En breve subiremos toda la información.
Próxima actividad
Cátedra Teatralidades Expandidas 2023
Cátedra Teatralidades Expandidas. Entretenimiento forzoso. Cosas que pasan por tu cabeza mientras caes
Toda la info: https://www.museoreinasofia.es/actividades/catedra-teatralidades-expandidas-forced-entertainment
Del 28 de septiembre al 1 de octubre, 2023 – Consultar programa
La Cátedra Teatralidades expandidas, comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida.
Esta tercera edición se articula en torno a la trayectoria artística y discursiva de Tim Etchells y su trabajo con Forced Entertainment, un colectivo creado en Sheffield (Inglaterra) en 1984, integrado por Robin Arthur, Richard Lowdon, Claire Marshall, Cathy Naden, Terry O’Connor y Etchells como director artístico. Nacido en pleno auge del thatcherismo, Forced Entertainment se mantiene activo después de casi cuarenta años, desafiando el individualismo neoliberal con una práctica basada en la incertidumbre, las preguntas, la expresión de los miedos, la burla reflexiva, pero también los sueños compartidos, la potencia conectiva y la disidencia temporal. Aunque su principal medio es la escena, en sus propuestas conviven la escritura, la instalación visual y la intervención en espacios públicos. El trabajo actoral se basa en una tensión entre el estar presente físicamente y el salir constantemente de sí, por medio de la literarización, el enmascaramiento (como muñeco o animal) o la pérdida (de la voz, del movimiento, de la propia imagen). Las actuaciones duracionales permiten reflexionar acerca del agotamiento, como un eco del trabajo desregulado y alienante que también puede ser llamado “inhumano”. Forced Entertainment invita a los asistentes a no ser espectadores distraídos sino testigos que se atrevan a la desestabilización y se impliquen en una experiencia estética que es también una acción ética y política.Mostrar más
Programa
Jueves 28 de septiembre, 2023
Sesión 1
17:00 – 21:00 h Quizoola! Performance duracional
—A cargo de Forced Entertainment
Inglés con traducción simultánea al español
Esta edición de la Cátedra se inaugura con Quizoola!, una performance improvisada en la que los artistas formulan y responden preguntas de manera ininterrumpida. Ya sean filosóficas, triviales o profundamente personales, los artistas inventan las respuestas sobre la marcha: pueden ser verdaderas o falsas, largas o cortas, serias o cómicas. Así, el ambiente de la performance oscila entre la charla íntima, el pub quiz y el interrogatorio absurdo. A través del juego y la improvisación, el espectador entra en contacto con un clima cargado de energía en vivo.
La duración original de este oscuro e hilarante clásico de Forced Entertainment es de 6 a 24 horas. En el Museo se presenta una versión reducida de 4 horas a cargo de dos performers del grupo. Como en todas las obras de larga duración del grupo, el público de Quizoola! es libre de entrar y salir en cualquier momento, y puede decidir si quiere permanecer en su asiento durante mucho tiempo o dejar la sala un rato en diferentes momentos para ver qué pasa.
Edificio Nouvel, Auditorio 400
400 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo
Viernes 29 de septiembre, 2023
Sesión 2
12:00 – 14:00 h Some Imperatives. Performance duracional
—A cargo de Tim Etchells, en colaboración con el Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual
Some Imperatives es una performance de larga duración que propone una secuencia de textos breves pintados por un artista en solitario sobre una pared. El texto de la pieza comprende diversos eslóganes, llamadas al cambio, la acción o la protesta, la reflexión filosófica y al replanteamiento político.
A medida que los textos individuales cambian de registro —poético, absurdo y pragmático—, el proceso de la representación —pintar el texto, borrarlo y volverlo a pintar repetidamente en el mismo lugar a lo largo de un periodo de tiempo— pone en primer plano la propia escritura como proceso de argumentación errática y contradicción. Conforme se van marcando las paredes repetidamente, las iteraciones del texto se acumulan y se muestran parcialmente a través de las capas de pintura, creando un residuo desordenado de la acción en curso.
Esta performance cuenta con la participación de Tim Etchells y la colaboración del Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual.
Acceso a la performance en intervalos de 30 minutos una vez iniciada la actividad. La performance se repetirá el sábado 30 de septiembre de 13:00 a 15:00 h y el domingo 1 de octubre de 12:00 a 14:00 h
Edificio Sabatini, Planta 3, conexión con Edificio Nouvel
240 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en la web del Museo a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la actividad. Máximo 2 por persona
Viernes 29 de septiembre, 2023
Sesión 3
16:30 – 16:45 h Presentación
—A cargo de José Antonio Sánchez
16:45 – 17:45 h Exquisite Catastrophe [Catástrofe exquisita]
Conferencia de Adrian Heathfield
Inglés con traducción simultánea al español
¿Cómo podemos concebir eventos de experimentación escénica como los del colectivo teatral Forced Entertainment? ¿Cómo se relacionan estos eventos con el proceso de creación colaborativa y qué es lo que rompen e instituyen? Si nuestra identidad humana está actualmente marcada por su volatilidad, su relación violenta con la naturaleza y la amenaza de su continuidad, ¿cómo se evocan estas realidades desde la práctica de Forced Entertainment?
En esta conferencia, Adrian Heathfield traza filamentos de un imaginario catastrófico —a veces angustiado y melancólico, alegre y extático— que discurre, se estremece y se transforma a través del cuerpo de trabajo de la compañía.
