Desviaciones (documentaci\u00f3n de la 2\u00aa Edici\u00f3n de Desviaciones)<\/em>Cuenca-Madrid, 1999, pp.57-68.<\/p>\n\n\n\n Es un placer estar en Madrid y tener esta oportunidad para conversar sobre las nuevas tendencias del performance brit\u00e1nico y de lo que llamamos \u2018live art\u2019. Esta breve intervenci\u00f3n es esencialmente una tentativa de introducir y contextualizar los desarrollos recientes del performance brit\u00e1nico y de hablar sobre los tipos de marcos culturales y cr\u00edticos y de estructuras que han surgido como respuesta a los mismos. Quienes estamos comprometidos con las pr\u00e1cticas art\u00edsticas experimentales en Gran Breta\u00f1a estamos viviendo momentos delicados. Por una parte, la vanguardia, o lo que se supone como vanguardia, ha logrado una popularidad y aceptaci\u00f3n sin precedentes; los extremos m\u00e1s salvajes de pr\u00e1ctica art\u00edstica radical e interdisciplinar son celebrados en los m\u00e1s altos c\u00edrculos e incluso el gobierno del Nuevo Laborismo se apropia de ellos. Y no son ya solo la Royal Shakespeare Company o el Royal Ballet los que adornan las escenas internacionales, sino una nueva generaci\u00f3n de artistas y \u2018performer\u2019 brit\u00e1nicos radicales los que est\u00e1n dejando su marca tanto en casa como en el extranjero. Del mismo modo que se reconoce que Gran Breta\u00f1a est\u00e1 ejerciendo una fuerte influencia en el mundo de la moda, en la m\u00fasica y en las artes visuales, tambi\u00e9n los \u00faltimos desarrollos del performance brit\u00e1nico est\u00e1n atrayendo la atenci\u00f3n y la curiosidad internacionales. Sin embargo, la apropiaci\u00f3n por parte de la clase pol\u00edtica del arte de vanguardia tiene el riesgo de someterlo a un proceso de profilaxis o al menos de limar sus dientes. No s\u00f3lo eso, sino que los avances en infraestructuras que abrieron la posibilidad de realizar esta peque\u00f1a revoluci\u00f3n cultural parecen ahora estar siendo erosionados por aquellos que precisamente no parecen haber entendido su significaci\u00f3n primordial. Estas son algunas cuestiones clave sobre las que volver\u00e9 m\u00e1s tarde cuando hablemos de las necesidades de pol\u00edtica cultural y recursos. Pero primero algo de historia sobre el performance en Gran Breta\u00f1a y por qu\u00e9 usamos el t\u00e9rmino \u2018live art\u2019. Siendo simplistas, podr\u00edamos que el \u2018live art\u2019 es el nieto de un matrimonio il\u00edcito entre las artes visuales y el teatro experimental, un descendiente h\u00edbrido de las pr\u00e1cticas del \u2018performance art\u2019 de los sesenta y lo sesenta y de los cambios radicales que se produjeron en el \u00e1mbito de los setenta y los ochenta. El \u2018performance art\u2019, como todos sab\u00e9is, es una pr\u00e1ctica que surgi\u00f3 cuando los artistas visuales escogieron, por muchas razones, rechazar la creaci\u00f3n de objetos y el proceso de acomodaci\u00f3n del arte y se volvieron hacia ideas de espacio, tiempo, acci\u00f3n y a sus propios cuerpos como principal material o met\u00e1fora de su trabajo. El \u2018performance art\u2019 estaba, y est\u00e1, basado en ideas de concepto, m\u00e1s que de objeto, de fugacidad m\u00e1s que de permanencia e insiste en nociones de presencia, proceso y en una consciencia del contexto. Una lista de artistas afincados en Gran Breta\u00f1a que aprovecharon las posibilidades subversivas del \u2018performance art\u2019 en los sesenta y setenta, a menudo en paralelo o en adici\u00f3n a su propios trabajo en artes pl\u00e1sticas, podr\u00eda incluir a Gilbert & George, Sally Potter, Alastair Mclenan, Roland Miller, British Events, Julian Maynard Smith & Station Hous Opera, Brian Catling, Bruce McLean, David Medalla, Bobby Baker, Rose English, George Wylie, Richard Layzell. Se trata de artistas que situaban su trabajo en galer\u00edas, en las