Muestra de materiales
Estamos convencidos de que la práctica artística es en sí misma investigación y de que el arte es pensamiento. Esta muestra es otro marco para pensar sobre los problemas planteados en los foros: proyecciones de vídeo, presentaciones de proyectos, exposiciones, acciones, intervenciones, documentación de procesos y de eventos. Estarán disponibles durante los cuatro días del encuentro y presentes en los debates.
FACULTAD DE BELLAS ARTES
Dirección: Edificio Antonio Saura. Camino del Pozuelo, s/n
Horario: 9:00 – 20:00 horas
SALA ESCALERA
Documentos de La Situación (1993) y Situaciones (1999-2002)
José Antonio Sarmiento: Cómo explicar el dadaísmo a una liebre muerta…
Alejandro Simón: Universitario
José Aja y Néstor Del Barrio: Ejercicios de puntería
Acoustic Mirror: Listening Station (Ecos)
G.E.D: Ni arte ni educación
Jordi Ferreiro: Lo que no se percibe a la luz
Anna Katarina Martín: Cobertizo un lugar de paréntesis
Andrés Senra: Do it ourselves
Rubén Marín:Orriols Convive
Juan Sánchez: Las auténticas protagonistas son las gallinas
Daniela Ortiz: Condecoración
SALA PEQUEÑA
Simeón Sáiz Ruiz: Agosto-Septiembre 2016
Monika Anselment: “Wir lieben das Leben, wo wir nur können …” [Nosotros amamos la vida, cuando hallamos un camino hacia ella …]
SALA LARGA
De lo que no se puede hablar hay que hablar // Curaduría por Leyla Dunia
Ángela Bonadies: Estructuras de Excepción
Suwon Lee: El Muerto No Tiene Dolientes y Oasis
Juan José Olavarría y Ángela Bonadies: La Torre de David
Teresa Mulet: Cada-ver-es-Cada-vez-más
Yucef Merhi: Discursos (Chávez)
Marco Montiel-Soto: Reconversión
Erika Ordosgoitti: Me abro la cabeza
Deborah Castillo: Slapping Power
Sabrina Montiel-Soto: Prototipos Didácticos #4
Armando Ruiz: No Matarás
VESTÍBULO
Laura Torrado: The birth
Laura Torrado: Revolution: work in progress
Mariano Orte: Lo público sin espacio será clandestino
Nicolás Paris:Estudio para material pedagógico
Javier Casado: Sucedió en otro lugar y aquí resuena
Aïda Gómez: HO:LA; YouUniever too old to play with leaves; Reality; The truth is hidden; Mind the gap
Colectivo Out-Ziders: (Identidad) Obra #2
Terrorismo de Autor: Los artistas todo a 1 Euro
Miguel Ángel Rego Robles: Cinetract #1. From Oikos to Thanatos
Revista Mi.MO: Presentación de Mi.MO 2010-2015
Maite Aldaz: Fuera de Marco
Miguel Ángel Fernández: No tan lejos no tan cerca
BIBLIOTECA DEL CAMPUS
Dirección: Avd. de los Alfares, 42
Horario: 9:00 – 21:00 horas
Nicolás Paris: Estudio para material pedagógico
Raúl Hidalgo: Campos de atracción
SALA ACUA
Dirección: Calle Colmillo, s/n
Horario: 16:30 – 19:30 horas
Antonio Jurado: ¿En las puertas de Europa?