17: 45 – 18:45 h The Slow Hurry of Figuration [La prisa calma de la figuración]
Conferencia de Giulia Palladini
Español con traducción simultánea al inglés
En esta conferencia, la investigadora Giulia Palladini explora la temporalidad y la estética del trabajo de Forced Entertainment. En particular, aborda la técnica de la figuración que caracteriza la obra de la compañía a lo largo de sus cuatro décadas de creación colaborativa. A partir de la locución latina festina lente, Palladini propone el concepto de “prisa calma” como prisma de lectura de una serie de prácticas que considera distintivas del trabajo, la imaginería y el lenguaje teatral de Forced Entertainment. Así, considera que la “prisa calma” caracteriza su obra de varias maneras: es un tempo a menudo presente en el escenario, participa en ciertas estructuras de reconocimiento del espectador que vuelve, y afecta al proceso creativo colectivo y duradero que esconde la obra en su conjunto. En los espectáculos de Forced Entertainment “la prisa calma” funciona como una tecnología que se esfuerza por abrir la potencialidad de la figuración.
Edificio Nouvel, Auditorio 200 y Plataforma online
200 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo
Viernes 29 de septiembre, 2023
Sesión 4
19:00 – 21:00 h 12am: Miniatures
Performance
—A cargo de Forced Entertainment
12 am: Miniatures es una versión breve de 12 am…, una performance física y visual que explora la relación entre objeto y etiqueta, imagen y texto. La pieza funciona como una especie de caleidoscopio narrativo en el que las figuras que se nombran, en diferentes combinaciones, comparten espacio bajo el telón de fondo de estrellas eléctricas. La performance juega con el creciente agotamiento e inventiva de sus intérpretes, que reimaginan sin cesar sus identidades valiéndose de carteles y distintas prendas de ropa para crear nuevas historias y yuxtaposiciones entre personajes.
La pieza original se desarrolló a partir de material utilizado por primera vez en el espectáculo teatral de la compañía Emanuelle Enchanted(1992) y fue la primera obra de larga duración (de 6 a 11 horas en su versión original) creada por Forced Entertainment. La lista completa de personajes/signos utilizados en 12 am… está publicada en la colección de ensayos Certain Fragments (Routledge, 1999), de Tim Etchells. La performance es interpretada por Richard Clowdon, Tim Etchells y Claire Marshall, integrantes de Forced Entertainment, en diferentes espacios del Museo, y el público es libre de entrar y salir a su antojo.
150 personas
Entrada
Entrada libre hasta completar aforo. Acceso por entrada general de Nouvel
Sábado 30 septiembre, 2023
Sesión 5
17:00 – 18:00 h nO me tienE quE interesaR
Charla performática de Juan Domínguez
¡Qué bien le va a venir esta charla al campo!
¿Qué campo? – ¿Qué charla?
Entro en un sitio y poco a poco me adentro en diferentes dimensiones de él para acabar en otro sitio diferente sin saber dónde estoy ni como he llegado a él, pero sin sentir que estoy perdidx. No pienso en si me interesa o no, no me tiene que interesar, siento y me siento bien aquí.
Cuando me vaya querré volver, ¿lo haré? Tantos sitios en los que me sentía bien a los que no he vuelto.
Creo que de eso trata esta charla, de volver.
¿volver? – ¿charla?
Juan Domínguez
18:00 – 19:00 h A Question Without an Answer [Una pregunta sin respuesta]
Conferencia performativa de Tim Etchells
Inglés con traducción simultánea al español
La voluntad de Forced Entertainment es actualizar y alentar tensiones, creando constelaciones inestables de significación y percepción en el espacio entre el escenario y el espectador, en la zona social y política del auditorio y en la respuesta dinámica (a través de la lectura activa) de los propios espectadores. El grupo no está interesado en aquello que pueda ser dicho, resumido o expuesto de una forma alternativa a la representación. El conocimiento y la “información” que busca Forced Entertainment radica en (y no es divisible de) el despliegue del tiempo y la energía colectivos, el movimiento de los cuerpos y la negociación pública de la copresencia. El significado de la obra se halla únicamente en el acto y la situación de la propia representación, y en ningún otro lugar.
En esta conferencia, Tim Etchells reflexiona sobre el desarrollo y proceso de trabajo de Forced Entertainment, haciendo referencia a las performances realizadas por el grupo a lo largo de sus 40 años.
19:00 – 19:30 h Pausa
19:30 – 21.30 h Tensión permanente. Coloquio
—A cargo de Juan Domínguez, Tim Etchells, Adrian Heathfield y Giulia Paladini. Modera José Antonio Sánchez
Español e inglés con traducción simultánea.
Tras cuarenta años de trayectoria creativa, cabría pensar que un+ artista alcanza un dominio de su medio que le permite perseguir sus propósitos con seguridad. Pero la seguridad es precisamente lo que la práctica de Forced Entertainment evita, en parte por una necesidad intrínseca al proceso creativo, en parte como respuesta a una realidad cultural y política cambiante. No hay estabilidad sin desestabilización previa, el equilibrio es valioso allí donde resulta difícil mantenerlo. No hay compromiso creativo cuando se desatienden las urgencias de la realidad, aquellas de las personas y seres con quienes convivimos. En esta tensión se mantienen todas las personas participantes en este coloquio, tanto l+s artistas de Forced Entertainment como l+s teóric+s que acompañan su trabajo desde la escritura.
Coloquio disponible en la Plataforma online.
Edificio Nouvel, Auditorio 200
200 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo
Jueves 28, viernes 29 y sábado 30 de septiembre, 2023 – de 10:00 a 21:00 h
Videocreaciones
Activaciones en salas de la Colección
En paralelo a las actividades, durante los tres días de duración de la Cátedra, se pueden ver tres videocreaciones de Tim Etchells en las salas de la Colección:
Tim Etchells. Paint it Black [Píntalo de negro]
Reino Unido, 2014, color, monocanal, sin sonido, AD, 4’
Cámara y producción: Anna Krauss
La obra Paint it Black, de Tim Etchells, surge de una sencilla tarea de interpretación en la que la letra clave de la canción homónima de los Rolling Stones se representa como una instrucción literal. A medida que las imágenes en pantalla, anuncios, textos y titulares de una serie de revistas y periódicos desaparecen bajo la pintura negra, la continua acción de pintar de Etchells relega a la oscuridad del olvido a estrellas del rock, políticos, economistas, modelos, paisajes naturales y gráficos estadísticos. Esta pieza audiovisual fue producida por primera vez como parte del proyecto Karaoke (ART) de Davis Freeman en 2014.
