En breve subiremos toda la información.
Próxima actividad
Cátedra Teatralidades Expandidas 2023
Cátedra Teatralidades Expandidas. Entretenimiento forzoso. Cosas que pasan por tu cabeza mientras caes
Toda la info: https://www.museoreinasofia.es/actividades/catedra-teatralidades-expandidas-forced-entertainment
Del 28 de septiembre al 1 de octubre, 2023 – Consultar programa
La Cátedra Teatralidades expandidas, comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida.
Esta tercera edición se articula en torno a la trayectoria artística y discursiva de Tim Etchells y su trabajo con Forced Entertainment, un colectivo creado en Sheffield (Inglaterra) en 1984, integrado por Robin Arthur, Richard Lowdon, Claire Marshall, Cathy Naden, Terry O’Connor y Etchells como director artístico. Nacido en pleno auge del thatcherismo, Forced Entertainment se mantiene activo después de casi cuarenta años, desafiando el individualismo neoliberal con una práctica basada en la incertidumbre, las preguntas, la expresión de los miedos, la burla reflexiva, pero también los sueños compartidos, la potencia conectiva y la disidencia temporal. Aunque su principal medio es la escena, en sus propuestas conviven la escritura, la instalación visual y la intervención en espacios públicos. El trabajo actoral se basa en una tensión entre el estar presente físicamente y el salir constantemente de sí, por medio de la literarización, el enmascaramiento (como muñeco o animal) o la pérdida (de la voz, del movimiento, de la propia imagen). Las actuaciones duracionales permiten reflexionar acerca del agotamiento, como un eco del trabajo desregulado y alienante que también puede ser llamado “inhumano”. Forced Entertainment invita a los asistentes a no ser espectadores distraídos sino testigos que se atrevan a la desestabilización y se impliquen en una experiencia estética que es también una acción ética y política.Mostrar más
Programa
Jueves 28 de septiembre, 2023
Sesión 1
17:00 – 21:00 h Quizoola! Performance duracional
—A cargo de Forced Entertainment
Inglés con traducción simultánea al español
Esta edición de la Cátedra se inaugura con Quizoola!, una performance improvisada en la que los artistas formulan y responden preguntas de manera ininterrumpida. Ya sean filosóficas, triviales o profundamente personales, los artistas inventan las respuestas sobre la marcha: pueden ser verdaderas o falsas, largas o cortas, serias o cómicas. Así, el ambiente de la performance oscila entre la charla íntima, el pub quiz y el interrogatorio absurdo. A través del juego y la improvisación, el espectador entra en contacto con un clima cargado de energía en vivo.
La duración original de este oscuro e hilarante clásico de Forced Entertainment es de 6 a 24 horas. En el Museo se presenta una versión reducida de 4 horas a cargo de dos performers del grupo. Como en todas las obras de larga duración del grupo, el público de Quizoola! es libre de entrar y salir en cualquier momento, y puede decidir si quiere permanecer en su asiento durante mucho tiempo o dejar la sala un rato en diferentes momentos para ver qué pasa.
Edificio Nouvel, Auditorio 400
400 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo
Viernes 29 de septiembre, 2023
Sesión 2
12:00 – 14:00 h Some Imperatives. Performance duracional
—A cargo de Tim Etchells, en colaboración con el Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual
Some Imperatives es una performance de larga duración que propone una secuencia de textos breves pintados por un artista en solitario sobre una pared. El texto de la pieza comprende diversos eslóganes, llamadas al cambio, la acción o la protesta, la reflexión filosófica y al replanteamiento político.
A medida que los textos individuales cambian de registro —poético, absurdo y pragmático—, el proceso de la representación —pintar el texto, borrarlo y volverlo a pintar repetidamente en el mismo lugar a lo largo de un periodo de tiempo— pone en primer plano la propia escritura como proceso de argumentación errática y contradicción. Conforme se van marcando las paredes repetidamente, las iteraciones del texto se acumulan y se muestran parcialmente a través de las capas de pintura, creando un residuo desordenado de la acción en curso.
Esta performance cuenta con la participación de Tim Etchells y la colaboración del Máster de Práctica Escénica y Cultura Visual.
Acceso a la performance en intervalos de 30 minutos una vez iniciada la actividad. La performance se repetirá el sábado 30 de septiembre de 13:00 a 15:00 h y el domingo 1 de octubre de 12:00 a 14:00 h
Edificio Sabatini, Planta 3, conexión con Edificio Nouvel
240 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en la web del Museo a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la actividad. Máximo 2 por persona
Viernes 29 de septiembre, 2023
Sesión 3
16:30 – 16:45 h Presentación
—A cargo de José Antonio Sánchez
16:45 – 17:45 h Exquisite Catastrophe [Catástrofe exquisita]
Conferencia de Adrian Heathfield
Inglés con traducción simultánea al español
¿Cómo podemos concebir eventos de experimentación escénica como los del colectivo teatral Forced Entertainment? ¿Cómo se relacionan estos eventos con el proceso de creación colaborativa y qué es lo que rompen e instituyen? Si nuestra identidad humana está actualmente marcada por su volatilidad, su relación violenta con la naturaleza y la amenaza de su continuidad, ¿cómo se evocan estas realidades desde la práctica de Forced Entertainment?
En esta conferencia, Adrian Heathfield traza filamentos de un imaginario catastrófico —a veces angustiado y melancólico, alegre y extático— que discurre, se estremece y se transforma a través del cuerpo de trabajo de la compañía.
17: 45 – 18:45 h The Slow Hurry of Figuration [La prisa calma de la figuración]
Conferencia de Giulia Palladini
Español con traducción simultánea al inglés
En esta conferencia, la investigadora Giulia Palladini explora la temporalidad y la estética del trabajo de Forced Entertainment. En particular, aborda la técnica de la figuración que caracteriza la obra de la compañía a lo largo de sus cuatro décadas de creación colaborativa. A partir de la locución latina festina lente, Palladini propone el concepto de “prisa calma” como prisma de lectura de una serie de prácticas que considera distintivas del trabajo, la imaginería y el lenguaje teatral de Forced Entertainment. Así, considera que la “prisa calma” caracteriza su obra de varias maneras: es un tempo a menudo presente en el escenario, participa en ciertas estructuras de reconocimiento del espectador que vuelve, y afecta al proceso creativo colectivo y duradero que esconde la obra en su conjunto. En los espectáculos de Forced Entertainment “la prisa calma” funciona como una tecnología que se esfuerza por abrir la potencialidad de la figuración.
Edificio Nouvel, Auditorio 200 y Plataforma online
200 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo
Viernes 29 de septiembre, 2023
Sesión 4
19:00 – 21:00 h 12am: Miniatures
Performance
—A cargo de Forced Entertainment
12 am: Miniatures es una versión breve de 12 am…, una performance física y visual que explora la relación entre objeto y etiqueta, imagen y texto. La pieza funciona como una especie de caleidoscopio narrativo en el que las figuras que se nombran, en diferentes combinaciones, comparten espacio bajo el telón de fondo de estrellas eléctricas. La performance juega con el creciente agotamiento e inventiva de sus intérpretes, que reimaginan sin cesar sus identidades valiéndose de carteles y distintas prendas de ropa para crear nuevas historias y yuxtaposiciones entre personajes.
La pieza original se desarrolló a partir de material utilizado por primera vez en el espectáculo teatral de la compañía Emanuelle Enchanted(1992) y fue la primera obra de larga duración (de 6 a 11 horas en su versión original) creada por Forced Entertainment. La lista completa de personajes/signos utilizados en 12 am… está publicada en la colección de ensayos Certain Fragments (Routledge, 1999), de Tim Etchells. La performance es interpretada por Richard Clowdon, Tim Etchells y Claire Marshall, integrantes de Forced Entertainment, en diferentes espacios del Museo, y el público es libre de entrar y salir a su antojo.
150 personas
Entrada
Entrada libre hasta completar aforo. Acceso por entrada general de Nouvel
Sábado 30 septiembre, 2023
Sesión 5
17:00 – 18:00 h nO me tienE quE interesaR
Charla performática de Juan Domínguez
¡Qué bien le va a venir esta charla al campo!