calles, en lugares espec\u00edficos y, desde luego, en acciones y \u2018happenings\u2019. Su prop\u00f3sito no s\u00f3lo era coherente con la conmoci\u00f3n contracultural de la \u00e9poca, sino tambi\u00e9n con el mantenimiento de las preguntas formales y conceptuales que hab\u00edan sido planteadas desde, probablemente, antes de Marcel Duchamp. En paralelo a estas exploraciones en las fronteras y posibilidades de la pr\u00e1ctica de las artes visuales tambi\u00e9n se hab\u00edan planteado cuestiones en el \u00e1mbito de las formas y lenguajes del teatro. Aqu\u00ed la jerarqu\u00eda y las normas tradicionales de la obra -la interacci\u00f3n regulada entre texto, director, escenograf\u00eda, actores y artificio- fue rechazada en favor de nuevas din\u00e1micas, nuevas experiencias y una re-imaginaci\u00f3n radical de lo que el teatro podr\u00eda ser y de lo que el teatro podr\u00eda hacer. En Gran Breta\u00f1a nuevos creadores teatrales, como The People Show, Pip Simmons, Forkbeard Fantasy, Impact, Lumiere & Son, Ken Campbell, Neil Bartlett, Welfare STate y Forces Entertainment realizaron investigaciones innovadoras mediante producciones y eventos originales y a menudo interdisciplinares que reinventaron la excitaci\u00f3n, la tensi\u00f3n y la intimidad del teatro vivo y aportaron cantidad de vocabulario nuevo, de sonido, imagen, movimiento y nueva escritura, a la mezcla. Esta desconstrucci\u00f3n y reconstrucci\u00f3n de las formas teatrales se deshizo de estructuras formales, narrativas lineales, actores que pretend\u00eda ser alguien distinto, de la cuarta pared y de la suspensi\u00f3n de la incredulidad del p\u00fablico; estas narrativas extra\u00f1as, seductivas y subversivas eran ejecutadas ante uno y a menudo con uno en tiempo real. Los autores de teatro estaban tambi\u00e9n reconsiderando, entre otras, cosas, trabajar con la idea de presencia. En los ochenta y noventa la familia se extendi\u00f3 para abarcar los procesos desarrollados por artistas que trabajaban en los m\u00e1rgenes: performance, oratoria, cine y v\u00eddeo experimental, carnaval, instalaci\u00f3n, tradiciones no euroc\u00e9ntricas, punk y cultura de club, desobediencia civil y los lenguajes emergentes de la era digital. En este estanque gen\u00e9tico de pr\u00e1cticas y posiciones de finales del siglo veinte, una diversidad de artistas e ideas colisionaron, intercambiaron sus procedimientos y difuminaron sus l\u00edmites; y durante el proceso se abri\u00f3 la posibilidad de nuevas formas no restringidas por la convenci\u00f3n o tradici\u00f3n precedente. En Gran Breta\u00f1a esta amplia cadena de pr\u00e1cticas extra\u00f1amente interrelacionadas en el tiempo, que son primariamente de naturaleza conceptual, dirigidas por ideas m\u00e1s que por una referencia a la forma, que existen en tiempo real, que consideran al artista como material o met\u00e1fora primaria, que no est\u00e1n restringidas por conceptos de lugar y espacio y que se apoyan en nociones de presencia y proceso, hemos tratado de concretarlas en el t\u00e9rmino \u2018live art\u2019. \u2018Live art\u2019 es por tanto esencialmente un \u00fatil paraguas que cubre una cadena de posibilidades que puede llegar a extremos como el teatro de Forced Entertainment o el Museo de Tracy Emin o la danza de DV8. \u2018Live art\u2019 definitivamente no es una disciplina art\u00edstica fijada per se sino una estrategia para impedir la distracci\u00f3n que produce la expectaci\u00f3n hacia las disciplinas: \u00bfes arte? \u00bfes teatro?, etc. \u2018Live art\u2019 sugiere que estas distinciones no son tan importantes como las ideas que est\u00e1n en juego. As\u00ed que el \u2018live art\u2019 es una amplia iglesia de formas, ideas y contextos y tambi\u00e9n un espacio envolvente y cambiante para experiencias inmediatas que buscan, y son buscadas por, una nueva generaci\u00f3n cada vez m\u00e1s