Mauricio Florentino: Reciclador sonoro
Esther Aguilar: Cartografiar viajes para la poética
Yerreyese (Yris Blasco): Casas veladas
Colectivo Lamosa: Proyectos y publicaciones Lamosa
Marino Herreros: Frontera
David Ortiz Juan: Los hechos son hechos
Mamen López: Sin pecado concebida
UIMP – UNIVERSIDAD INTERNACIONAL MENÉNDEZ PELAYO
Dirección: Calle Palafox, 1
Horario: 9:00 – 21:00 horas
María Cerdá: Ayer jugamos al teléfono descompuesto
UNED – UNIVERSIDAD DE EDUCACIÓN A DISTANCIA
Dirección: Calle Colón, 6
Horario: 9:00 – 14:00 / 17:30 – 21:30 horas
SomosNosotros: Nada que ganar, nada que perder
MUSEO DE LAS CIENCIAS
Dirección: Plaza la Merced, 1
Horario: 10:00 – 14:00 / 16:00 – 19:00 horas
José Jurado: La Cooperativa
IGLESIA DE SAN MIGUEL
Dirección: Bajada San Miguel, s/n
Horario: 10:00 – 14:00 horas
Dionisio Cañas: El Gran Poema de Nadie
CASA DE LA DEMANDADERA
Dirección: Ronda Julián Romero, 14
Horario: 10:00 – 14:00 horas
Glenda León:Inversión
Mar Guerrero: Desde un indicio hasta el instante antes de su derribo
Lujo y pobreza // Curaduría por Antonio Corrales
MUSA TATTOO
Dirección: Plaza la Constitución, 4 (Carretería)
Horario: 10:00 – 14:00 / 17:00 – 20:00 horas
Andrés Senra:Do it ourselves
EL ALMUDÍ
Dirección: Calle Pósito, 2
Horario: 16:00 – 20:00 horas
Roberto de la Torre: A CIELO ABIERTO – búsqueda, muerte, y resurrección
Acoustic Mirror
Listening Station (Ecos), 2016
Audio, documentos y mapa.
Esther Aguilar
Cartografiar viajes para la poética. 2010-2016. Técnica Mixta
A la manera de los pasajes de Walter Benjamin o el Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, se despliegan un conjunto de fragmentos que se interrelacionan con la memoria, para construir insospechadas relaciones poéticas y vivencias personales. A partir del fragmento se construye un cuerpo de trabajo esencialmente vinculado con el viaje, la cartografía y la frontera. La frontera entre unos y otros, pero también entre el interior y el exterior de la propia existencia y su correspondencia con el mundo. El dibujo aparece como instrumento expresivo y herramienta a través de la cual relacionarse con la naturaleza e intentar comprenderla, estructurándose como línea transversal que atraviesa la obra en un esfuerzo por encontrar lo íntimo en el objeto.
Esther Aguilar Sánchez (Jaén, 1986), licenciada en Bellas Artes por la UCLM, Cuenca; actualmente dedicada a la investigación en prácticas artísticas y visuales. Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas entre las que se encuentran “D-i-á-o-l-o-g-o-s Cruzados” en La Fundación Antonio Pérez (Cuenca, 2016) y “Extendido, Primer Festival de Arte Emergente Ciudad de Cuenca” (Cuenca, 2012). Fue merecedora del accésit en el XXVIII Certamen Fernándo Zóbel con la obra “El Lecho” (Cuenca, 2016). Ha trabajado como editora audiovisual y asesora artística en Patos Calvos Creaciones Escénicas (2010-2015), donde ha participando, entre otras producciones, en la edición de “La quietud es una manera más de moverse”, pieza corta de vídeo danza seleccionada para: “65 Festival Internacional de Cortometrajes de Montecatini” (Montecatini, Italia. 2014), “lla Muestra del Día d’Asturies del Festival Internacional de Cine de Xixón” (Gijón, 2014) y “IX Festival de videodanza DV Danza” (La Habana, Cuba. 2014).
José Aja
Ejercicios de puntería, 2006-2016
Dibujos sobre papel
El ejercicio sistemático de dibujar las imágenes de la prensa diaria durante años, apuntando con el ojo y ejecutando con la mano, me hizo caer en la cuenta que el acto mismo de dibujar asumía las ejecuciones que los contenidos de esas imágenes nos traían cada día. Ejercicios que, en su momento, titulé de “puntería”, al caer en mis manos una fotografía de Vladimir Putin, con pistola en mano, en una galería de tiro de la policía de Moscú.