¿Qué campo? – ¿Qué charla?
Entro en un sitio y poco a poco me adentro en diferentes dimensiones de él para acabar en otro sitio diferente sin saber dónde estoy ni como he llegado a él, pero sin sentir que estoy perdidx. No pienso en si me interesa o no, no me tiene que interesar, siento y me siento bien aquí.
Cuando me vaya querré volver, ¿lo haré? Tantos sitios en los que me sentía bien a los que no he vuelto.
Creo que de eso trata esta charla, de volver.
¿volver? – ¿charla?
Juan Domínguez
18:00 – 19:00 h A Question Without an Answer [Una pregunta sin respuesta]
Conferencia performativa de Tim Etchells
Inglés con traducción simultánea al español
La voluntad de Forced Entertainment es actualizar y alentar tensiones, creando constelaciones inestables de significación y percepción en el espacio entre el escenario y el espectador, en la zona social y política del auditorio y en la respuesta dinámica (a través de la lectura activa) de los propios espectadores. El grupo no está interesado en aquello que pueda ser dicho, resumido o expuesto de una forma alternativa a la representación. El conocimiento y la “información” que busca Forced Entertainment radica en (y no es divisible de) el despliegue del tiempo y la energía colectivos, el movimiento de los cuerpos y la negociación pública de la copresencia. El significado de la obra se halla únicamente en el acto y la situación de la propia representación, y en ningún otro lugar.
En esta conferencia, Tim Etchells reflexiona sobre el desarrollo y proceso de trabajo de Forced Entertainment, haciendo referencia a las performances realizadas por el grupo a lo largo de sus 40 años.
19:00 – 19:30 h Pausa
19:30 – 21.30 h Tensión permanente. Coloquio
—A cargo de Juan Domínguez, Tim Etchells, Adrian Heathfield y Giulia Paladini. Modera José Antonio Sánchez
Español e inglés con traducción simultánea.
Tras cuarenta años de trayectoria creativa, cabría pensar que un+ artista alcanza un dominio de su medio que le permite perseguir sus propósitos con seguridad. Pero la seguridad es precisamente lo que la práctica de Forced Entertainment evita, en parte por una necesidad intrínseca al proceso creativo, en parte como respuesta a una realidad cultural y política cambiante. No hay estabilidad sin desestabilización previa, el equilibrio es valioso allí donde resulta difícil mantenerlo. No hay compromiso creativo cuando se desatienden las urgencias de la realidad, aquellas de las personas y seres con quienes convivimos. En esta tensión se mantienen todas las personas participantes en este coloquio, tanto l+s artistas de Forced Entertainment como l+s teóric+s que acompañan su trabajo desde la escritura.
Coloquio disponible en la Plataforma online.
Edificio Nouvel, Auditorio 200
200 personas
Entrada
Gratuita hasta completar aforo
Jueves 28, viernes 29 y sábado 30 de septiembre, 2023 – de 10:00 a 21:00 h
Videocreaciones
Activaciones en salas de la Colección
En paralelo a las actividades, durante los tres días de duración de la Cátedra, se pueden ver tres videocreaciones de Tim Etchells en las salas de la Colección:
Tim Etchells. Paint it Black [Píntalo de negro]
Reino Unido, 2014, color, monocanal, sin sonido, AD, 4’
Cámara y producción: Anna Krauss
La obra Paint it Black, de Tim Etchells, surge de una sencilla tarea de interpretación en la que la letra clave de la canción homónima de los Rolling Stones se representa como una instrucción literal. A medida que las imágenes en pantalla, anuncios, textos y titulares de una serie de revistas y periódicos desaparecen bajo la pintura negra, la continua acción de pintar de Etchells relega a la oscuridad del olvido a estrellas del rock, políticos, economistas, modelos, paisajes naturales y gráficos estadísticos. Esta pieza audiovisual fue producida por primera vez como parte del proyecto Karaoke (ART) de Davis Freeman en 2014.
Tim Etchells. Eyes Looking [Ojos que miran]
Reino Unido, 2016, color, monocanal, sin sonido, AD, 3’.
Esta obra fue encargada originalmente por Times Square Arts’ Midnight Moment y proyectada en octubre de 2016 en las pantallas de Times Square (Nueva York) como parte del festival Crossing the Line. La pieza pone de relieve las pequeñas acciones y detalles que unen a los humanos, generando una sensación de multitud de cuerpos vivos, que respiran y se mueven juntos en el espacio público de una ciudad. Mediante la materialidad efímera del hielo, Eyes Looking reflexiona sobre la transmutación de las palabras que, al ir disolviéndose en agua, se convierten en patrón, forma y reflejo.
Tim Etchells. Untitled (After Violent Incident) [Sin título (A partir de Incidente Violento)]
Reino Unido, 2013, color, monocanal, 67’
Como sugiere su título, el vídeo Untitled (After Violent Incident) de Etchells comenzó como respuesta a la videoinstalación Violent Incident (1986) de Bruce Nauman. En la obra de Nauman, un hombre y una mujer aparecen en doce pantallas en interminables tomas desincronizadas, representando y repitiendo un brutal número de slapstick. En la versión de Etchells, dos intérpretes —Lucy McCormick y Bruno Roubicek— repiten en bucle la coreografía del vídeo original en tiempo real, reiterando hasta el agotamiento su secuencia de caídas, patadas, bofetadas y derribos. La obra obtiene una repetición brutal y al mismo tiempo cómica, conseguida mediante la coacción física más que a través de la edición.
Disponible próximamente
Entrada
Acceso con la entrada general al Museo
Encuentro de Investigación en Artes “Escarbar a oscuras”
Encuentro de Investigación en Artes “Escarbar a oscuras”
Facultad de Bellas Artes de Cuenca
Museo Nacional Centro de Arte Reína Sofía
Fundación Antonio Pérez
17, 21, 22 y 23 de marzo de 2023
El encuentro de investigación Escarbar a oscuras se propone como un lugar para compartir procesos, preguntas y experimentaciones en torno a la investigación artística. Un marco idóneo para promover el intercambio de metodologías, procedimientos e inquietudes a través del diálogo y la observación de nuevas miradas.
En la oscuridad, la vista requiere de un tiempo de adaptación que agudiza el resto de los sentidos. Intuimos el camino gracias a los cuerpos que sentimos próximos. Cavamos y expandimos el laberinto de la investigación artística; construimos oquedades en una tierra que fertiliza en el encuentro con el otro.
La opacidad da paso a la nitidez a medida que avanzamos en compañía: nos encontramos en modos de hacer, ver y pensar que, como túneles, generan un laberinto de afinidades. Los procesos individuales y el proceso colectivo suceden a la vez, retroalimentándose.
Encuentro de investigación: Porosidades
Encuentro de investigación: Porosidades
Facultad de Bellas Artes de Cuenca y otros espacios de la ciudad
21 al 24 de marzo de 2022
Proponemos generar un espacio en el que diversos agentes artísticos puedan compartir sus modos de hacer y líneas de interés en el campo de la investigación y creación artística. Como artistas e investigadores tenemos la sensación de estar naufragando en un mar repleto de datos, de referencias y de contenido que nos vemos en la obligación de absorber para alimentar al monstruo que es el capital cognitivo, siempre insaciable y nunca satisfecho con lo que ya tiene. Nos entendemos como sujetos esponja, necesariamente porosos y permeables pero con capacidades de filtración desde el constante ejercicio del cuestionamiento y la crítica. En esta edición, ponemos el énfasis en los espacios vacíos imprescindibles para la absorción. Absorber implica tener huecos, disponer de un espacio vacío susceptible de ser llenado. Reivindicamos los recovecos en los que encontrar el tiempo y el espacio para pensar frente a una acumulación sin límites. Queremos concentrarnos en esos huecos vacíos, imprescindibles para situarnos a la distancia necesaria y así ser capaces de generar conocimientos concretos y críticos en nuestro contexto. Imaginamos estas porosidades no como entidades independientes unas de otras, sino como espacios interconectados que hemos de habitar conformando una retícula, necesaria para generar alianzas entre diferentes agentes y así poder compartir y ofrecer nuestras habilidades, saberes y afectos. Deseamos contribuir a la creación de un espacio donde todes quepan y tengan las mismas oportunidades; en el que compartir, (des)aprender, empujar, contaminar y generar resistencias colectivas. Invitamos a creadores e investigadores a compartir en estas jornadas, que tendrán lugar el 21, 22, 23 y 24 de marzo, sus procedimientos, metodologías y trabajos finalizados o en proceso. Para participar, las propuestas (conferencia, conferencia performativa, performance o instalación artística) serán presentadas antes del día 6 de febrero de 2022, a través de este formulario web, con la siguiente información:
Nombre y apellidos
Nombre con el que quieres aparecer en la difusión
Mail
Número de contacto
Lugar de residencia
Título de la propuesta
Resumen y descripción de la propuesta (máximo 3000 caracteres)
Palabras claves
Breve biografía (máximo 800 caracteres)
Formato de la propuesta (Conferencia, Conferencia performativa, Performance, Propuesta expositiva, etc.)