diversa de espectadores. Esta es una generaci\u00f3n que quiere que su arte sea provocativo m\u00e1s que decorativo, \u00edntimo m\u00e1s que remoto, honesto m\u00e1s que aut\u00e9ntico, cuestionador m\u00e1s que autoritario. El \u2018live art\u2019 est\u00e1 escribiendo nuevos guiones que est\u00e1n informados por y a su vez informando el paisaje cultural y las agendas personales de una sofisticada, consciente y perspicaz generaci\u00f3n m\u00e1s joven de espectadores que probablemente nunca so\u00f1ar\u00edan ir al Teatro Nacional, pero que quieren ser provocados, puestos a prueba, inspirados. Una de las m\u00e1s recientes y energ\u00e9ticas manifestaciones de esto son las colaboraciones por afinidad que est\u00e1n teniendo lugar en este momento en Gran Breta\u00f1a entre el \u2018live art\u2019 y la cultura de club y de las cuales la compa\u00f1\u00eda multimedia Blast Theory fue pionera; los propios artistas a menudo enmarcan su trabajo en formato de club o de \u2018on-line\u2019 directo y los clubs presentan a menudo actividades de \u2018live art\u2019 y acciones en su oferta global. Por otra parte, DJs radicales y artistas de sonido como Scanner, que cortan y funden m\u00fasicas encontradas con conversaciones y sonidos pirateados de tel\u00e9fonos m\u00f3viles y ondas radiof\u00f3nicas, est\u00e1n poniendo tambi\u00e9n a prueba los l\u00edmites del proceso y presentaci\u00f3n de la m\u00fasica moderna. Viejos cr\u00edticos teatrales estrechos de miras pueden haber balbuceado que Forced Entertainment, por ejemplo, resultaba desagradable e incomprensible de acuerdo a su criterio, pero el director de la compa\u00f1\u00eda y escritor, Tim Etchells, siempre dijo que ellos eran una compa\u00f1\u00eda accesible a cualquiera que hubiera crecido con la televisi\u00f3n siempre puesta. El teatro de Forced Entertainment hablaba de nuestra propia \u00e9poca con los lenguajes de nuestra \u00e9poca. En los \u00faltimos ochenta arrastraron la forma teatral hacia el mundo desespeanzado y fragmentado que mi generaci\u00f3n reconoc\u00eda y entend\u00eda, recogiendo los detritus y la iconograf\u00eda de la vida urbana y transform\u00e1ndola en modernos mapas y en nuevas leyendas para finales del siglo veinte. Esto no quiere decir que el \u2018live art\u2019 est\u00e9 vetado a aquellos que no tienen televisi\u00f3n o pasan de los cincuenta a\u00f1os. Nada m\u00e1s lejos de esto, y el p\u00fablico de Londres puede dejar constancia de ello ahora. Se trata m\u00e1s bien de sugerir que, guste o no, el amplio espectro de im\u00e1genes ideas que denominamos \u2018live art\u2019 debe, como cualquier otro cambio cultural de este siglo, debe ser le\u00eddo y aceptado como un producto genuino de nuestros tiempos: el medio es el mensaje y estos son tiempos extra\u00f1os. Adem\u00e1s, durante los noventa, la influencia y el impacto de artistas que emergieron en el marco del \u2018live art\u2019 se ha extendido m\u00e1s all\u00e1 del mundo del arte y ha contribuido activamente a la configuraci\u00f3n y definici\u00f3n de m\u00e1s amplios debates y cambios sociales en Gran Breta\u00f1a. En su respuesta a lo h\u00edbrido y lo complejo de las fuerzas en juego en el mundo moderno el \u2018live art\u2019 posee indudablemente la capacidad de perturbar los \u00f3rdenes y estructuras establecidas y constituye en muchos sentidos una amenaza y un reto para el status quo. Porque efectivamente no se deja etiquetar, contener o manipular. Su acci\u00f3n de goteo resulta menudo peligrosa: en tanto los artistas erosionan los l\u00edmites entre las disciplinas art\u00edsticas y perturban las expectativas sobre lo que es arte y lo que el arte puede hacer, est\u00e1n al mismo tiempo derribando cualquier tipo de categorizaci\u00f3n social y cultural. Por ello, el \u2018live art\u2019 puede no s\u00f3lo desafiar la naturaleza, papel y experiencia del arte