Tim Etchells. Eyes Looking [Ojos que miran]
Reino Unido, 2016, color, monocanal, sin sonido, AD, 3’.
Esta obra fue encargada originalmente por Times Square Arts’ Midnight Moment y proyectada en octubre de 2016 en las pantallas de Times Square (Nueva York) como parte del festival Crossing the Line. La pieza pone de relieve las pequeñas acciones y detalles que unen a los humanos, generando una sensación de multitud de cuerpos vivos, que respiran y se mueven juntos en el espacio público de una ciudad. Mediante la materialidad efímera del hielo, Eyes Looking reflexiona sobre la transmutación de las palabras que, al ir disolviéndose en agua, se convierten en patrón, forma y reflejo.
Tim Etchells. Untitled (After Violent Incident) [Sin título (A partir de Incidente Violento)]
Reino Unido, 2013, color, monocanal, 67’
Como sugiere su título, el vídeo Untitled (After Violent Incident) de Etchells comenzó como respuesta a la videoinstalación Violent Incident (1986) de Bruce Nauman. En la obra de Nauman, un hombre y una mujer aparecen en doce pantallas en interminables tomas desincronizadas, representando y repitiendo un brutal número de slapstick. En la versión de Etchells, dos intérpretes —Lucy McCormick y Bruno Roubicek— repiten en bucle la coreografía del vídeo original en tiempo real, reiterando hasta el agotamiento su secuencia de caídas, patadas, bofetadas y derribos. La obra obtiene una repetición brutal y al mismo tiempo cómica, conseguida mediante la coacción física más que a través de la edición.
Disponible próximamente
Entrada
Acceso con la entrada general al Museo
Encuentro de Investigación en Artes “Escarbar a oscuras”
Encuentro de Investigación en Artes “Escarbar a oscuras”
Facultad de Bellas Artes de Cuenca
Museo Nacional Centro de Arte Reína Sofía
Fundación Antonio Pérez
17, 21, 22 y 23 de marzo de 2023
El encuentro de investigación Escarbar a oscuras se propone como un lugar para compartir procesos, preguntas y experimentaciones en torno a la investigación artística. Un marco idóneo para promover el intercambio de metodologías, procedimientos e inquietudes a través del diálogo y la observación de nuevas miradas.
En la oscuridad, la vista requiere de un tiempo de adaptación que agudiza el resto de los sentidos. Intuimos el camino gracias a los cuerpos que sentimos próximos. Cavamos y expandimos el laberinto de la investigación artística; construimos oquedades en una tierra que fertiliza en el encuentro con el otro.
La opacidad da paso a la nitidez a medida que avanzamos en compañía: nos encontramos en modos de hacer, ver y pensar que, como túneles, generan un laberinto de afinidades. Los procesos individuales y el proceso colectivo suceden a la vez, retroalimentándose.
Encuentro ARTEA
Encuentro ARTEA
Facultad de Bellas Artes de Cuenca
25 de mayo de 2022
El Encuentro Artea es una jornada que se celebra anualmente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca con el propósito de poner en común los proyectos actuales de sus investigadores e investigadoras y así generar debate, compartir experiencias y plantear posibles colaboraciones. El encuentro tendrá lugar el 25 de mayo de 10.00h a 18.00h en el aula 111 y la asistencia es libre. 10.00h – Bienvenida 10.10h – Isis Saz: Un bosque en el jardín. 10.30h – Anja Isabel Schneider: Mi investigación se centra en la noción de (anti-)ópera partiendo de las producciones artísticas más recientes de Alexander Kluge. La relevancia actual de las propuestas de Kluge pasan por la aplicación del término anti-ópera, el cual opera en otras formas y términos radicalmente diferentes. Del mismo modo que debe pasar por su descolonización a través de la cooperación con otros artistas y paradigmas culturales, sociales y políticos. Un ejemplo será la cooperación de Kluge con Manthia Diawara (Bamako, Mali, 1953) en la pieza de Diawara: Una ópera del mundo (2017). 10.50h – Olga Martí: Una teoría del resto. Este estudio aborda el problema de la temporalidad, el mundo de lo esperable y cierta idea de fuga o desplazamiento. Lo hace desde la práctica artística, ensayando relaciones del cuerpo con otros tiempos y ritmos que difieren del de la producción y velocidad contemporánea y en espacios que no son para ser vistos, sino más bien lugares cotidianos y de intimidad. 11.10h – Preguntas y comentarios 11.45h – Descanso 12.00h – Arantxa Romero: Escritura, cuerpo y animalidad. En esta charla me gustaría desgranar tanto mi trabajo previo en torno a la problemática escritura/cuerpo/imagen como al presente proyecto del contrato postdoctoral que intenta, gracias a la obra entre escritura e imagen de artistas de 1950-70, revisar nuestra desmaterializada animalidad y pluralizar con urgencia los horizontes de lo vivo: ¿cómo comunicar (con) lo animal?, ¿están los animales privados de escritura?, ¿puede existir un cuerpo zoopoético? 12.20h – Irene Mahugo: Quiero realizar un acercamiento a lo que comienza a ser mi investigación, situándome desde la teoría crip/tulli para tratar de trasladarla a espacios performativos, para reflexionar en cómo generar una acción desde la inacción de nuestros cuerpos. La pregunta sería: ¿cómo participar en una revolución o revuelta desde la cama / desde la posición horizontal? Lo crip me lleva a reflexionar en torno a cómo filtrar la imagen propia a través del reflejo del cuerpo en la pantalla, desde la concepción de pantalla como prótesis (algo externo unido a nosotrxs que funciona como una extremidad más), acercándome a una concepción transhumanista y a cómo estos procesos pueden reflejarse en la práctica artística contemporánea. Actualmente, este punto de partida abre muchas otras opciones y preguntas que me gustaría plantear y poner en común para encaminar mi investigación. 