Imágenes de la obra, bocetos o planos de montaje.
Necesidades técnicas
En caso de que se trate de una propuesta expositiva, cuantos m2 de espacio aproximadamente necesitas (Teniendo en cuenta que los espacios serán compartidos)
*El tiempo estimado para cada propuesta será de 20 minutos aproximadamente; a excepción de las exposiciones, que de acuerdo a la cantidad de postulaciones recibidas variará el tiempo de permanencia en el espacio. **Los equipos técnicos disponibles son limitados, por favor, contacta con la organización si tu propuesta requiere de material técnico específico. Calendario -Inscripción abierta hasta el 6 de febrero a través del siguiente formulario -El encuentro se celebrará del 21 al 24 de marzo de 2022 en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y otros espacios de la ciudad. Organiza el Máster de investigación en prácticas artísticas y visuales y el Máster en prácticas escénicas y cultura visual de la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, Universidad de Castilla La Mancha. Con el apoyo del grupo de doctorandos en investigación en el programa de Humanidades, Artes y Educación de la misma universidad.
Grupo de estudios: Conjugar mundos: corporalidades multiespecie
Grupo de estudios: Conjugar mundos: corporalidades multiespecie
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia
Febrero a Mayo – 2022
A lo largo de seis sesiones, el grupo de estudio Conjugar mundos: corporalidades multiespecie pretende investigar modelos alternativos en la teoría cultural y del arte, así como en prácticas artísticas, que desafían radicalmente la relación entre animales y humanos. Sosteniéndose sobre una razón más cultural que biológica, estas relaciones han pasado por diversas fases en la cultura occidental, en las que lo animal se ha entendido como una amenaza directa o posible depredador, una figura sagrada mitológica o superhumana, una fuente alimentaria, un recurso, aliado o soporte energético para el trabajo, un objeto de entretenimiento y, finalmente, una mascota o criatura de compañía que se humaniza progresivamente. Con los avances en la observación de formas de vida microscópicas, nuestras nociones sobre el reino animal se expanden, a la vez que se ponen en crisis: las criaturas vivas microscópicas, virus y bacterias o compuestos químicos de los seres vivos, siguen siendo hoy tanto una amenaza para la vida (la infección, la plaga) como un soporte de ella (la vacuna); una figura quasi sagrada que convoca nuestra identidad sexual (las hormonas), una prótesis alimentaria del bienestar humano (las vitaminas o los probióticos) o una posible fuente directa de energía (fitoplancton o algas). La lista de posibilidades es casi infinita, pero en todos los casos la relación asimétrica entre humanos y animales construida a todas las escalas durante siglos permanece prácticamente intacta. Las investigaciones sobre el entorno espacial animal del biólogo alemán Jakob von Uexküll, realizadas en las primeras décadas del siglo XX, en completa confluencia con la producción de las vanguardias históricas, fueron lo suficientemente reflexivas, transversales y duraderas como para impactar directamente en pensadores de la condición humana como Martin Heidegger, Ortega y Gasset, Gilles Deleuze y Giorgio Agamben. El valioso legado de Uexküll se derrama por todo ese siglo y pone en relación el espacio animal con el sistema de comunicación humano, el lenguaje. El modelo descriptivo semiótico del ambiente de Uexküll choca con las propuestas de investigadoras del Antropoceno como Donna Haraway, Vinciane Despret o Rosi Braidotti. Teniendo como ejes de discusión las nociones de pensamiento salvaje, de coproducción humano-animal y de entre-zona, este grupo de estudio propone la investigación de dicho choque, a partir de sesiones moderadas por las investigadoras invitadas María Auxiliadora Gálvez, Ana Harcha Cortés, María Jerez, María Teresa Muñoz, Susana Velasco y Silvia Zayas. Conjugar mundos: corporalidades multiespecie es una continuación del grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto, que tuvo lugar de octubre de 2020 a marzo de 2021. La coordinación del grupo de estudio está a cargo de Fernando Quesada, integrante del colectivo ARTEA, y su programa temático está vinculado al proyecto de investigación La nueva pérdida del centro. Prácticas críticas de las artes vivas y la arquitectura en el Antropoceno, financiado por el Ministerio de Ciencia e Innovación.
Programa
Jueves 10 de febrero, 2022 Dicen que una pareja de pica pica domina el jardín del Museo Reina Sofía y que, como mucho, un par de Passer domesticus y de Turdus merula conviven allí con ellas —Modera María Jerez Jueves 24 de febrero, 2022 Carne inter-especies —Modera María Auxiliadora Gálvez Jueves 17 de marzo, 2022 Arquitectura-medium —Modera Susana Velasco Jueves 7 de abril, 2022 Las jaulas y las trampas, entre el constructo social y la forma arquitectónica —Modera María Teresa Muñoz Jueves 21 de abril, 2022 Their Mouths Are the Head for the Dark [Sus bocas son la cabeza de la oscuridad] —Modera Silvia Zayas Jueves 26 de mayo, 2022 Corporalidades pluriversales: ¿cómo crear vitales salvajes? —Modera Ana Harcha Cortés
Cátedra Teatralidades Expandidas
Cátedra Teatralidades Expandidas
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
8 y 9 de Octubre 2021
En esta edición inaugural de la Cátedra Teatralidades expandidas, la obra y las ideas del compositor y director Heiner Goebbels (Alemania, 1952) se ponen en diálogo con las propuestas de l+s creador+s María Jerez, Pablo Palacio y Silvia Zayas, para continuar el debate sobre las teatralidades expandidas en esta época de crisis del Antropoceno. Crisis que también podría ser contemplada como la de la insurgencia de la materia, siguiendo las ideas de Suely Rolnik. Heiner Goebbels es uno de los creadores escénicos más importantes del panorama artístico contemporáneo cuya producción y escritos más se han dejado influir por la “agencia de la materia” —concepto referido a la materia como agente de acción—. Durante los últimos 30 años, Goebbels ha desafiado los límites y deconstruido las estrategias estéticas convencionales, aportando grandes novedades en el panorama de las artes escénicas y performativas. En su obra Ästhetik der Abwesenheit. Texte zum Theater [Estética de la ausencia. Textos sobre teatro, 2012], que reúne todos sus textos sobre teatro y sus obras musicales, propone la idea de un teatro “como cosa en sí”, un teatro en el que se desarrolla un “drama de los sentidos” o un “drama de los medios”. Esta idea dio lugar, anteriormente, a producciones como Stifters Dinge [Las cosas de Stifter, 2007] en la que Goebbels, inspirado por la intensa percepción del paisaje en la novela Granito de Adalbert Stifter, elabora un experimento escénico sin actores, en el que la maquinaria teatral y los elementos de la escena asumen el protagonismo; o When the Mountain Changed its Clothing [Cuando la montaña cambió sus vestiduras, 2012], trabajo inspirado en una canción popular de Resia, Da Da Pa Ćanynu, que refleja los cambios estacionales en la montaña de Kanin (Eslovenia). En su obra recopilatoria, Goebbels escribe: “Haciendo retroceder a las personas que actúan y minando de ese modo los automatismos antropocéntricos, [Stifter] nos fuerza, por medio por ejemplo de la descripción de catástrofes naturales, a dejarnos asombrar por las fuerzas que escapan a nuestro ámbito de influencia”. Comisariada por el grupo de investigación-creación ARTEA, esta Cátedra analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social. El objetivo es incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida. Esta edición de la Cátedra está vinculada al proyecto de investigación La nueva pérdida del centro. Prácticas críticas de las artes vivas y la arquitectura en el Antropoceno, desarrollado por ARTEA desde junio de 2020. Este proyecto se centra en el estudio de las teatralidades en el marco de las humanidades ambientales, un campo transdisciplinar que busca tender un puente entre las ciencias y las humanidades, asumiendo que lo humano es solo un agente más entre otros que configuran el ambiente. Anteriormente, la primera actividad pública vinculada a este proyecto de investigación fue el grupo de estudio Cuerpo, territorio y conflicto (Museo Reina Sofía, 2020-2021), coordinado por Fernando Quesada, integrante del colectivoARTEA.