contempor\u00e1neo, sino tambi\u00e9n trastornar los modos asumidos de leer y estar en el mundo. El \u2018live art\u2019 est\u00e1 en posici\u00f3n privilegiada para negociar y articular ideas complejas y experiencias complejas y dif\u00edciles. En cuanto forma que act\u00faa sobre lo art\u00edstico como material primario provee un veh\u00edculo a los artistas para materializar y representar cuestiones y experiencias contrarias a sus propios programas y sus propios criterios, sin importar c\u00f3mo sean de personales o diversos tales criterios. En su insistencia en nociones de \u2018presencia\u2019, constituye un espacio crudo, honesto, persuasivo y cargado de emoci\u00f3n para el rechazo de sabidur\u00edas asumidas y la consideraci\u00f3n de otras posibilidades. El espacio del performance, dondequiera y cualquiera que est\u00e9 o sea, ha llegado por ello a representar y a ser uno de los pocos lugares sin restricciones ni filtros disponibles para el planteamiento de investigaciones sobre otras maneras de estar, ver, pensar y hacer en el mundo moderno. El \u2018live art\u2019 es un \u00e1rea de pr\u00e1ctica que ha demostrado por tanto ser particularmente atractiva y potente para una nueva generaci\u00f3n de artistas que han sido marginados en el contexto de la cultura dominante en Gran Breta\u00f1a, como es el caso de los artistas negros, homosexuales, mujeres, incapacitados y obreros. El \u2018live art\u2019 ofrece nuevos lenguajes con los que interactuar con las influencias culturales y sociales que nos afectan, para articular nuevas formas de identidad y representaci\u00f3n y para crear nuevos di\u00e1logos culturales. Para los artistas que se enfrentan a cuestiones de identidad y diferencia cultural el \u2018live art\u2019 ha demostrado ser una plataforma articulada para desafiar a las narrativas dominantes y las representaciones tradicionales de \u2018lo otro\u2019. En los \u00faltimos a\u00f1os, por ejemplo, se ha asistido a la emergencia de una nueva generaci\u00f3n de artistas negros cuyo trabajo est\u00e1 contribuyendo en un proceso m\u00e1s amplio de transformaci\u00f3n social y en relaci\u00f3n a la identidad, la asimilaci\u00f3n, la hibridaci\u00f3n y la trascendencia de nociones arcaicas de nacionalidad y nacionalismo en la sociedad multicultural brit\u00e1nica. Tales procesos no solo han contribuido a la representaci\u00f3n y negociaci\u00f3n de diferencias culturales en nuestra sociedad, sino que han servido como instrumentos para cuestionar la desfasada creencia de que existen experiencias culturales genuinas y esenciales: vivimos en un mundo de diferencia y diversidad m\u00e1s que de homogeneidad y en cambio nadie esperar\u00eda que un artista negro pudiera representar una \u2018experiencia negra\u2019. Conforme alcanzamos el fin del milenio y muchas cosas que en un tiempo val\u00edan como verdaderas est\u00e1n listas para la tumba, el mundo postmoderno est\u00e1 siendo deconstruido y reconstruido de maneras muy significantes. En tanto la ciencia aborda el cuerpo desde otra dimensi\u00f3n, las religiones ortodoxas occidentales pierden su papel y relevancia, la historia termina, la sociedad se vuelve m\u00e1s transgresiva y menos r\u00edgida, las nuevas tecnolog\u00edas revolucionan el contacto humano y los individuos se embarcan en b\u00fasquedas personales por el sentido del fin de si\u00e8cle, las cuestiones en torno al cuerpo en la sociedad y la sociedad en el cuerpo adquieren fuerza y se ven como m\u00e1s urgentes. El espacio del \u2018live art\u2019 -con el cuerpo en su centro como lugar absoluto de encuentro de los sentidos de lo contempor\u00e1neose encuentra nuevamente posicionado de manera \u00fanica para plantear tales cuestiones y considerar un amplio abanico de respuestas. Consid\u00e9rese el trabajo de Orlan, que aprovecha la cirug\u00eda pl\u00e1stica y la nueva tecnolog\u00eda