Maite Aldaz
Fuera de Marco. Blog en línea
Mi trabajo artístico se vehicula actualmente a través de Fuera de marco, una propuesta transversal –teórico-estética y didáctico-crítica– articulada sobre la crítica institucional y la crítica de la representación. Hablar en términos del fuera de campo de una imagen supone atender a aquello que excede su encuadre y, por tanto, no aparece representado en la misma. Cuando tenemos en cuenta el fuera de campo, entendemos que la imagen muestra solo una parte del conjunto, aquella a la que se ha decidido dar visibilidad. La crítica de la representación se plantea que a través de las imágenes es posible articular y difundir determinadas maneras de entender el mundo. Las imágenes construyen mirada, nos interpelan y contribuyen a producir nuestros deseos. No son, por tanto, formulaciones espontáneas, inocentes o “verdaderas”, ni ventanas abiertas al mundo que lo mostrarían en su naturalidad. Las imágenes son relaciones y prácticas que dejan siempre “fuera de campo” aquello que perturba su sentido, abriendo así un vacío que debe ser suturado míticamente. Fuera de marco tiene en cuenta el fuera de “campo” de las representaciones visuales y lo lleva al terreno de la institución del arte. Esto es, atiende a los modos de producción, difusión y recepción del arte, a lo que se entiende hoy en día por “arte” o al estatus del campo y a sus agentes –público, artistas, comisarios, directores de museos, productores culturales, etc–. Enfocar los “marcos” de la institución arte implica considerar las convenciones expositivas, la orientación que toman los museos, la composición de sus patronatos, los modos de gestión, el tipo de capital que está en juego o las prácticas en las que se produce y reproduce.
Monika Anselment
“Wir lieben das Leben, wo wir nur können …” [Nosotros amamos la vida, cuando hallamos un camino hacia ella …], 2011-2016
Instalación multimedia
KERAME [Dignidad], acrílico sobre sábana, 66 x 172 cm
DEMOCRACIA REAL YA, acrilico sobre sábana, 72 x 275 cm
Fotografias tomadas delante del televisor
Vista de instalación
Dionisio Cañas
Dionisio Cañas
El Gran Poema de Nadie, 2002-2016. Documental, 27′ 00”
Collage sobre cartón flexible, 120 x 400 cm.
“Con la basura de todos haremos El Gran Poema de Nadie”, así se inicia la presentación del taller de poesía participativa de Dionisio Cañas en el que se basa el documental (montado por Clara López). El poeta ha venido realizando este taller durante los últimos catorce años en varias ciudades españolas, como Cuenca, Madrid, Barcelona y Salamanca, y extranjeras como Nueva York, El Cairo, Rabat, Toulouse y más recientemente en los campos de refugiados de la isla de Lesbos, Grecia.
Este documental recorre todo el proceso de cómo se hace dicho taller, a través de imágenes de su realización en algunos lugares del mundo y en España, en diferentes épocas. Por otro lado, por medio de múltiples entrevistas, el poeta no sólo explica cuáles son los diferentes pasos que hay que seguir para que cualquier persona o institución pueda realizar el taller por cuenta propia, sino que también informa sobre la historia y tradición de la poesía colectiva, participativa, hecha por varias personas en colaboración.
El taller El Gran Poema de Nadie consiste en que un grupo de personas recoge de la basura las palabras que hay impresas en periódicos, envases, cajas o cualquier otro soporte como los carteles que se encuentran pegados en las paredes de las calles. Posteriormente, siempre en grupo, se seleccionan y ordenan las palabras y se van creando versos entre todos. Luego se montan estos versos sacados de la basura en una banderola que es expuesta para que cualquier persona pueda leer el poema colectivo ya terminado.
Javier Casado
Sucedió en otro lugar y aquí resuena, 2016. Pieza oral
María Cerdá Acebrón
Ayer jugamos al teléfono descompuesto, 2014
Instalación audiovisual
Cámara: Rafael Ortega. Sonido: Yuri Laguna. Participantes: Beatriz Marcos, Jota Izquierdo, Cristobal Gracia, Ana Mallo, Laura Gonzalez de Artaza, Emilio Allier, José Antonio Elguezabal.
En una necesidad por repensar nuestros pasados recientes y su resignidicación en el presente, comencé a trabajar con la memoria del exilio republicano español en México focalizada en la tercera generación.
El propósito de Recuerdos del futuro es reflexionar, a partir de la producción visual, acerca de las posibilidades del recuerdo por medio de acciones que activan la performatividad de la memoria. Estas memorias se movilizan a través de dispositivos que cobran cuerpo en acciones-performance colectivas. De este modo, el trabajo que estoy desarrollando ha tomado forma en distintos dispositivos como un ensayo visual, una coreografia desarrollada a partir de entrevistas o un coro. Sin embargo, ha sido con mis ultimas obras, una playlist elaborada colectivamente y un taller, las que han servido para reubicar mi práctica artística desde nuevos formatos que entienden como indispensable la discusión colectiva, el trabajo colaborativo y compartir las experiencias que generar una memoria común y un entendido por venir.