PROGRAMA:
Viernes 8 de octubre, 2021
Sesión 1
10:30 – 11:30 h Neblinas que son moluscos, que son paisajes, que son teatros Encuentro con María Jerez En su trabajo María Jerez explora la agencia de las cosas, de los materiales, del lenguaje, de los espacios y de otros aliados tanto humanos como no humanos que participan en sus piezas. En ellas se genera un plano donde las jerarquías de los cuerpos cambian en una especie de animismo crítico que propone un encuentro con aquello que se escapa a las lógicas antropocéntricas. En palabras de la artista: “Siempre he pensado que cada vez que vuelves a leer un texto, el texto ha cambiado. De pequeña incluso abría los libros muy rápido para ver si sorprendía a las letras y a las palabras moviéndose; sospechaba que eso es lo que hacían mientras el libro permanecía cerrado. Creo que es Foucault el que dice que el lenguaje no es una herramienta para observar y describir la naturaleza, sino que el lenguaje es naturaleza en sí mismo. Mutante, ecosistémico, vivo”. 11:30 – 12:30 h Sinergias y conexiones algorítmicas entre cuerpo, sonido y luzEncuentro con Pablo Palacio Esta presentación se centra en el análisis de algunos principios comunes a las artes del movimiento, la música y las artes visuales, buscando la retroalimentación entre estas disciplinas mediante el empleo de sistemas interactivos digitales y algoritmos generativos. Analizando de forma práctica cómo este estudio puede contribuir a la composición musical y coreográfica, y a la generación y manipulación de la luz y la imagen en tiempo real, se busca reflexionar sobre la validez de estos instrumentos como herramienta para construir entornos interactivos multimodales en un contexto escénico, y cómo el desarrollo de esta tecnología puede ser un medio para amplificar la consciencia corporal y los límites de la propia fisicidad.
13:00 – 14:30 h Sesión de cine Heiner Goebbels, Stifters Dinge [Las cosas de Stifter] Suiza, 2007, color, VO en inglés y francés sin subtítulos en español, 70’. Vídeo de Marc Perroud Basándose en el escritor Adalbert Stifter y su obra Granite [Granito] (Verlag von Gustav Heckenast, 1853), donde se describe de manera casi obsesiva el paisaje alpino, Heiner Goebbels asume el rol de un arquitecto del espacio escénico donde un universo de formas, tramas y colores readquiere vida, agencia y movimiento, lejos de la estampa estática y fría de la pintura de paisaje. Goebbels construye un paisaje visual y sonoro animado, lleno de actividad, al que dan voz y cuerpo nombres como Bach, Lévi-Strauss, indios colombianos grabados por el propio Goebbels en un viaje a Sudamérica en 1985 o Malcolm X, entre otros. Se trata de un tableau muy tecnificado que entra en diálogo y tensión con las energías primarias del universo natural.
Viernes 8 de octubre, 2021
Sesión 2
17:00 – 17:30 h Presentación de la Cátedra de Teatralidades expandidas Intervienen: Diana Delgado Ureña, Fernando Quesada, Isabel de Naverán, Victoria Pérez Royo y José A. Sánchez 17:30 – 18:45 h Aesthetics of Absence Conferencia de Heiner Goebbels Inglés con traducción simultánea al español En esta conferencia magistral, Heiner Goebbels analiza las estrategias estéticas en las prácticas performativas y musicales que, de forma cada vez más frecuente, tienen el vacío como su centro. En lugar de los supuestos básicos del teatro de “presencia e intensidad”, Goebbels reflexiona sobre una noción alternativa de drama, que pasa de serlo entre figuras en el escenario a un drama de los elementos, un drama de la percepción del espectador. Tejiendo una compleja red de sonido, música, literatura, sociología y bellas artes, y en colaboración con artistas como Romeo Castellucci, William Forsythe, Douglas Gordon, Ryoji Ikeda, Michal Rovner, Gregor Schneider, y muchos otros, Goebbels produjo obras que, junto a otras piezas individuales, se muestran en esta conferencia en formato de extractos en sonido y vídeo. 18:45 – 19:45 h Conversación con Heiner Goebbels Intervienen: María Jerez y Pablo Palacio Modera: Fernando Quesada
Sábado 9 de octubre, 2021
Sesión 3
17:00 h Sesión de cine y coloquio María Jerez y Silvia Zayas. The Boogie-Woogie Ghost[El fantasma de Boogie-Woogie] España, 2018, color, VO en español, 34’’
The Boogie-Woogie Ghost [El fantasma de Boogie-Woogie] es una película circular filmada en el interior de una casa de pueblo. La imagense modifica constantemente a través del movimiento de unos cuerpos que permanecen invisibles frente a la cámara, actuando como fantasmas. Los objetos de la casa se mueven de lugar, tiemblan o caen sin causa aparente, lo que les impregna de agencia. El espacio muta persistentemente, como si fuerzas no humanas insistieran en desestabilizarlo y accionarlo sin descanso. La tensión entre lo visible y lo invisible genera la aparición del suceso. El montaje de las imágenes funciona dentro de la lógica de lo invisible en el momento de la captura convirtiéndose en danza, o la danza en montaje; una danza de fantasmas.
ENTRADA A LAS SESIONES
Gratuita hasta completar aforo, previa retirada de entrada en la web del Museo a partir de las 10:00 h del último día hábil antes de la actividad. Máximo 1 por persona. Apertura de puertas media hora antes actividad
LINK: https://www.museoreinasofia.es/actividades/catedra-teatralidades-expandidas
ARTEA
Comisario de la Cátedra Teatralidades expandidas
ARTEA es un grupo de investigación y una asociación independiente vinculada, a través de sus miembros, a diferentes universidades y centros de investigación. El trabajo fomentado desde este colectivo parte del planteamiento de que la investigación académica y la creativa son indisociables, por lo que se fomentan el diálogo, la colaboración y el intercambio entre artistas, académic+s y agentes culturales. La generación de estos espacios de interacción, sean permanentes, efímeros o virtuales, es su principal objetivo.
La Cátedra
La violencia poética consiste en escapar de los tópicos, en escapar de la opinión general, es intentar que el pensamiento llegue hasta donde llega la emoción, es despojarse de una vida de compromisos y medianías, es no mentir, es ver un poco más allá, es el ansia de lo realizable, es el hambre. (…) La violencia poética es por tanto un acto de resistencia contra la violencia real. (…) Es preciso hacer obras inaceptables, siempre inaceptables para los bienpensantes oficiales. La violencia poética es la única revolución posible.