para poner en cuesti\u00f3n la idealizaci\u00f3n del cuerpo y el mito de belleza occidental, o Stelarc, que engancha su cuerpo en directo en internet para explorar lo obsoleto de la forma humana en la era del tiempo infinitesimal. M\u00edrese a Franko B., cuyo cuerpo monocrom\u00e1tico, abyecto, mudo y herido transforma acciones aparentemente brutales e insoportables en im\u00e1genes bellas y poderosas, o a Ron Athe, que recurre a primitivos rituales de sangre y la iconograf\u00eda del martirologio cristiano para dar testimonio de su vida como var\u00f3n americano travestido, tatuado, exyonki e infectado de SIDA. Cualquier debate sobre \u2018live art\u2019, sin embargo, no puede versar \u00fanicamente sobre cuestiones de forman, sino sobre cuestiones de contenido: qu\u00e9 es y qu\u00e9 puede hacer y decir. Y es aqu\u00ed donde resultan cruciales las cuestiones sobre representaci\u00f3n y contextualizaci\u00f3n. Dado que puede adoptar formas a menudo extra\u00f1as e implicarse en cuestiones e ideas dif\u00edciles, complejas y a menudo provocativas, el \u2018live art\u2019 resulta particularmente vulnerable a las falsas interpretaciones. No se lo puede etiquetar f\u00e1cilmente y a menudo se lo puede ver como un \u2018peque\u00f1o experimento\u2019 o peor a\u00fan como un \u2018freakshow\u2019, y el peligro inherente a ello es, por supuesto, que un trabajo exploratorio y vulnerable puede ser malentendido y probablemente injustamente tratado en el dominio p\u00fablico. Gran parte de la controversia sobre el trabajo de Ron Athey en EEUU, por ejemplo, se debi\u00f3 a su malinterpretaci\u00f3n en los media: los \u201cpowers that be\u201d fue visto simplemente como un peligroso y gratuito ba\u00f1o de sangre y el \u201cChristian Righ\u201d fue r\u00e1pidamente enajenado como s\u00edmbolo del declive moral de EEUU. \u00c9ste es, desde luego, un ejemplo extremo, pero el \u2018live art\u2019 requiere marcos m\u00e1s rigurosos y sustanciales que veladas alternativas aisladas o pol\u00edticas de programaci\u00f3n espor\u00e1dica.<\/p>\n\n\n\n Para ser plenamente entendido y apreciado el \u2018live art\u2019 necesita, probablemente m\u00e1s que cualquier otra actividad art\u00edstica, medidas de contextualizaci\u00f3n cuidadosas y estrat\u00e9gicas. La contextualizaci\u00f3n a su vez contribuye al aumento de su conocimiento popular y cr\u00edtico. Todo lo que el \u2018live art\u2019 precisa de su p\u00fablico y de su sost\u00e9n cr\u00edtico es que se acerquen a \u00e9l con la mente abierta, un esp\u00edritu de aventura y la voluntad de ser provocados y retados. Pero los cr\u00edticos y los p\u00fablicos acostumbrados a fronteras m\u00e1s r\u00edgidas entre las artes se resisten a menudo a comprender esto que no encaja lo suficiente en lo que se entiende como Teatro, Arte o Danza. En Gran Breta\u00f1a, al margen de publicaciones especializadas y ocasionales apariciones en la prensa amarilla, la presencia del \u2018live art\u2019 en los medios es tan inusual y extra\u00f1a que produce sorpresa. Mi experiencia me dice que los media y los p\u00fablicos deben ser estimulados por medios de marcos de programaci\u00f3n y nuevas estrategias representacionales de modo que aprecien, y no rechacen, los procesos h\u00edbridos y pr\u00e1cticas cambiantes del \u2018live art\u2019 y se sientan implicados en por los problemas, ideas y nuevas experiencias que representa. Lo que cabe esperar de los cr\u00edticos, si es que aspiran a comprender y apreciar la actualidad cultural y el impulso contempor\u00e1neo del trabajo, es que consideren seriamente el \u2018live art\u2019 y que ofrezcan opiniones bien informadas. S\u00f3lo cabe esperar que se pueda construir un p\u00fablico para el \u2018live art\u2019 si las bases son firmes. Y a\u00fan m\u00e1s importante, s\u00f3lo podemos esperar que los artistas se desarrollen art\u00edstica y