12.40h – José Antonio Sánchez: Presencias y haceres de María Teresa Hincapié. 13.00h – Preguntas y comentarios 13.30h –14.00h – Comida 16.00h – Raúl Hidalgo: Sobre la participación y la construcción de relaciones a través de partituras y relecturas. 16.20h – Ana Harcha: Migrantes: tres acciones afectivas. Realización de acciones interdisciplinares en torno a las problemáticas de desplazamiento de pueblos y comunidades, que afectan los modos de percepción y constitución de sociedad del territorio que habitamos. Cada acción pone énfasis en un modo de percepción sensorial: vista/ cuerpo-tacto/ escucha; y acontece en vínculo con un espacio-territorio de la ciudad de Santiago que se entreteje a las memorias e historias de estos desplazamientos. Acción 1: Wallmapu/ Acción 2: Palestina/ Acción 3: Haití. 16.40h – Itsaso Iribarren y Germán de la Riva: Ciudades, caminos, cuerpos y fragmentos. Nuestro trabajo como artistas e investigadores consiste en examinar atenta y particularmente una materia manteniendo una mirada abierta e intuitiva. Es una práctica que nos posibilita descubrir y avanzar por caminos desconocidos, desplazándonos siempre entre los riesgos posibles y la necesidad de aventura. En esta conferencia performativa, Itsaso Iribarren y Germán de la Riva exponen algunas de las herramientas de creación con las que han trabajado en sus obras, haciendo una relectura de lo sucedido en y alrededor de las mismas. Hablando desde la propia práctica y practicando al mismo tiempo. Amplificando los ecos del pasado y construyendo un nuevo lugar desde el que mirar. 17.30h – Preguntas y comentarios 18.00 – Despedida
Encuentro de investigación: Porosidades
Encuentro de investigación: Porosidades
Facultad de Bellas Artes de Cuenca y otros espacios de la ciudad
21 al 24 de marzo de 2022
Proponemos generar un espacio en el que diversos agentes artísticos puedan compartir sus modos de hacer y líneas de interés en el campo de la investigación y creación artística. Como artistas e investigadores tenemos la sensación de estar naufragando en un mar repleto de datos, de referencias y de contenido que nos vemos en la obligación de absorber para alimentar al monstruo que es el capital cognitivo, siempre insaciable y nunca satisfecho con lo que ya tiene. Nos entendemos como sujetos esponja, necesariamente porosos y permeables pero con capacidades de filtración desde el constante ejercicio del cuestionamiento y la crítica. En esta edición, ponemos el énfasis en los espacios vacíos imprescindibles para la absorción. Absorber implica tener huecos, disponer de un espacio vacío susceptible de ser llenado. Reivindicamos los recovecos en los que encontrar el tiempo y el espacio para pensar frente a una acumulación sin límites. Queremos concentrarnos en esos huecos vacíos, imprescindibles para situarnos a la distancia necesaria y así ser capaces de generar conocimientos concretos y críticos en nuestro contexto. Imaginamos estas porosidades no como entidades independientes unas de otras, sino como espacios interconectados que hemos de habitar conformando una retícula, necesaria para generar alianzas entre diferentes agentes y así poder compartir y ofrecer nuestras habilidades, saberes y afectos. Deseamos contribuir a la creación de un espacio donde todes quepan y tengan las mismas oportunidades; en el que compartir, (des)aprender, empujar, contaminar y generar resistencias colectivas. Invitamos a creadores e investigadores a compartir en estas jornadas, que tendrán lugar el 21, 22, 23 y 24 de marzo, sus procedimientos, metodologías y trabajos finalizados o en proceso. Para participar, las propuestas (conferencia, conferencia performativa, performance o instalación artística) serán presentadas antes del día 6 de febrero de 2022, a través de este formulario web, con la siguiente información:
Nombre y apellidos
Nombre con el que quieres aparecer en la difusión
Mail
Número de contacto
Lugar de residencia
Título de la propuesta
Resumen y descripción de la propuesta (máximo 3000 caracteres)
Palabras claves
Breve biografía (máximo 800 caracteres)
Formato de la propuesta (Conferencia, Conferencia performativa, Performance, Propuesta expositiva, etc.)
Imágenes de la obra, bocetos o planos de montaje.
Necesidades técnicas
En caso de que se trate de una propuesta expositiva, cuantos m2 de espacio aproximadamente necesitas (Teniendo en cuenta que los espacios serán compartidos)
*El tiempo estimado para cada propuesta será de 20 minutos aproximadamente; a excepción de las exposiciones, que de acuerdo a la cantidad de postulaciones recibidas variará el tiempo de permanencia en el espacio. **Los equipos técnicos disponibles son limitados, por favor, contacta con la organización si tu propuesta requiere de material técnico específico. Calendario -Inscripción abierta hasta el 6 de febrero a través del siguiente formulario -El encuentro se celebrará del 21 al 24 de marzo de 2022 en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y otros espacios de la ciudad. Organiza el Máster de investigación en prácticas artísticas y visuales y el Máster en prácticas escénicas y cultura visual de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, Universidad de Castilla La Mancha. Con el apoyo del grupo de doctorandos en investigación en el programa de Humanidades, Artes y Educación de la misma universidad.