Angélica Liddell El mono que aprieta los testículos de Pasolini, 2010
Comisariada por el colectivo ARTEA, esta Cátedra analiza el pensamiento que habita las prácticas escénicas y performativas, e invita a escuchar y promover los diálogos que se dan entre las prácticas artísticas y los modos de teatralidad social, con el objetivo de incidir en la potencia política del teatro, la coreografía y el arte de acción, teniendo en cuenta aquello que les es inherente: los modos de producción colaborativa y la copresencia de los cuerpos, diferenciados y singularizados, convertidos en lugares de enunciación de discursos, de manifestación de disidencias y de emergencia del deseo como motor de vida. En un presente en el que prevalecen las lógicas de la violencia sobre los cuerpos, de la explotación, del disciplinamiento y de la precarización de las vidas, esta Cátedra se presenta como una ocasión para la denuncia y el análisis crítico de las formas de sometimiento y explotación. Sobre todo desde la materialidad de un hacer situado entre la investigación coreográfica, teatral y performativa, y la intervención social y la acción política. En definitiva, una invitación a interrogar aquellas prácticas que proponen la teatralidad como instrumento para repensar la convivencia y el desacuerdo.
Un teatro del presente. Poética, política, realidad
Un teatro del presente. Poética, política, realidad
Ciudad de México
2019
Este coloquio abre un espacio para pensar las prácticas artísticas contemporáneas en el contexto de un tiempo histórico marcado por las derivas autoritarias, nacionalistas, populistas y neofascistas del liberalismo económico global y sus consecuencias sobre los cuerpos singulares. La idea de “un teatro del presente” es heredera del ‘Zeittheater’ (1928), de Erwin Piscator, que dio lugar a un abandono de la puesta en escena de dramas basados en la acción intersubjetiva para proponer espectáculos que se confrontaran con la realidad histórica de la época (‘Zeit’). Juan Bustillo Oro y Mauricio Magdaleno tradujeron este concepto como Teatro de ahora: un primer ensayo de teatro político en México (1931-1933), y se propusieron poner el teatro al servicio de la política y hacer presente en escena la realidad social recurriendo a la radio, la prensa y el cine como medios para expandir la escena más allá del espacio interior de tradición burguesa. “No se trata de abandonar el arte”, escribieron, “simplemente de darle la vida que le corresponde en la época”. Ajeno a la tradición escénica, el artista argentino León Ferrari radicalizó el recurso a la prensa como material dramático al componer su collage literario Palabras ajenas(1967), un “inmenso oratorio” -según Julio Cortázar- que denunciaba la violencia del imperio estadounidense en Vietman y la responsabilidad de lo que Ferrari llamó “civilización occidental y cristiana” en diversos modos de sometimiento colonial o dominación imperialista. Su propuesta fue contemporánea del desarrollo del ‘Dokumentarisches Theater’, cuya primera manifestación fue la puesta en escena Die Ermittlung / La indagación(1965), de Peter Weiss, nuevamente a cargo de Piscator. El resurgir del teatro documental y otras formas de teatralidad con voluntad de implicación en el debate político y la acción política a lo largo de la última década nos animan a preguntarnos sobre la vigencia de esta idea. Nos preguntaremos asimismo cuál es el valor de las artes en la generación de modelos económicos alternativos a los basados en la acumulación y el expolio, y modelos sociales alternativos a los basados en la represión o el individualismo exacerbado. De qué modo las artes pueden resistir y confrontar en el ámbito macropolítico. Qué operaciones micropolíticas están los artistas en condición de realizar para contribuir a la práctica de nuevos hábitos y modelos. Qué dialécticas son posibles entre los viejos conceptos de autonomía y heteronomía: ¿pierde el arte su eficacia política al reivindicar su autonomía, defender sus espacios y ámbitos de comunicación y sus modos específicos de producción? Qué muros hay que derribar o evitar construir, y qué muros hay que levantar o mantener para que la práctica artística participe en lo común y aporte valor a la comunidad.
5 de septiembre de 2019
Museo Universitario del Chopo
12:00 h. Presentación de seminario. La potencia de la ficción: a propósito de Palabras Ajenas, de León Ferrari Ponencia deJosé A. Sánchez, investigador ARTEA-Universidad Castilla La Mancha (España).
13:00 h. El arte como lugar de lo político Mesa debate. Participan: Helena Chávez, curadora e investigadora del Instituto de Investigaciones Económicas (IIE) de la Universidad Nacional Autónoma de México. Miguel Errazu, investigador en estudios cinematográficos de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), unidad Lerma. Alberto López Cuenca, profesor de estética de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP). Modera: Javiera Núñez Álvarez, dramaturga, directora e investigadora (UNAM)
15:00 h. Receso
17:00 h. La escritura del presente: de Palabras Ajenas a Y por mirarlo todo, nada veía. Ponencia de Margo Glantz, escritora.
18:00 h. El arte como valor: poéticas y políticas de los cuerpos Mesa de diálogo. Participan: Lucía Leonor González, dramaturga e investigadora de la Universidad Nacional Autónoma de México. Camila Sosa Villada, actriz y escritora (Córdoba, Argentina). Modera: Gisela Cortés
19:30 h. Receso20:00 h. Torre de Babel. Conferencia performativaver más+. Participan: Adriana Butoi, Adriana Segura, Andrea Cabrera López, Ana Luisa Campusano, Carolina Ramírez, Diego A. Salgado Bautista, Dora Gema Castillo, Francisco Arrieta, Gisela Cortés, Guadalupe Mora Reyna (La Virgen del Escándalo), Isabel Rodríguez, Javiera Núñez Álvarez, Lalo Santi, Leticia Cordero, Marcela Flores Méndez, Manuel Delgado Plazola, Sara Tovar y Toztli Abril de Dios.
6 de septiembre
Centro Cultural de España en México
12:00 h. Descripción, imaginación, crítica: sobre teatro y separación Ponencia de Giulia Palladini, filósofa y profesora en la Universidad de Roehampton (Londres, Reino Unido).
13.00 h. Prácticas artísticas no acumulativas: colaboración, solidaridad, gratuidad, devolución. Mesa de debate. Participan: Rodrigo Parrini, antropólogo de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) Noé Martínez, artista y documentalista. Nadia Lartigue, coreógrafa. Bruno Varela, hacedor audiovisual. Modera: Ana Luisa Campusano, diseñadora escénica y profesora de la Universidad de Chile.
15:00 h. Receso
17:00 h. Mis nuevas escrituras, las nuevas escrituras. Ponencia de Mario Bellatin, escritor.
18:00 h. Diálogos con el presente: síntomas y resistencias. Mesa de debate. Participan: Iván Ruiz, Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE-UNAM) Tercerunquinto, colectivo artístico . Héctor Bourges, integrante de Teatro Ojo. Colectivo Los Ingrávidos. Modera: Adriana Segura, actriz e investigadora.19:45 h. Receso 20:00 h. Torre de Babel. Conferencia performativaver más+.Participan: Adriana Butoi, Adriana Segura, Andrea Cabrera López, Ana Luisa Campusano, Carolina Ramírez, Diego A. Salgado Bautista, Dora Gema Castillo, Francisco Arrieta, Gisela Cortés, Guadalupe Mora Reyna (La Virgen del Escándalo), Isabel Rodríguez, Javiera Núñez Álvarez, Lalo Santi, Leticia Cordero, Marcela Flores Méndez, Manuel Delgado Plazola, Sara Tovar y Toztli Abril de Dios. La presentación de Torre de Babel es resultado de un Laboratorio de investigación-creación coordinado por Gisela Cortés y José A. Sánchez en el que participan diecisiete personas seleccionadas mediante convocatoria. El objetivo de este laboratorio es la actualización del método de collage utilizado en la composición de Palabras Ajenas, de León Ferrari, para la producción de una conferencia performativa coral sobre la temática propuesta. Este Coloquio amplía y actualiza los debates iniciados en un primer Seminario Internacional con el mismo título que se realizó en el Museo Reina Sofía de Madrid en abril de 2018. Palabras Ajenas, de León Ferrari, fue presentada en Los Ángeles en septiembre de 2017, a partir de una investigación realizada por Ruth Estévez, en colaboración con Agustín Díez Fischer y Miguel A. López, que dio lugar a una exposición y a la lectura escenificada, dirigida por José A. Sánchez, Ruth Estévez y Juan Ernesto Díaz. Torre de Babel fue presentada por primera vez en el Museo Reina Sofía en abril de 2018. Se realizó una segunda versión en el Centro Párraga de Murcia en el contexto del Congreso Internacional sobre Identidad, Cuerpo, Género y Violencia(s), coordinada por Amaia Bono, Cristina Cejas, Eliana Murgia y Noemi Oncala. Con la colaboración de Alonso Arrieta (Teatro Ojo) en la edición del vídeo de Palabras ajenas (Madrid) y la maquinación de Torre de Babel. Coordinadores: Gisela Cortés, maestría Artes Visuales, UNAM José A. Sánchez, investigador de ARTEA-UCLM Organizan: ARTEA – UCLM. Proyecto HAR2015-63984-P Museo Universitario del Chopo -UNAM Centro Cultural de España en México Colaboran: UCLM – UE (Fondos Feder) Teatro-UNAM Universidad Iberoamericana de México Teatro-Ojo.