profesionalmente si sus pr\u00e1cticas cuentan con apoyo y recursos efectivos. Cuando, por ejemplo, puse en marcha el programa de Live Arts en el ICA (que era uno de los cinco departamentos de programaci\u00f3n en uno de los centros l\u00edderes en Europa para el desarrollo de nuevos artistas y nuevas ideas) presentamos un programa en base a ideas y contextos y que aspiraba, en un clima cultural cambiante, a conseguir un equilibrio entre el ejercicio de una funci\u00f3n proactiva y una funci\u00f3n reactiva. Por medio de nuestra pol\u00edtica de encargos, programas de talleres de artistas asociados, plataformas de suscripci\u00f3n abierta y las veladas mensuales \u2018Ripple Effect\u2019 de nuevas obras cultivamos y apoyamos el desarrollo de nuevos artistas y de su obra. Paralelamente estimulamos a los espectadores, patrocinadores, acad\u00e9micos y cr\u00edticos a explorar, debatir e implicarse con el \u2018live art\u2019, todo ello en base a una programaci\u00f3n estructurada claramente en ciclos y l\u00edneas que trataban de trazar v\u00edas para la ubicaci\u00f3n de nuevas pr\u00e1cticas innovativas y radicales y a una profunda mirada sobre algunas de las cuestiones m\u00e1s urgentes y excitantes planteadas por los artistas en los noventa. En el ICA entre 1992 y 1997 presentamos ciclos que abarcaban en su contenido desde el examen de los extremos de la nueva pr\u00e1ctica teatral (Acts of Fait 1, 11 and 111), la exploraci\u00f3n en la identidad sexual y cultural (I\u2019ts Not Unusual, Respect and More Respect) a la relaci\u00f3n entre la acci\u00f3n en directo y la imagen digital (Shot in the Dark, Fast Forward, Pluggend and Digital Slam), a estrategias de supervivencia en el ambiente urbano (Ask the Angels) a c\u00f3mo hab\u00e9rselas con la muerte en nuestros d\u00edas (Way to Go) a la relaci\u00f3n entre biograf\u00eda y autobiograf\u00eda (If I were you), a cuestionamientos sobre la herencia de Frantz Fanon (Mirage) a la obra de mujeres iconoclastas y subversivas (Jesebel) a exploraciones en las ideas contempor\u00e1neas del cuerpo, del ritual y de la pr\u00e1ctica sagrada (Rapture), a la interacci\u00f3n entre cuerpo, nuevas tecnolog\u00edcas y medicina (Total Wired), a la relaci\u00f3n entre \u2018el texto\u2019 y los nuevos lenguajes del performance (Textuality), a las fuerzas que configuran las sensibilidades del trabajo contempor\u00e1neo en Am\u00e9rica Latina (Corpus Delecti), a las nuevas obras procedentes de la di\u00e1spora china (Fortune Cookies). Cada temporada permit\u00eda contextualizar un amplio espectro de performances y obras de actualidad y, previsiblemente, estimulaban a p\u00fablico y artistas a considerar nuevos modos de abordar la experiencia del arte contempor\u00e1neo. A partir de mi experiencia en performance a lo largo de la \u00faltima d\u00e9cada y particularmente a partir de mi experiencia en el ICA, creo, sin ninguna duda, que el \u2018live art\u2019 ofrece a los artistas y al p\u00fablico la herramienta m\u00e1s flexible y eficaz que existe para buscar nuevos modos de representaci\u00f3n y respuesta a la volubilidad e incertidumbre de nuestra \u00e9poca. La explosi\u00f3n de ideas y actividades en las pr\u00e1cticas art\u00edsticas contempor\u00e1neas han contribuido indudablemente la actual urgencia e impulso en la cultura brit\u00e1nica y a la definici\u00f3n de debates cr\u00edticos, infraestructuras culturales, as\u00ed como a la pol\u00edtica de producci\u00f3n y consumo art\u00edsticos. Por supuesto, tales desarrollos y experimentos con las formas del performance no son exclusivos de Gran Breta\u00f1a: todo el continente europeo cuenta con una historia extraordinaria y sucesivas generaciones de artistas que quiebran los l\u00edmites entre las formas art\u00edsticas y exploran bajo la superficie del arte, la vida y la cultura tal como las conocemos. Albert Vidal, La Fura