Antonio Corrales
Lujo y pobreza. Curaduría por Antonio Corrales
Fascinados por el lujo, las personas con pocos recursos, quieren, en la medida de sus posibilidades, o a veces “por encima de ellas”, hacer cosas extraordinarias, darse regalos, disfrutar de lujos o lujitos ocasionales, vivir momentos especiales, crear sensaciones nuevas en sus vidas, salir de la miserable rutina en que viven, aunque sea por un rato, y nos cueste un tiempo pagarlo…
Se piensa que imitando a los “ricos” o a los famosos, se conseguirá el placer y en última instancia, la proverbial felicidad, ¿pero de verdad te gusta el caviar?
Queremos poseer objetos (más o menos exclusivos). Influidos por modas o reclamos comerciales perseguimos deseos ajenos a nosotros, fuera de nuestro ámbito. Compramos cosas que no estamos seguros de saber usar, y menos de poder disfrutar, engañados por el sistema consumista, nos hipotecamos, entramos en la oscura cueva de los deseos, de la que difícilmente se sale.
Para los ricos el lujo es algo habitual y cotidiano, aunque el verdadero lujo para un rico, cuando de verdad disfruta, es tener sin pagar, creo que eso les encanta, de ahí el dicho: “el que tiene es porque no gasta”. Sin embargo, los poco pudientes gozan de gastar su poco dinero, de invitar a los amigos (y a los rivales), el orgullo de pagar por lo que adquieren.
Mi propuesta es hacer una reflexión (fotográfica) acerca de este tema dándole la visión que cada cual crea conveniente:
El lujo de los pobres. El lujo y el engaño, lujo-ficción, lujo y mentira. Lujuria. Lo extraordinario, lo que no es de tu nivel, lo inhabitual por lo alto… Significados de El Lujo. Incluso Lujo y humildad (hay un hotel de chabolas en Sudáfrica, para ricos). Lujo compartido o regalado, no egoísta. El lujo de no usar, poseer algo que no sirve para nada, inútil, “de lujo”. Lujitos (caprichos) y lujazos (por una vez…). Hacer lo que no hacen los de tu clase, salirse, distinguirse, exhibirse codeándose con otros “superiores”. Excentricidades… Lujo y economía. Lujo sin dinero. ¿Sólo el dinero proporciona lujo? Lujo como desprecio, deshacerse de cosas buenas, ir sobrado, rechazar lo que para otros sería una necesidad (o un lujo). Lujo revertido, echar de menos lo cotidiano: “Mi casaaa…” harto de hoteles de lujo, no sé si le pasará a alguien.
Roberto de la Torre
A cielo abierto: búsqueda, muerte y resurrección.
Video, edición 2016, 12´ 55”
El tema de la obra propuesta está vinculado a los acontecimientos que la sociedad mexicana vivió a raíz de la desaparición forzada de los 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa “Raúl Isidro Burgos”, acontecido el 26 de septiembre del 2014, en Iguala, Guerrero. Algunas investigaciones recientes apuntan que estos hechos pudieran haber estado relacionados con las compañías mineras transnacionales de origen canadiense que operan en dicha zona y practican la minería a cielo abierto para extraer principalmente oro. Por último, este video también señala las numerosas fosas clandestinas que se han ido encontrando hasta la actualidad en el territorio mexicano con centenares de cuerpos que se han ido sumando de personas que han sido desaparecidas y asesinadas.
La acción se llevó a cabo en el edificio ArtScape YoungPlace, que anteriormente fue una escuela pública, ubicada en la ciudad de Toronto, Canadá, en el contexto de 7ª-11d International Festival of Performance*, FADO Performance Art Centre. La obra en video terminó de editarse en el 2016, y en esta ocasión será estrenada por primera vez al público.
Miguel Ángel Fernández
No tan lejos no tan cerca, 2013
Televisor, proyector, reproductor dvd y video dvd 2’ 30’’
Instalación audiovisual en la que un proyector proyecta la imagen directamente sobre la superficie de la pantalla apagada de un viejo televisor a través del cual se escucha el sonido. Se pueden ver dos secuencias de fotogramas que se han estabilizado manualmente; en la primera alguien cruza un puente en ruinas, en la segunda bota una bola de pin pon.