“Proyecto Teatralidades Expandidas” HAR2015-63984-P
SE ALQUILA. Archivo universal del actor
SE ALQUILA. Archivo universal del actor
Théâtre de la Vignette, Université Paul Valéry Montpellier 3 / Universidad Santiago de Compostela
2019
SE ALQUILA. Archivo universal del actor es un proyecto de largo recorrido concebido y realizado por Óscar Cornago y Juan Navarro. Se presentó en versión piloto en marzo del 2019 en el Théâtre de la Vignette en Montepellier en el marco de un seminario sobre el actor en la actualidad. Su siguiente presentación será en el marco de las jornadas organizadas por el grupo de investigación PERFORMA en Santiago de Compostela entre el 26 y 28 de noviembre.
¿Qué queda del hombre cuando la obra está acabada sino escombros de disculpa?
El trabajo funciona como una suerte de conversación imposible entre el pasado y el presente, entre una cabeza y un cuerpo, entre el mundo de las ideas y la acción, entre el sujeto de una conferencia y el objeto de la conferencia; una conversación suspendida en un lugar incierto entre pasado y futuro. El punto de partida fue hacer un libro sobre la trayectoria de Juan Navarro como artista, pero no un libro como documento ni monumento, sino un libro que funcionara como una herramienta y un medio de viaje, un recorrido sin un plan de ruta fijo para pensar y hacernos desde escenarios presentes; preguntarnos a nosotros, preguntarle al público y a los entornos en los que se hace dónde estábamos antes y dónde estamos ahora, dónde estabais antes y dónde estáis ahora. De ahí surgió la idea de que el libro se fuera haciendo y deshaciendo a sí mismo, escribiéndose y borrándose a base de intervenciones en contextos distintos; cada intervención sería un capítulo.
Para ello hemos construido un archivo que se activa al ponerse en relación con los contextos culturales y horizontes de trabajo en los que se realiza. Asumiendo que cualquier persona, ser vivo, objeto o idea con capacidad de actuar y afectarnos es un archivo vivo, SE ALQUILA juega con la memoria de actores específicos para interrogarse por su lugar con respecto a líneas históricas y entornos de actuación determinados, empezando por la historia del propio público como construcción ideológica y abstracción numérica frente a la que se representa cualquier otra historia. En cada edición el Archivo se renueva. Cuerpo y palabra, reflexión teórica y acción física, se descubrirán y se confundirán en territorios sin hacer, desde los que sostener la incertidumbre de lo que ya no somos y lo que todavía podríamos ser. La revisión del pasado se convierte así en una apuesta por un presente abierto; la escena se convierte en una oportunidad para tomarnos un tiempo y mirar alrededor.
Un teatro del presente. Retórica y poder en Palabras ajenas de León Ferrari
Seminario Internacional Un teatro del presente. Retórica y poder en Palabras ajenas de León Ferrari
Ver información en la web del MNCARS León Ferrari (Buenos Aires, 1920 – 2013) realizó Palabras ajenasentre 1965 y 1967, urgido por la violencia y la inhumanidad extremas que en ese momento transmitían las noticias llegadas de la Guerra de Vietnam. Con ellas se anunciaba un modo de ejercer el poder que en breve se impondría en gran parte de América Latina. Esta violencia del poder contrastaba, sin embargo, con la retórica de las buenas intenciones y la frivolidad de los “espectáculos” protagonizados por los líderes políticos, quienes justificaban con cinismo la violación de los derechos fundamentales. El método del collage textual que emplea Ferrari en este trabajo le permitió poner en escena también la falsa neutralidad de los medios de comunicación, desenmascarar la fabricación de relatos y evidenciar la continuidad entre la propaganda del pasado (la Biblia, el fascismo) y la actual. Palabras ajenassigue siendo un teatro del presente en tanto que los argumentos y los modos denunciados se repiten, de igual manera que se repite la deriva autoritaria y la desigualdad y la segregación como formas de dominación. No es gratuito que el artista, hasta entonces centrado en la cerámica, la escultura y el dibujo, acabara produciendo un collage teatral para intervenir su presente: la confrontación en vivo con el público resultaba la forma más eficaz para una práctica que asumía la necesidad de implicarse en lo político. Sin importar que pudiera ser calificada como no teatral o no artística, la propuesta de Ferrari mostró cómo el arte y el teatro podían ejercer una acción de compromiso y denuncia en una sociedad en que la guerra, la economía y la política eran ya espectáculo. La primera jornada de este seminario examina la singularidad de Palabras ajenas y su importancia en la evolución del pensamiento y la práctica de su autor. Asimismo, se propone también inscribir esta obra y otras de Ferrari en el contexto histórico y político de los años sesenta, con especial atención al ámbito latinoamericano y en particular al argentino. La segunda jornada se ocupa de las resonancias de la piezaen el presente. Con este propósito, se revisan las prácticas de distintos artistas actuales que se sitúan en ese arriesgado cruce con la acción política, reeditando modos de compromiso similares a los que Ferrari mantuvo a lo largo de su vida. Por otra parte y acompañando estas reflexiones, se analiza la retórica de los medios de comunicación hoy: la función de la “posverdad” y las posibles alternativas críticas. Jueves, 12 de abril. 16.30. Auditorio 200Presentación – 16:30 h Participantes: Ruth Estévez, Ana Longoni, Isabel de Naverán y José A. Sánchez con la intervención de Javier del Olmo (Fundación León Ferrari) Palabras ajenas:relato de una investigación – 16:45 h Conferencia de Ruth Estévez En 2013, Ruth Estévez comenzó una investigación, que duraría cuatro años, dedicada a los collages literarios de León Ferrari, centrándose en la obra Palabras ajenas,y su relevancia como fuentes de recursos para el resto de su obra visual. Estos collages denunciaban la hipocresía de la retórica política y ponían sobre la mesa la complicidad existente entre los diferentes órganos de poder militares, políticos y religiosos. En su intervención, Estévez presenta un recorrido por este trabajocon el fin de entender las claves del pensamiento político y la mirada crítica de Ferrari. Arte/política en León Ferrari y la vanguardia argentina de los sesenta – 17:30 h Conferencia de Ana Longoni La práctica artística de León Ferrari se transforma de manera definitiva a partir del profundo impacto que producen en él —y en muchos otros— sucesos como la Guerra de Vietnam y la invasión norteamericana de Santo Domingo. Desde 1965 y hasta el final de su vida, uno de los ejes que atravesó su trabajo fue el señalamiento de la complicidad entre la iglesia católica y el imperialismo. Cuando algunas voces críticas defenestraron “la civilización occidental y cristiana” como panfletaria, Ferrari respondió: “Es lo que tengo que decir y lo digo con las herramientas que tengo a mi alcance”. El arte experimental concebido como toma de posición política puede resultar una clave de lectura para abordar experimentos como Palabras ajenasy entender el curso colectivo de radicalización tanto artística como política que emprende la vanguardia argentina entonces. Puesta en común – 18:15 h Participantes: Ruth Estévez y Ana Longoni Con la moderación de: Isabel de Naverán Torre de Babel – 19:30 h Conferencia performativa de José A. Sánchez con artistas e investigadores vinculados a ARTEA. Participantes: Ignacio de Antonio Antón, Amaia Bono Jiménez, Janaína Carrer, Cristina Cejas, Gisela Cortés, Andrea Dunia, Juan Pablo Fuentes Villarroel, Ksenia Guinea, David Hernández Vargas, Jessica Huerta, Katty López Soto, Ana Luiza Fortes , Fernando Mena, Eliana Murgia, Noemi Oncala, Laila Tafur Santamaría. En 2017, tras poner en escena en el REDCAT de Los Ángeles Palabras ajenasel mismo equipo curatorial recurrió a la apropiación del método Ferrari para hablar de lo que hoy nos afecta. Ahí apareció el “babelismo”. Torre de Babel(1963) es una escultura de alambre realizada por Ferrari dos años antes de Palabras ajenasque hacía referencia a la idea de: “hacer una cosa sin unidad, con diferentes sensibilidades […] o hacerla entre varios”. Este premisa les llevó a pensar que el autor compuso Palabras ajenasen solitario porque lo movilizaba la urgencia de la guerra, la violencia y las torturas, y no podía esperar a convertirse en productor. Con un poco más de tiempo, habría optado, como de hecho hizo, por el babelismo. Y si comenzara hoy a idear esa “Torre de Babel”, ¿cuáles serían las guerras del presente? Viernes, 13 de abril. 