Grupo de estudios: Conjugar mundos: corporalidades multiespecie
Grupo de estudios: Conjugar mundos: corporalidades multiespecie
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
Febrero a Mayo – 2022
A lo largo de seis sesiones, el grupo de estudio Conjugar mundos: corporalidades multiespecie pretende investigar modelos alternativos en la teoría cultural y del arte, así como en prácticas artísticas, que desafían radicalmente la relación entre animales y humanos. Sosteniéndose sobre una razón más cultural que biológica, estas relaciones han pasado por diversas fases en la cultura occidental, en las que lo animal se ha entendido como una amenaza directa o posible depredador, una figura sagrada mitológica o superhumana, una fuente alimentaria, un recurso, aliado o soporte energético para el trabajo, un objeto de entretenimiento y, finalmente, una mascota o criatura de compañía que se humaniza progresivamente. Con los avances en la observación de formas de vida microscópicas, nuestras nociones sobre el reino animal se expanden, a la vez que se ponen en crisis: las criaturas vivas microscópicas, virus y bacterias o compuestos químicos de los seres vivos, siguen siendo hoy tanto una amenaza para la vida (la infección, la plaga) como un soporte de ella (la vacuna); una figura quasi sagrada que convoca nuestra identidad sexual (las hormonas), una prótesis alimentaria del bienestar humano (las vitaminas o los probióticos) o una posible fuente directa de energía (fitoplancton o algas). La lista de posibilidades es casi infinita, pero en todos los casos la relación asimétrica entre humanos y animales construida a todas las escalas durante siglos permanece prácticamente intacta. Las investigaciones sobre el entorno espacial animal del biólogo alemán Jakob von Uexküll, realizadas en las primeras décadas del siglo XX, en completa confluencia con la producción de las vanguardias históricas, fueron lo suficientemente reflexivas, transversales y duraderas como para impactar directamente en pensadores de la condición humana como Martin Heidegger, Ortega y Gasset, Gilles Deleuze y Giorgio Agamben. El valioso legado de Uexküll se derrama por todo ese siglo y pone en relación el espacio animal con el sistema de comunicación humano, el lenguaje. El modelo descriptivo semiótico del ambiente de Uexküll choca con las propuestas de investigadoras del Antropoceno como Donna Haraway, Vinciane Despret o Rosi Braidotti. Teniendo como ejes de discusión las nociones de pensamiento salvaje, de coproducción humano-animal y de entre-zona, este grupo de estudio propone la investigación de dicho choque, a partir de sesiones moderadas por las investigadoras invitadas María Auxiliadora Gálvez, Ana Harcha Cortés, María Jerez, María Teresa Muñoz, Susana Velasco y Silvia Zayas. Conjugar mundos: corporalidades multiespecie es una continuación del grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto, que tuvo lugar de octubre de 2020 a marzo de 2021. La coordinación del grupo de estudio está a cargo de Fernando Quesada, integrante del colectivo ARTEA, y su programa temático está vinculado al proyecto de investigación La nueva pérdida del centro. Prácticas críticas de las artes vivas y la arquitectura en el Antropoceno, financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovación.
Programa
Jueves 10 de febrero, 2022 Dicen que una pareja de pica pica domina el jardín del Museo Reina Sofía y que, como mucho, un par de Passer domesticus y de Turdus merula conviven allí con ellas —Modera María Jerez Jueves 24 de febrero, 2022 Carne inter-especies —Modera María Auxiliadora Gálvez Jueves 17 de marzo, 2022 Arquitectura-medium —Modera Susana Velasco Jueves 7 de abril, 2022 Las jaulas y las trampas, entre el constructo social y la forma arquitectónica —Modera María Teresa Muñoz Jueves 21 de abril, 2022 Their Mouths Are the Head for the Dark [Sus bocas son la cabeza de la oscuridad] —Modera Silvia Zayas Jueves 26 de mayo, 2022 Corporalidades pluriversales: ¿cómo crear vitales salvajes? —Modera Ana Harcha Cortés
Encuentro de Investigación: Sacudir enjambres: vueltas, procesos y modos de hacer
Encuentro de Investigación: Sacudir enjambres: vueltas, procesos y modos de hacer
MNCARS + Facultad de Bellas Artes Cuenca – UCLM
2021
Inicio: Lunes, 22 marzo 09:00 – Fin: Jueves, 25 marzo 14:00 Edif. Antonio Saura, 16002 Cuenca, España – Facultad de Bellas Artes de Cuenca. Del 22 al 25 de marzo de 2021.
Importa qué materias usamos para pensar otras materias, importan qué historias contamos para contar otras historias, importan qué nudos anudan nudos, qué pensamientos piensan pensamientos, qué descripciones describen descripciones, qué lazos enlazan lazos. Importan qué historias crean mundos, qué mundos crean historias.
D o n n a H a r a w a y El encuentro de investigación Sacudir enjambres: vueltas, procesos y modos de hacer está previsto cómo un espacio donde investigadorxs y creadorxs compartamos las inquietudes, procesos, preguntas y ensayos experimentados durante nuestro trabajo. Un marco desde el cual repensar los espacios expositivos y de diálogo, en el que visibilizar metodologías, procedimientos y referentes de diversos proyectos de investigación-creación. Pensamos el enjambre como un conjunto de relaciones, ideas y materialidades que queremos sacar a la luz; las vueltas que lxs artistas/investigadorxs damos antes de aterrizar en cada obra, nuestros procesos habituales o específicos de trabajo y nuestros modos de hacer, en un sentido amplio. Con la imagen de sacudir un enjambre, invitamos a participar a investigadorxs y artistas desde cualquier ámbito y técnica confiando en que los debates e intercambios que surjan en torno a las obras en proceso serán altamente beneficiosos para lxs participantes. Una oportunidad para pensar juntxs y seguir construyendo comunidades de pensamiento desde la propia práctica artística.