Jordi Ferreiro
Lo que no se percibe a la luz, 2015
Cartela y tinta fluorescente
“Lo que no se percibe a la luz” es una obra que se activa en el momento en que la exposición se desactiva.
Impreso en tinta fluorescente, el texto de esta cartela se mantiene ilegible hasta que las luces de la exposición se apagan y el público desaloja el espacio expositivo. De esta manera, esta obra se plantea como una paradoja en sí misma, ya que sin la mirada y el diálogo del espectador, la obra queda incompleta.
Mauricio Florentino
Reciclador Sonoro. 2016. Materiales variables
La obra se nutre del discurso político capitalista y neo-liberal reciclando el audio y convirtiéndolo en notas musicales. El dispositivo a través de un micrófono analiza los niveles de voz, los clasifica y activa los servos que tocan las notas correspondientes. Al transcurrir el discurso la obra genera diferentes sonidos que por momentos se cohesionan y forman diferentes melodías. Creando un paisaje sonoro donde se contrasta la basura a reciclar y el producto reciclado. Estos discursos llenos de palabras hostiles que lastiman la sensibilidad de muchas personas son transformados para crear un clima agradable y tranquilo. La obra intenta rescatar algo positivo de palabras obstinadas y engañosas que indignan a quienes piensan la democracia de forma diferente. Donde el estado garantiza igualdad de oportunidades y derechos para todos dentro un ámbito político, económico y social solidario.
G.E.D.
Ni arte ni educación, 2015-2016
Documentación
“Ni arte ni educación” es una exposición y programa de actividades que tuvo lugar entre el 30 de octubre de 2015 y el 10 de enero de 2016 en la Nave 16 de Matadero Madrid. Se pretendía explorar las zonas de contacto de dos campos discursivos, el arte y la educación, y la articulación de ambos en la sociedad contemporánea. Este proyecto surgió como presentación pública del trabajo desarrollado por el Grupo de pensamiento de Educación Disruptiva de Matadero Madrid (GED) desde el inicio de su andadura a principios de 2013. En ese tiempo, el grupo había consolidado tres líneas de trabajo: “Activismo y Pedagogía”, “Diversidad: intersecciones de la otredad” y “Ciudadanía crítica”. Igualmente, se había llegado a un territorio nuevo, el del arte+educación, desde el que crear experiencias distintas que se centrasen principalmente en el arte como vehículo de aprendizaje y la educación como proceso de investigación. Pero por encima de todo, Ni arte ni educación fue una experiencia procesual y participativa que, desde lo pedagógico, pretendía dar vida al espacio expositivo haciendo que este se fuera transformando durante las diez semanas de apertura pública del proyecto.
Aïda Gómez
HO:LA, You are never too old to play with leaves, Reality, The truth is hidden y Mind the gap.
Material documental y fotográfico.
Instalación en el espacio público.
Berlin, 2013-2016
A Very Merry Unbirthday to You!
“Imagine, just one Birthday every year
Ah, but there are three hundred and sixty four Unbirthdays!
Precisely why we’re gathered here to cheer”
From “Alice in Wonderland” by Lewis Carroll
Instalación en el espacio público.
Berlin, 2016
Reality. Pegatina para espejos y cristales. De esta manera puedes ver a través de ella y crear posts reales. Berlin, 2016
You are never too old to play with leaves. Instalación en el espacio público.
Berlin 2016
HO:LA. Instalación en los relojes fuera de servicio. Cuenca, 2013
Mind the gap. Instalación en el andén de metro. Berlin, 2015
Thinking posters. He colocado estas sopas de letras entre posters que te sugieren la manera en la que gastar tu dinero y tu tiempo. Son como un oasis para jugar mientras meditas sobre conceptos como el amor, la verdad, encontrarse a sí mismo o encontrar un camino propio. La mayor parte del tiempo, estas cosas están ante nosotros, pero no tomamos el tiempo necesario para buscarlas.