16.30. Auditorio 200Politicidad de los afectos– 16:30 h Conferencia de Ileana Diéguez ¿Cómo pensar o hablar de lo que nos duele? ¿Qué puede hacer el arte para sostener un corpus herido? ¿Dónde suceden las acciones, si ya no hay multitudes? Cuando el ejercicio de cierta política cercena los afectos, las experiencias artísticas intentan propiciar formas de politicidad en las que sobrevivan esas afectividades perdidas. En tales circunstancias el arte político necesita producir algo más que subversión. No es solo lo que nos puede levantar, es quizás una contribución menos épica: sostenerse para continuar. Teatro y política – 17:15 h Conferencia de Akira Takayama En 2011, el mayor terremoto de la historia de Japón asoló la región de Tohoku. La fuerza de su magnitud causó un tsunami con olas de hasta 41 metros de altura, provocando la destrucción de muchos pueblos y ciudades, así como un fallo en los sistemas de refrigeración de la central nuclear de Fukushima. Decretado el estado de emergencia, una detonación en la central generó una ola expansiva de radiación de 20 kilómetros a la redonda. Ante estos acontecimientos, el director de teatro Akira Takayama creó una serie de obras e iniciativas, tales como Referendum Project, Kein Licht II oTokyo Heterotopiacon las que abordaba el tratamiento de los traumas sociales, la acción política y los afectos de una comunidad marcada por la supervivencia en su cotidianidad. Esta conferencia es un recorrido por estos proyectos. Puesta en común – 18:00 h Participantes: Rolf Abderhalden, Ileana Diéguez y Akira Takayama Con la moderación de: José A. Sánchez La retórica de los medios. Posverdad, fakenews,populismo, neocensura y redes sociales –19:30 h Mesa redonda Participantes: Germán Cano, Lucía Méndez y Marta Peirano Con la moderación de: Miguel Álvarez Peralta En Palabras AjenasLeón Ferrari reflexiona sobre las lógicas político-mediáticas y la relación de la retórica periodística con la verdad y el enmascaramiento, como factores determinantes en los conflictos políticos del momento. Recientemente, el término posverdad ha sido oficializado por la RAE y declarado palabra del año por el Oxford English Dictionary (OED). Ello evidencia la vigencia, cuarenta años después, de las preocupaciones de Ferrari en torno a la retórica informativa, la política y los derechos humanos. Esta mesa redonda se ocupa del papel de los medios de comunicación en la esfera pública contemporánea, hoy ya digitalizada y globalizada, recorriendo algunos de los focos de interés que motivaron a Ferrari y que hoy reconocemos en polémicas como la de las fakenews, que introducen nuevos condicionantes en las relaciones políticas y de poder de las sociedades actuales. Sábado, 14 de abril. 14.30. Auditorio 400El Museo Reina Sofía presenta Palabras ajenas de León Ferrari, por primera vez de manera íntegra en español —con una duración de siete horas—. La pieza condensa la historia de la violencia ejercida por y en Occidente fruto de la complicidad entre el poder político y el religioso; tema sobre el que Ferrari trabajó a lo largo de toda su trayectoria. La obra visualiza, a través de palabras, escenarios tan diversos como los castigos y redenciones de la doctrina judeocristiana y los horrores de la Segunda Guerra Mundial —la Alemania nazi, los campos de exterminio y los juicios de Núremberg— hasta contextos más cercanos y coetáneos del artista, como la Guerra de Vietnam y la expansión imperialista estadounidense durante la Guerra Fría. El artista elabora un extenso diálogo entre diversos personajes como Adolf Hitler, el papa Paulo VI, Dios y el presidente norteamericano Lyndon B. Johnson, que actúan como protagonistas estelares acompañados por las voces de corresponsales de guerra, periodistas locales e internacionales, militares, profetas y asesores políticos. Todos ellos son puestos a conversar a partir de citas entresacadas de libros de historia y de literatura, la Biblia y, fundamentalmente, la prensa escrita, revistas y periódicos nacionales, así como cables de agencias extranjeras. Con esta presentación se pretende dar a conocer una pieza esencial dentro del cuerpo artístico de León Ferrari, así como rendir un homenaje a su figura. Asimismo, se plantea como un gesto en defensa de la cultura, la democracia y los derechos humanos, cuestiones e imperativos clave para este autor.
- Organiza: Museo Reina Sofía y ARTEA
- En el marco de: Teatralidades Expandidas (MINECO. HAR2015-63984-P), del grupo de investigación ARTEA
Podría quien te recuerda… Cuerpo, Archivo y Memoria
Podría quien te recuerda… Cuerpo, Archivo y Memoria
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y La Casa Encendida. Madrid
14, 15, 16 y 17 de junio 2017
La desmesura del cuerpo parece inasumible para las prácticas archivísticas. Podemos escribir historias de la danza, de las artes en vivo y del teatro en cuanto actos efímeros, del mismo modo que podemos hacerlo sobre el acontecer social y político, y sobre la vida en general. Pero no podemos archivar la experiencia porque no hay modo de sustraerla al tiempo. ¿Cabría imaginar un archivo vivo, donde los documentos del cuerpo son preservados en vida, en cambio constante, afectados por su ineludible naturaleza efímera? PODRÍA QUIEN TE RECUERDA… CUERPO, ARCHIVO Y MEMORIA
Miércoles 14
17.00. Podría quien te recuerda… Auditorio Sabatini
Presentación del seminario y Conversación con María Muñoz, José A. Sánchez, Victoria Pérez Royo, Isabel de Naverán
18:30. Light Dark Light Heavy Archive. Auditorio Sabatini
Conferencia performativa de Andrea Božic y Julia Willms ¿Qué se almacena en un archivo? ¿Es una biblioteca infinita de información almacenada en libros, objetos o obras de arte? ¿O son las experiencias codificadas, el conocimiento, las percepciones, las sensaciones y su inserción en el contexto que las originó. El conocimiento almacenado en el archivo sólo puede ser transferido una vez que se materializa y se sitúa en el aquí y ahora. ¿Podemos mirar las obras de arte no como algo para ser archivado sino como archivos del conocimiento en sí mismos que necesitan ser desempaquetados para ser mantenidos vivos? Light Dark Light Heavy Archive es una reflexión performativa sobre archivar la atención, el clima y los sueños.
20.15. Takishmora. Versiones de Kratimosha
Muestra de los procesos de reinterpretación de Kratimosha de Amalia Fernández. Cécile Brousse, Nazario Díaz, María de Dueñas, Ana Fines, Inma Marín, Cecilia Molano, Julián Pacomio y Laura Valle Lisboa. Acompañamiento: Amalia Fernández. Torreón LCE. Aforo limitado (50 personas) Matrioshka (2005) es un solo autobiográfico de Amalia Fernández. Kratimosha (2009 y 2017) es una pieza de Amalia Fernández basada en el reciclaje de Matrioshka. Tamishkora (2017) es una colección de ejercicios de apropiación de Kratimosha en la que ha trabajado el grupo de artistas participantes en el programa Cuerpo y Archivo y Memoria durante 2017. Las versiones son diversas: unas parten del formato de Kratimosha, otras son el resultado de aplicar los procedimientos de trabajo de la pieza, mientras que otras proponen llevarse esos materiales a los mundos y poéticas personales.