dels Baus, Rosa S\u00e1nchez y La Ribot son algunos de los artistas que me han influenciado personalmente y a la cultura brit\u00e1nica en general. Y en su estela encontramos una nueva generaci\u00f3n de j\u00f3venes artistas espa\u00f1oles que est\u00e1n explorando los m\u00e1rgenes y los l\u00edmites de su pr\u00e1ctica y tanteando nuevas aproximaciones a las ideas de p\u00fablico, contexto y lugar. El programa de Desviaciones es una magn\u00edfica ilustraci\u00f3n de eto, aunque tambi\u00e9n he tenido noticia del debate sobre c\u00f3mo se reconoce, comprende y apoya el trabajo dentro de las infraestructuras de la cultura espa\u00f1ola.<\/p>\n\n\n\n Hasta donde yo s\u00e9, Gran Breta\u00f1a es el \u00fanico pa\u00eds que ha reconocido y respondido a las tendencias de performance emergentes de las que estamos hablando con nuevas terminolog\u00edas y nuevas infraestructuras culturales. Puede que patrocinadores, cr\u00edticos y curadores, con sus r\u00edgidas fronteras entre las formas art\u00edsticas y sus maneras fijas de hacer las cosas, hayan luchado contra la ubicaci\u00f3n y la comprensi\u00f3n de este extra\u00f1o negocio llamado \u2018live art\u2019 -que no es exactamente teatro, arte, cine, danza o m\u00fasica tal como ellos lo entiende-, pero saben que por lo menos tienen que reconocer su presencia y su influencia en la confusi\u00f3n. En los noventa se dispararon por todas partes nuevos fondos y nuevos marcos de trabajo para apoyar y evaluar performances interdisciplinares, nuevas colaboraciones art\u00edsticas y las pr\u00e1cticas de \u2018live art\u2019. La Ribot, por ejemplo, ha elegido vivir en Londres desde principios de 1997 precisamente por estas razones. Su trabajo tiene tal demanda en Europa que podr\u00eda haberse instalado en cualquier sitio, pero se sinti\u00f3 atra\u00edda hacia Londres por la energ\u00eda y el impulso del nuevo panorama esc\u00e9nico de all\u00ed y porque vio que una ciudad que reconoce y apoya la pr\u00e1ctica radical interdisciplinar (y que incluso tiene un nombre para ella) ofrec\u00eda un clima perfecto en el que ubicar su trabajo. La suya es una propuesta que se gu\u00eda m\u00e1s por ideas que por disciplinas y que explora las relaciones y tensiones entre danza, arte de performance y arte visual; es imposible definir a La Ribot simplemente como una core\u00f3grafa o artista de danza y el espacio del \u2018live art\u2019 en Gran Breta\u00f1a es capaz de acogerla. Indudablemente, la batalla no est\u00e1 ganada y las reglas de juego cambian d\u00eda a d\u00eda. Es cierto que algunos de los peri\u00f3dicos nacionales de mayor tirada incluyen cr\u00edticas y previos de acontecimientos de \u2018live art\u2019 bien informados. Pero otros contin\u00faan usando el t\u00e9rmino \u2018arte de performance\u2019 como un eufemismo para una \u2018chorrada autoindulgente\u2019 y la revista de ocio l\u00edder de Londres, Time Out, a\u00fan manifiesta poca comprensi\u00f3n hacia lo que es \u2018live art\u2019 y como cubrirlo: es esc\u00e9nico, \u00a1por tanto es teatro!; \u00bfsin palabras?, \u00a1debe ser mimo! Pero a\u00fan peores son los cambios que se avecinan en el sistema de subvenciones brit\u00e1nico, cortes\u00eda del nuevo laborismo. Antes habl\u00e9 con orgullo de las nuevas estructuras y marcos de trabajo que se hab\u00edan establecido para responder a las cambiantes tendencias esc\u00e9nicas. En los noventa la pol\u00edtica de subvenciones desarrollada por el National Arts Council y algunos Regional Arts Board (LAB) respondi\u00f3 activamente a las complejas y diversas necesidades profesiones y art\u00edsticas de los artistas implicados en el \u2018live art\u2019; hab\u00eda \/ hay subvenciones para colaboraciones interdisciplinares, subvenciones para proyectos y programaciones de \u2018live art\u2019, becas de investigaci\u00f3n para desarrollar ideas, becas para