árbol (en la otra parte) mediante una precaria operación de contrabando.
El proyecto incluye el diseño de un cinturón especial para poder llevar los limones con el fin de facilitar su transporte. Habrá ocasiones, sin embargo, en las que no seré capaz de usar el cinturón (durante los controles fronterizos, por ejemplo, en los que el cinturón se podría parecer sospechosamente a un cinturón explosivo); en tales circunstancias, los limones serán llevados a mano, colocados en un bolso, bajo el brazo, dentro de la boca o en un bolsillo…
Haré el viaje de Jerusalén a Ramala varias veces, llevando un lote de limones cada vez.
Nunca se sabe la ruta que habrá que tomar, la situación en la frontera o la posibilidad de cruzar los “checkpoints”; de ahí saldrá la documentación visual del viaje. Viajaré por el paisaje, llevando los limones en la mano o alrededor de mi cintura como si llevara a mi hija recién nacida, llamaré su atención hacia el paisaje en todo su esplendor, le señalaré mis lugares favoritos y, al llegar, la meceré suavemente para decirle: “Mira, estamos en casa”.
Una vez que haya pasado una cantidad suficiente de limones de contrabando, organizaré una especie de celebración en la cual intentaré disponer todos los limones, haré una limonada y a continuación venderé el zumo. La limonada será muy barata, con el fin de animar al consumo de todos los limones y de ese modo erradicar, o al menos cuestionar, la idea misma de la existencia del limonero. Los limones son como joyas. Representan la salud y la gloria de la tierra, una enciclopedia histórica y personal de nuestro bagaje cultural. Simbolizan herencia, memoria y anhelo, identidad nacional y actos individuales de “heroísmo” (o de la ilusión del mismo), destrucción y pérdida, traición y abandono; y al mismo tiempo, los limones podrían simplemente facilitar un procedimiento ritual que implica la preparación de un vaso de limonada fresca.”
Traducción de los subtítulos:
“¡Qué Dios esté contigo Abu Ramzy!”
“Séis kilos de pepino por diez”
“¿Cuanto cuesta? Un shekel, me quiero ir a casa, si Dios quiere.”
“¡Se lo quitaré enseguida!”
“Quizás durante las vacaciones te visite.”
“Sí, ven.”
“Oye… ¿sabes dónde está la antigua tienda de Herbawy?”
“Uvas, uvas”
“Tengo un dolor muy fuerte.”
“Lo dejé pasar durante año y medio, pero ahora se ha vuelto más grave.”
“Imagina.”
“Podría esperar un año o así y entonces sacarme todos los dientes
y simplemente reemplazarlos todos por unos postizos.”
“Los limones están atascados.”
“Y la maleta está atascada.”
Minouk Lim. Vídeos. The Weight of Hands
(El peso de las manos) 2010
Vídeo y audio HD, proyección monocanal.14 min.
La obra de Minouk Lim surge de una exploración de temas personales y cotidianos. En sus instalaciones y acciones, la artista se interroga sobre la memoria colectiva de las comunidades para recuperar lo que ha caído en olvido.
Adoptando el formato de una acción estilo “road movie”, The weight of hands es una proyección de vídeo monocanal con una cámara infrarrojo. Mientras que las anteriores obras de Lim utilizaba velocidad y luz con el fin de descifrar el sentido espacial y temporal de las ciudades en proceso de devastación por el desarrollismo, esta obra usa la temperatura y el calor para capturar un espacio y una naturaleza que “ya están atrasadas”. Esta nueva obra sigue un especial viaje guiado en autobús que porta a sus pasajeros en un peregrinaje para visitar lugares donde la presencia humana está prohibida. Al absorber el calor de los cuerpos de los peregrinos, estos espacios restringidos y estos escenarios a punto de desaparecer, emergen de la oscuridad, capturados por la cámara infrarroja como diferentes figuras y formas de luz y color. En el interior iluminado del autobús, el único lugar donde la presencia humana está permitida, una mujer empieza a cantar. Tras subirse a los asientos del autobús, la cantante, simbolizada como “el flujo”, deja que los peregrinos la eleven y que la pasen de uno a otro. Aunque la lente de la cámara es a veces oscurecida por las manos durante la acción, la artista imagina que estos gestos son conductores del flujo, que crean un sentido de luminosidad más que de peso. Por medio de esta obra, la artista evoca sentimientos de pérdida, desprotección y alienación causados por la ideología invasora que insiste en el desarrollo de la naturaleza “por el bien común”. Usando una cámara infrarroja (usada convencionalmente para propósitos de vigilancia), The Weight of Hands infiltra dos entidades cerradas: la naturaleza (sujeta al capricho de los desarrollistas) y los espacios (ocultos en la oscuridad pero prohibidos para su ocupación), retrocediendo a nuestro sentido del tacto cuando nuestro sentido de la vista nos falla. De esta manera, la obra propone como alternativa a “Sightseeing” el término “Sighttouching”, reevaluando las imágenes de la obra como un medio para percibir calor y peso.
Gracias a Lois Keidan, Eduardo Bonito, Hyun-Suk Seo, Catarina Saraiva y Michela de Petris.
Ministerio de Cultura / Casa Árabe / INAEM