Jueves 15
17:00 Knocking on Memory’s Door with a Video Camera
Programa cine de Wu Wenguang. Auditorio Sabatini Un grupo de personas tomaron cámaras de video y regresaron a sus respectivas aldeas. Fueron en busca de la vieja generación que todavía vivía allí en casas oscuras y austeras. Fueron a descubrir los recuerdos escondidos dentro de ellos. Cada cineasta tenía alguna relación previa con el pueblo. Algunos de ellos nacieron o crecieron allí, algunos todavía viven allí, algunos nunca habían vivido en el pueblo pero tenían padres o abuelos que lo habían hecho. Para los ancianos de la aldea, ésta era la primera vez que alguien había venido con una cámara para pedirles que abran sus baúles de la memoria. Aquí estaba la generación más joven, saltando sobre la generación de sus padres – esa generación con la memoria borrada- para preguntar a los ancianos sobre el pasado. Esta reunión puede ser extraña e incómoda, pero también es una aventura emocionante. Sus historias son ahora documentales presentados en este programa.
19:30 Passions, suspended.
Conferencia de Joe Kelleher: Suffering images. Auditorio Sabatini Una sucesión de figurantes, actores no hablantes, suspendidos uno por uno por encima del escenario. Miran al público que los está mirando. Llevan no sólo el peso de sus cuerpos, sino también su edad, nombre, género, identidad y memorias. Otros actores, con historias de vida más elaboradas, representan pasiones más específicas, ya que puede ser una vida de devoción reclusa, o una vida de activismo público, pero al igual que los figurantes, miran desde el escenario en silencio. Sus recuerdos son, por decirlo así, ellos mismos. Todas estas apariciones tienen lugar en una escena de reproducción arquetípica, donde se recita un relato familiar y estacional, el de la Pasión de Jesucristo, como la iconografía y los atributos de ese cuento (los clavos, el árbol, la piedra, la corona de espinas …) están construidos mecánicamente, ante nuestros ojos. La reciente puesta en escena de la Pasión según San Mateo de J.S.Bach por parte de Romeo Castellucci, en la que el «sufrimiento» no es sólo el tema de la representación, sino también el proceso mediante el cual la imagen teatral se hace y se deshace en los intercambios de actores y espectadores, Será el punto de partida de un conjunto de reflexiones sobre la «pasión suspendida» de la imagen archivística -y antiarchivística- del teatro. Una imagen, podríamos decir, en la que el ser humano mismo es puesto en suspensión, como una especie de elipsis figurativa, todavía allí en el centro del escenario.
Viernes 16
17:30. Stand up to Forgiven by Body’s Memory
Conferencia de Wu Wenguang. Protocolo Sabatini En 2010, Caochangdi Workstation, como espacio independiente de arte en Beijing, lanzó el Memory Project, que llamó a jóvenes documentalistas, artistas de performance y estudiantes volver a su pueblo natal para entrevistar a los ancianos como “buscadores de historias”. La Gran Hambruna que sucedió 1959-1961 era el primer asunto para abrir la puerta de la memoria del pueblo. Durante el proceso, jóvenes artistas buscaron las materiales para los trabajos de arte. El proyecto ha estado funcionando durante 7 años hasta ahora. La conferencia-performance presenta: en la actual situación social en China, la historia debe ser ocultada y la gente está ocupada, loca por seguir adelante. Nuestro objetivo es “protestar contra la amnesia”.
19.00. Envoltura. Patio Sabatini y Sala Serra. Aforo limitado.
Iñaki Azpillaga, Leonor Leal, Idoia Zabaleta, Pedro G. Romero, Bobote e Isabel de Naverán. Patio Sabatini, Sala Serra y Protocolo Sabatini.
20:30. Coloquio. Protocolo Sabatini
Envoltura ofrece un recorrido por varias escenas, creadas por distintos artistas, inspiradas en la idea de síncope como movimiento corporal e histórico. El proyecto parte de las circunstancias que rodearon el fallecimiento de Antonia Mercé y Luque, La Argentina (1890-1936), bailarina de danza popular española y flamenco. Envoltura trata de entender la convulsión física de la artista en correlato al sentimiento colectivo del momento, como un reflejo de un quiebro en la línea de la historia. Este quiebro se repite en distintos momentos y de distintas maneras, a través de artistas como el japonés Kazuo Ohno, quien recuperara la figura de La Argentina cincuenta años después de haberla visto bailar. La imposibilidad de un acercamiento directo a la experiencia de otro cuerpo o de otro tiempo, atraviesa el proceso de creación de Envoltura.
22.00. Kratimosha
Amalia Fernández. La Casa Encendida. Patio. Katrimosha es una partitura músico-visual que se despliega en varias direcciones y se recoge sobre sí misma. Katrimosha… es un grafiti escrito en el casco de un trasatlántico significa buena suerte en chino es el título de una película muda es un caballo de carreras es el nombre artístico de una striper es un proyecto de tatuaje en el hombro, que nunca llegó a realizarse es la contraseña del correo electrónico de mi marido es frívola porque es jugar por jugar, y es profunda por la misma razón es hacer y rehacer la acción, escribir y rescribir Es una obra de teatro con una cantante en bragas, una voz en off, un retrato de hogar y familia imaginario, un difunto, un montón de ruiditos copiados de la realidad, una serie de parejas a punto de enamorarse o a punto de romper y un final que se parece al principio, pero no en la forma, sino en la mofra, en la famor, en la romaf y en la ofram.
Sábado 17
11.00. Líneas. Cecilia Molano.
La contrarrevolución de los caballos. Marta Echaves y Paula Cueto. The Asleep Image 1_ El mundo bajo el mundo. Julián Pacomio. Muestras de los procesos de investigación en el programa Cuerpo, Archivo y Memoria. Líneas. Cecilia Molano. Protocolo Sabatini. La escritura y el diario como herramienta de creación y reflexión. ¿Cómo definir el mecanismo que la memoria constituye como herramienta dramatúrgica y de creación? La escritura como práctica trasladada a la escena y a lo visual que permitia el encuentro de memorias diversas para construir una narrativa común. La contrarrevolución de los caballos. Marta Echaves y Paula Cueto. Protocolo Nouvel. La contrarrevolución de los caballos es una investigación en curso que en un primer momento tomó la forma de un proyecto expositivo, y que posteriormente fue presentada como una conferencia performativa. Para este seminario, mostraremos el trabajo en proceso de lo que podría ser su versión escénica, profundizando en cómo activar documentos y materiales pertenecientes a archivos “familiares” para volvernos a contar la historia de las primeras décadas de nuestra democracia y recoger un testigo que no sabemos muy bien cual es, pero que traemos. The Asleep Image 1_ El mundo bajo el mundo. Julián Pacomio. Protocolo Nouvel. La pregunta que impulsa este proyecto es: ¿puede una persona almacenar / ser / representar / reproducir contenidos cinematográficos? El aprendizaje de los libros, con todas las dificultades que eso tiene, deriva en una forma de reescritura. Al aprender textos sencillos y cortos, las alteraciones vienen dadas en su representación, los modos de interpretación, locución o entonación cada vez que son reproducidos. Pero al memorizar contenidos más voluminosos, es inevitable que sufran severas modificaciones. ¿Qué hay sobre memorizar cosas que sean solo textos? Con una imagen la cosa se complica, ¿cómo se puede mostrar una imagen una vez aprendida? The Asleep Image es un proyecto en colaboración con Ángela Millano y Blanca Gómez Terán.
13.00. Coloquio sobre Kratimosha y Takishmora.
Con Amalia Fernández y el grupo de artistas participantes. Protocolo Sabatini.
13:45-14:30 Radio Frisson.
Experimento de radio documental. Cécile Brousse, Natalia Ramírez Püschel y Gabriel Álvarez. Protocolo Sabatini.