Programa
22 de marzo 2021_ Museo Centro Arte Reina Sofía
Sesión Mañana
11.00 Presentación 11.20-14.30_ Mesa 1. Minerva Campos, Diana Millán, Rocío Agudo, Julieta Lande, Ana I. Rodríguez, Mesa redonda: Elena Blázquez.
Sesión Tarde
16:30-19.00_ Mesa 2: Silvia Montilla, Álvaro Núñez, José R. Jorquera, Alba Gusano. Mesa redonda: Sylvia Molina. 23 de marzo 2021_ Facultad de Bellas Artes (Cuenca)
Sesión Mañana
Aula Magna
11.00-13.10_ Mesa 3: Irene Ortega; María Sánchez Berenguer y Rubena La Berenjena; Helena del Campo, Jore Soares. Mesa redonda: Minerva Campos.
Aula 111
11.00-13.10_ Mesa 4: Izaro Sola, Francisco Holgado, Espacio Incóginita. Colectivo la Nieve al Río. Mesa redonda: José Luis Panea.
Sesión Tarde
Aula 111
16.00-17.00_ Mesa 5: Ana María Solana Turlán / Maria Teresa Carlos La Peña / Adrián Mena / David Javier Caro / David Palomero / Alex Eiffel / Henry Lamiña / Enrique Alba Sánchez Modera: Raúl Hidalgo. 17.15-19.00_ Mesa 6. Ponencias: Francisca Morand, Mónica Bate, Javier Jaimovich, Germán de la Riva; Estefanía Santiago. Mesa redonda: Janaina Carrer. Aula Magna 19.15-20.00_ Babelismo. 24 de marzo 2021
Sesión Mañana
12.15-14.00_ Mesa 7: Itsaso Iribarren; Janaina Carrer, Limpiezas y desatascos. Mesa redonda: Romina Casile.
Sesión Tarde
Acción_ Ciudad & Fundación Antonio Pérez 25 de marzo 2021
Sesión Mañana
10.00-12.00_ Aula Magna. Mesa 8. Claudia Gambino, Santiago Crespo Caurin, Gal Levinson, Gabriela Bondone, Luis Vizcarra Cornejo, Renée de Pedro. Modera: Rosa Casado. 10.00-12.00. Aula 111. Mesa 10. Greta Hammond y Mauricio Florentino / Luis. S.Gregorio y Empar Polanco / MADREMIA / Paula Aparicio / Nacho Martín Encinas / Mpecv 2021. Modera: Greta Hammond.
Conferencia de Clausura Remedios Zafra
12.30-14.30_ Aula Magna. Conferencia de clausura. Crear como trabajo en la cultura-red / Conferencia. Remedios Zafra. Conversación con Iris Lam Chen. En directo por Teams y por el canal de youtube
TARDE CLAUSURA 16.00-17.00. Aula 111. Cierre
Grupo de Estudios Cuerpo, Territorio y Conflicto
Grupo de Estudios Cuerpo, Territorio y Conflicto
MNCARS Museo Reina Sofía
Octubre 2020 – Marzo 2021
A lo largo de seis encuentros, el grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto pretende desarrollar un espacio de acción y pensamiento centrado en una crítica al llamado antropoceno —era geológica marcada por la creciente y destructiva intervención humana sobre el planeta—. Considerando el capitalismo extractivista como una realidad que se ubica en el cruce del cuerpo con el ambiente y confiando en el potencial crítico de las artes vivas y de la arquitectura, las sesiones abordarán de forma transversal el impacto de las lógicas antropocéntricas en la desigualdad estructural de los territorios y los recursos. Entre las temáticas abordadas están el colapso de la civilización, la justicia ambiental, la memoria colectiva, las ausencias que persisten en el paisaje, la ecología, las prácticas artísticas en la naturaleza, las corporalidades híbridas premodernas, la geografía acústica y, finalmente, la cancelación del futuro en el antropoceno. Las sesiones de trabajo combinarán dos formatos —un grupo de lectura y un taller como laboratorio práctico— con la intención de estimular la puesta en acción de los materiales bibliográficos propuestos por artistas e investigador+s que actuarán como mediador+s invitad+s: Rosa Casado, Ramón del Castillo, Óscar Cornago, Diana Delgado-Ureña, Uriel Fogué, Victoria Pérez Royo, Rafael Tormo i Cuenca, Jaime Vallaure y Óscar Villegas. Más información e inscripciones en: https://www.museoreinasofia.es/actividades/cuerpo-territorio-conflicto
Programa:
Meterse en jardines Viernes 16 de octubre, 2020 Sesión moderada por Diana Delgado-Ureña y Jaime Vallaure Paisajes y archivos Viernes 27 de noviembre, 2020 Sesión moderada por Óscar Cornago y Rafael Tormo i Cuenca Naturaleza, ecología y prácticas artísticas Viernes 18 de diciembre, 2020 Sesión moderada por Ramón del Castillo Cuerpos antiguos, nuevas políticas Viernes 15 de enero, 2021 Sesión moderada por Victoria Pérez Royo Un mapa sobre el fin del mundoViernes 12 de febrero, 2021 Sesión moderada por Uriel Fogué Quiet, too quiet but not silent [Tranquil+s, demasiado calmad+s, pero no callad+s] Viernes 19 de marzo, 2021 Sesión moderada por Rosa Casado y Óscar Villegas
Cátedra Teatralidades Expandidas
Cátedra Teatralidades Expandidas
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
8 y 9 de Octubre 2021