iniciativas editoriales en torno al \u2018live art\u2019, becas para emprender investigaciones y talleres internacionales, subvenciones para desarrollar nuevos p\u00fablicos y nuevas presentaciones. Gran parte de esto estaba basado en departamentos de artes combinadas (aunque en algunos LAB, del \u2018live art\u2019 se ocupan los departamentos de teatro o artes visuales). Pero en la reestructuraci\u00f3n propuesta del Arts Council, \u00bfcu\u00e1l es el departamento que se piensa suprimir? El departamento de Artes Combinadas. Los argumentos que hemos estado utilizando durante a\u00f1os, que han sido escuchados y atendidos, los argumentos que han dado lugar a un extraordinario corpus de evidente calidad art\u00edstica y capacidad para entusiasmar al p\u00fablico son ahora despreciados en favor de recortes y eficiencia: \u00a1mierda! Lo ir\u00f3nico es que todas estas iniciativas para apoyar a los nuevos artistas y las nuevas pr\u00e1cticas ocurrieron con los Tories y su desmantelamiento est\u00e1 siendo asumido por aquellos que todos imagin\u00e1bamos como nuestros salvadores pol\u00edticos y sociales, el nuevo Laborismo. \u00bfAcaso no comprenden que tienen que invertir en ideas y tener fe en la experimentaci\u00f3n art\u00edstica si nuestra cultura ha de seguir saludable, activa y mantener su relevancia? Y hay otro factor ir\u00f3nico en el hecho de que el Nuevo Laborismo salt\u00f3 sobre el fen\u00f3meno de la fr\u00eda Britannia para demostrar que eran j\u00f3venes, modernos a la \u00faltima hasta donde lo permite la decencia (durante su primer mes en Downing Street se organizaron fiestas para YBAs, dise\u00f1adores de moda y estrellas del pop). Est\u00e1n usando el arte radical contempor\u00e1neo para construir su propia imagen pero se resisten a aceptar la continuidad de los procesos de investigaci\u00f3n, desarrollo e inversi\u00f3n que son necesarios para mantenerlo y fortalecerlo. En este contexto existe el peligro de que la vanguardia haya sido secuestrada por el Nuevo Laborismo y las bases de poder en contra de sus propios programas.<\/p>\n\n\n\n La pol\u00edtica de gestos de la era del \u2018spin doctor\u2019 se manifiesta tambi\u00e9n en una cultura de gestos -la hero\u00edna de Trainspotting est\u00e1 bien porque ha sido aseptizada mediante el celuloide, un icono pop y una banda sonora refrescante, pero los experimentos de Ron Athey sobre el poder de la aguja son aparentemente el trabajo de un demonio y un insulto a los contribuyentes. Las crudas y brutales im\u00e1genes de carne y muerte de Damien Hirst son la obra de un genio, \u00a1pero la obra de Franko B. con su propia sangre es una perversi\u00f3n! La cultura de gestos se vio reflejada maravillosamente en la incapacidad de la Royal Academy of Art para hacer frente a algunos de los trabajos m\u00e1s extremos y controvertidos presentados en su sensacionalista exposici\u00f3n de YBAs. La Royal Academy sab\u00eda que ten\u00eda que conseguir asumir este trabajo (el renacimiento del arte brit\u00e1nico), pero simplemente no sab\u00eda como abordar gran parte de lo que el mismo representaba: inc\u00f3modas ideas sobre la muerte, abusos de menores, pol\u00edtica de minor\u00edas y sexualidad de g\u00e9nero. Estas y otras apropiaciones amenazan con aseptizar y neutralizar los poderes perturbadores de las artes. Probablemente s\u00f3lo desde los m\u00e1rgenes puede el arte cuestionar y perturbar, y nunca los m\u00e1rgenes han sido un espacio tan productivo como en este. El quid de la cuesti\u00f3n para todos nosotros consiste en buscar un equilibrio entre estos dos extremos: como acomodar las necesidades art\u00edsticas y profesionales de los nuevos artistas, las nuevas pr\u00e1cticas y los nuevos programas a los niveles m\u00e1s altos y c\u00f3mo reconocer y respetar la funci\u00f3n necesariamente opositora y perturbadora del arte radical.<\/p>\n\n\n\n