Berlin, 2015
Mar Guerrero
Desde un indicio hasta el instante antes de su derribo no. 1, 2016
Impresión digital
Desde un indicio hasta el instante antes de su derribo no. 3, 2016
Vídeo, 12′ 08”
Intérprete: Elena Lalucat
El objetivo principal es establecer vinculaciones entre dibujo, sonido y movimiento a partir de la documentación fotográfica de una acción hallada en el espacio cotidiano, para reflexionar acerca del tiempo, poniendo en tensión conceptos como los de dispersión y velocidad con los de duración y experiencia temporal, cuestionando el uso de los espacios y los objetos, enlazando ideas sobre renovación y desecho con las de reactivación y resignificación, trabajando a partir de elementos y acontecimientos aparentemente insignificantes, utilizando el rastro, las huellas de una sociedad en continuo cambio hacia lo nuevo, para llevar a cabo una arqueología del tiempo que investiga a partir de la memoria de los espacios. Desde un indicio hasta el instante antes de su derribo, narra el proceso de desarrollo de una idea hasta su posible desmantelamiento, haciendo hincapié en las circunstancias y acontecimientos que lo vehiculan. Durante el proceso de trabajo se da rienda suelta a que las situaciones sucedan, seleccionando los instantes que dan cuenta de este procedimiento de adaptabilidad al contexto cotidiano. El instante antes del derribo está protagonizado por una persona que va a estar influida por una sucesión de indicios, relaciones de sentido, su bagaje personal y el espacio físico donde está situada, el cual van a derribar inminentemente. Al final del proceso encontramos un escenario invadido por escombros e incertidumbres todavía insalvables.
Marino Herreros
Fronteras. Fotografía digital.
No existen las fronteras en la naturaleza. Aquello que comúnmente llamamos frontera es un artificio humano vinculado a la aparición de los estados modernos, una de las muchas formas en las que se sustancia el poder (emana de él y a él sirve). La frontera tiene también mucho que ver con el egoísmo, con el miedo a lo diferente o a perder lo que consideramos como nuestro. A menudo olvidamos que, a escasos kilómetros de nosotros, existen vallas, verjas y alambradas, fronteras de desesperanza y de dolor que separan el bienestar, de la miseria. El desarrollo de este proyecto pretendería finalmente hacer visibles esas fronteras, traerlas a nuestras ciudades, a nuestros parques, a nuestros espacios de confort, para hacernos reflexionar e involucrarnos con el sufrimiento ajeno.
Raúl Hidalgo
Campos de atracción
En uno de los anaqueles de la biblioteca podemos encontrar una sección amatoria, libros que recogen en su cuerpo las huellas de las pasiones, de los lugares que habitaron y de las miradas que los recorrieron. De ellos emana una exhalación de gran intensidad producida por el encuentro de fuerzas vivas que se apresuran a identificar la energía que la produce y la dirección en que se propaga. Sumergiéndonos en sus páginas se manifiestan los colores y brotan los signos físicos que, en el transcurso de los acontecimientos, van marcando los ritmos de la lectura. Muchas de estas historias han sido presas, otras celadas y otras ya acaecen irremediablemente anacrónicas; pero lo que parece cierto, es que en todas aún reside la atracción a lo desconocido y el potencial transformador. Sin otro ánimo, se proporciona un material con el que afanarse en la ardua tarea de abandonarse a los placeres de la metamorfosis de nuestra naturaleza híbrida.
Se busca en los límites de la literatura producida las evidencias que agitan los hábitos, las maneras de actuar y de cuestionar, para participar en la formación de una voluntad que libere el pensamiento y la experiencia.
Antonio Jurado
¿En las puertas de Europa? 2016.
Instalación con bronce y restos de objetos personales. Medidas Variables
La obra se encuentra enmarcada dentro del proyecto de investigación Work in progres… el cual pretende analizar las causas de problemáticas globales que afectan e influyen en la sociedad actual. Se centra en fenómenos migratorios y fronterizos que están teniendo lugar principalmente en Europa. La propuesta se complementa con la creación de obras en diferentes soportes, donde se pone de manifiesto un punto de vista crítico con las problemáticas tratadas.
José Jurado
La Cooperativa, 2011-13
Vídeo, 23′ 54”
La Cooperativa de Trabensol formada por vecinos de diferentes barrios madrileños es un colectivo de personas que deciden dar el primer paso en Madrid para construir un edificio con el fin de vivir una jubilación autogestionada en un espacio sostenible donde unos y otros se cuidan, conviven en comunidad y comparten espacios comunes.