En esta edición inaugural de la Cátedra Teatralidades expandidas, la obra y las ideas del compositor y director Heiner Goebbels (Alemania, 1952) se ponen en diálogo con las propuestas de l+s creador+s María Jerez, Pablo Palacio y Silvia Zayas, para continuar el debate sobre las teatralidades expandidas en esta época de crisis del Antropoceno. Crisis que también podría ser contemplada como la de la insurgencia de la materia, siguiendo las ideas de Suely Rolnik. Heiner Goebbels es uno de los creadores escénicos más importantes del panorama artístico contemporáneo cuya producción y escritos más se han dejado influir por la “agencia de la materia” —concepto referido a la materia como agente de acción—. Durante los últimos 30 años, Goebbels ha desafiado los límites y deconstruido las estrategias estéticas convencionales, aportando grandes novedades en el panorama de las artes escénicas y performativas. En su obra Ästhetik der Abwesenheit. Texte zum Theater [Estética de la ausencia. Textos sobre teatro, 2012], que reúne todos sus textos sobre teatro y sus obras musicales, propone la idea de un teatro “como cosa en sí”, un teatro en el que se desarrolla un “drama de los sentidos” o un “drama de los medios”. Esta idea dio lugar, anteriormente, a producciones como Stifters Dinge [Las cosas de Stifter, 2007] en la que Goebbels, inspirado por la intensa percepción del paisaje en la novela Granito de Adalbert Stifter, elabora un experimento escénico sin actores, en el que la maquinaria teatral y los elementos de la escena asumen el protagonismo; o When the Mountain Changed its Clothing [Cuando la montaña cambió sus vestiduras, 2012], trabajo inspirado en una canción popular de Resia, Da Da Pa Ćanynu, que refleja los cambios estacionales en la montaña de Kanin (Eslovenia). En su obra recopilatoria, Goebbels escribe: “Haciendo retroceder a las personas que actúan y minando de ese modo los automatismos antropocéntricos, [Stifter] nos fuerza, por medio por ejemplo de la descripción de catástrofes naturales, a dejarnos asombrar por las fuerzas que escapan a nuestro ámbito de influencia”. Comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, esta Cátedra analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida. Esta edición de la Cátedra está vinculada al proyecto de investigación La nueva pérdida del centro. Prácticas críticas de las artes vivas y la arquitectura en el Antropoceno, desarrollado por ARTEA desde junio de 2020. Este proyecto se centra en el estudio de las teatralidades en el marco de las humanidades ambientales, un campo transdisciplinar que busca tender un puente entre las ciencias y las humanidades, asumiendo que lo humano es solo un agente más entre otros que configuran el ambiente. Anteriormente, la primera actividad pública vinculada a este proyecto de investigación fue el grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto (Museo Reina Sofía, 2020-2021), coordinado por Fernando Quesada, integrante del colectivoARTEA.
PROGRAMA:
Viernes 8 de octubre, 2021
Sesión 1
10:30 – 11:30 h Neblinas que son moluscos, que son paisajes, que son teatros Encuentro con María Jerez En su trabajo María Jerez explora la agencia de las cosas, de los materiales, del lenguaje, de los espacios y de otros aliados tanto humanos como no humanos que participan en sus piezas. En ellas se genera un plano donde las jerarquías de los cuerpos cambian en una especie de animismo crítico que propone un encuentro con aquello que se escapa a las lógicas antropocéntricas. En palabras de la artista: “Siempre he pensado que cada vez que vuelves a leer un texto, el texto ha cambiado. De pequeña incluso abría los libros muy rápido para ver si sorprendía a las letras y a las palabras moviéndose; sospechaba que eso es lo que hacían mientras el libro permanecía cerrado. Creo que es Foucault el que dice que el lenguaje no es una herramienta para observar y describir la naturaleza, sino que el lenguaje es naturaleza en sí mismo. Mutante, ecosistémico, vivo”. 11:30 – 12:30 h Sinergias y conexiones algorítmicas entre cuerpo, sonido y luzEncuentro con Pablo Palacio Esta presentación se centra en el análisis de algunos principios comunes a las artes del movimiento, la música y las artes visuales, buscando la retroalimentación entre estas disciplinas mediante el empleo de sistemas interactivos digitales y algoritmos generativos. Analizando de forma práctica cómo este estudio puede contribuir a la composición musical y coreográfica, y a la generación y manipulación de la luz y la imagen en tiempo real, se busca reflexionar sobre la validez de estos instrumentos como herramienta para construir entornos interactivos multimodales en un contexto escénico, y cómo el desarrollo de esta tecnología puede ser un medio para amplificar la consciencia corporal y los límites de la propia fisicidad.
13:00 – 14:30 h Sesión de cine Heiner Goebbels, Stifters Dinge [Las cosas de Stifter] Suiza, 2007, color, VO en inglés y francés sin subtítulos en español, 70’. Vídeo de Marc Perroud Basándose en el escritor Adalbert Stifter y su obra Granite [Granito] (Verlag von Gustav Heckenast, 1853), donde se describe de manera casi obsesiva el paisaje alpino, Heiner Goebbels asume el rol de un arquitecto del espacio escénico donde un universo de formas, tramas y colores readquiere vida, agencia y movimiento, lejos de la estampa estática y fría de la pintura de paisaje. Goebbels construye un paisaje visual y sonoro animado, lleno de actividad, al que dan voz y cuerpo nombres como Bach, Lévi-Strauss, indios colombianos grabados por el propio Goebbels en un viaje a Sudamérica en 1985 o Malcolm X, entre otros. Se trata de un tableau muy tecnificado que entra en diálogo y tensión con las energías primarias del universo natural.
Viernes 8 de octubre, 2021
Sesión 2
17:00 – 17:30 h Presentación de la Cátedra de Teatralidades expandidas Intervienen: Diana Delgado Ureña, Fernando Quesada, Isabel de Naverán, Victoria Pérez Royo y José A. Sánchez 17:30 – 18:45 h Aesthetics of Absence Conferencia de Heiner Goebbels Inglés con traducción simultánea al español En esta conferencia magistral, Heiner Goebbels analiza las estrategias estéticas en las prácticas performativas y musicales que, de forma cada vez más frecuente, tienen el vacío como su centro. En lugar de los supuestos básicos del teatro de “presencia e intensidad”, Goebbels reflexiona sobre una noción alternativa de drama, que pasa de serlo entre figuras en el escenario a un drama de los elementos, un drama de la percepción del espectador. Tejiendo una compleja red de sonido, música, literatura, sociología y bellas artes, y en colaboración con artistas como Romeo Castellucci, William Forsythe, Douglas Gordon, Ryoji Ikeda, Michal Rovner, Gregor Schneider, y muchos otros, Goebbels produjo obras que, junto a otras piezas individuales, se muestran en esta conferencia en formato de extractos en sonido y vídeo. 18:45 – 19:45 h Conversación con Heiner Goebbels Intervienen: María Jerez y Pablo Palacio Modera: Fernando Quesada
Sábado 9 de octubre, 2021
Sesión 3
17:00 h Sesión de cine y coloquio María Jerez y Silvia Zayas. The Boogie-Woogie Ghost[El fantasma de Boogie-Woogie] España, 2018, color, VO en español, 34’’
The Boogie-Woogie Ghost [El fantasma de Boogie-Woogie] es una película circular filmada en el interior de una casa de pueblo. La imagense modifica constantemente a través del movimiento de unos cuerpos que permanecen invisibles frente a la cámara, actuando como fantasmas. Los objetos de la casa se mueven de lugar, tiemblan o caen sin causa aparente, lo que les impregna de agencia. El espacio muta persistentemente, como si fuerzas no humanas insistieran en desestabilizarlo y accionarlo sin descanso. La tensión entre lo visible y lo invisible genera la aparición del suceso. El montaje de las imágenes funciona dentro de la lógica de lo invisible en el momento de la captura convirtiéndose en danza, o la danza en montaje; una danza de fantasmas.
ENTRADA A LAS SESIONES
Gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en la web del Museo a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la actividad. Máximo 1 por persona. Apertura de puertas media hora antes actividad
LINK: https://www.museoreinasofia.es/actividades/catedra-teatralidades-expandidas
ARTEA
Comisario de la Cátedra Teatralidades expandidas
ARTEA es un grupo de investigación y una asociación independiente vinculada, a través de sus miembros, a diferentes universidades y centros de investigación. El trabajo fomentado desde este colectivo parte del planteamiento de que la investigación académica y la creativa son indisociables, por lo que se fomentan el diálogo, la colaboración y el intercambio entre artistas, académic+s y agentes culturales. La generación de estos espacios de interacción, sean permanentes, efímeros o virtuales, es su principal objetivo.
La Cátedra
La violencia poética consiste en escapar de los tópicos, en escapar de la opinión general, es intentar que el pensamiento llegue hasta donde llega la emoción, es despojarse de una vida de compromisos y medianías, es no mentir, es ver un poco más allá, es el ansia de lo realizable, es el hambre. (…) La violencia poética es por tanto un acto de resistencia contra la violencia real. (…) Es preciso hacer obras inaceptables, siempre inaceptables para los bienpensantes oficiales. La violencia poética es la única revolución posible.
Angélica Liddell El mono que aprieta los testículos de Pasolini, 2010
Comisariada por el colectivo ARTEA, esta Cátedra analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social, con el objetivo de incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida. En un presente en el que prevalecen las lógicas de la violencia sobre los cuerpos, de la explotación, del disciplinamiento y de la precarización de las vidas, esta Cátedra se presenta como una ocasión para la denuncia y el análisis crítico de las formas de sometimiento y explotación. Sobre todo desde la materialidad de un hacer situado entre la investigación coreográfica, teatral y performativa, y la intervención social y la acción política. En definitiva, una invitación a interrogar aquellas prácticas que proponen la teatralidad como instrumento para repensar la convivencia y el desacuerdo.
Saberes
Saberes
Universidad de Cuenca (Ecuador) / Universidad de San Francisco (Quito, Ecuador) / Escuela Superior Tecnológica de Artes Débora Arango (Medellín, Colombia)
2019
¿Qué puede enseñarle una artista a una empleada de una cadena de supermercados, y un batería a un conductor de autobuses, y una niña a un performer, y un abogado a un actor dramático? ¿Qué crees que es lo más precioso que has aprendido a través de tu relación con el mundo del arte? ¿Y a través de tu relación con el mundo de los niños, de la vejez, de la enfermedad, de los animales, de las plantas? ¿Podrías poner nombre a esos saberes? ¿Podrías enseñárselos a otra persona?
Saberes es un proyecto de investigación sobre las prácticas, formas de producción y economías del conocimiento. Se articula a través de talleres, seminarios e intervenciones que toman como toman como punto de partida la idea de los saberes incorporados en conflicto con los conocimientos oficialmente reconocidos. El objetivo es sostener entre agentes de distinta procedencia la evidencia de un mundo real e imaginario donde habita un tipo de saber que desborda las delimitaciones disciplinares y los conocimientos reglados; un tipo de saber que no es acumulativo, no se mide por la cantidad, ni concurre de forma competitiva con otros saberes o estadios de conocimiento; un saber que no funciona como estrategia de legitimación del sujeto ni de jerarquización social; un saber entendido como experiencia de enseñanza/aprendizaje que implica a más de uno comprometidos con un territorio común de exposición, fragilidades y desconocimiento.