La Cooperativa es un video documental que muestra el proceso de construcción física del centro social en la población de Torremocha del Jarama (Madrid), intercalando esas imágenes con entrevistas a los cooperativistas en sus casas antes de abandonarlas.
Un proyecto en vídeo de José Jurado que ha contado con el apoyo de las Ayudas a la Creación Contemporánea Matadero Madrid 2011 del Ayuntamiento de Madrid.
trabensol.org/
josejurado.com/
ruralc.com/
furallefalle.com/
Glenda León
Inversión, 2011. Vídeo, 3′ 00” loop
El gesto absurdo de inhalar dinero tiene obvias connotaciones. Puede ser una referencia a la crisis económica, y un cuestionamiento a las estructuras más antiguamente establecidas de la sociedad: mientras la mayoría de las personas trabajan por dinero, yo invierto mi tiempo y esfuerzo en destruirlo.
Colectivo Artístico Lamosa
Autoedicones y fanzines colectivos
Bigardo Fanzines, Eh!..tiquetas, Marciana, Action-artist y caja-objeto
Permanencias 2015.
La muestra está formada en tres partes, revistas ensambladas, ejemplares del Fanzine Bigardo,ambos como modelos de creación precarios, y la caja-objeto producida en las residencias artísticas internacionales Permanencias 2015 (San Antón). Las revistas han sido desarrolladas colectivamente previa ideación y temática. Los fanzines son ediciones abiertas realizadas en directo y la caja-objeto de Permanencias, contiene un resumen de los proyectos realizados por 11 artistas durante los 3 meses de duración de las residencias en el barrio de San Antón de Cuenca.
Lamosa, laboratorio modulable artístico, se define como lugar abierto a la creación, difusión, formación, producción y gestión artística, que comienza gracias a una campaña de microfinanciacion, a través de la plataforma http://www.goteo.org. Este proceso nos hizo entender la fuerza de lo colectivo y la creencia para soñar en nuevos modelos de autogestión. El objetivo principal que persigue Lamosa es acercar el hecho artístico más actual a todo la población, mediante el uso de metodologías abiertas y participativas, donde el espectador puede llegar a forma parte activa de los diferentes procesos artísticos. Nuestro campo de acción se centra en la exhibición y creación de nuevas propuestas derivadas del uso de los medios masivos, impulsando exposiciones, eventos, ferias, mercadillos, etc. permitiendo un nuevo diálogo con el mercado del arte y un mayor poder de decisión sobre nuestro futuro. Nuestra actividad con Lamosa, se sostiene con un esfuerzo económico y personal, donde la mayoría de las veces se trabaja gratis.
Mamen López
Sin Pecado Concebida. 2015. Libro de artista
Bordado punto de cruz realizados por las monjas del convento de clausura de la Inmaculada Concepción de Cuenca
Encuadernado por salvador Bernet abónala
40 x 50 cm
La antropología confirma que la poligamia es el modelo de familia más común en las parte del mundo más pobladas aunque el cristianismo nunca validó esta práctica como opción a los matrimonios entre hombres y mujeres. Otro modelo de familia, menos común, es la poliandria. Este modelo es bastante frecuente en el Tíbet donde es común el matrimonio entre una mujer y dos hombres (generalmente hermanos y/o primos). En este modelo de familia los esposos consideran legítimos a todos los hijos de la esposa y los hijos llaman a padre a los dos esposos.
En occidente, uno de los grandes logros de la institución católica ha sido la inoculación de su moralina más allá de los púlpitos de sus sedes, en la vida pública y el espíritu de sus leyes. La clasificación de las familias es un hecho que aquí arrastramos desde el nacimiento de Jesucristo hecho que consolida el modelo de familia monoparental como paradigma del pecado. El cristianismo recurre al cándido de San José como padre protector que ampara con su reconocimiento y benevolencia a estos dos individuos para no validar una situación tan provocadora como inaceptable, la autonomía de la mujer para formar una familia. La exposición SIN PECADO CONCEBIDA denuncia una situación actual germinada hace más de 2000 años. La discriminación social y administrativa de las “madres solteras” y sus bastardos.
Rubén Marín
Orriols Convive, 2016
Video-instalación
El punto de partida de Orriols Convive son imágenes del barrio de Orriols, un barrio deteriorado que ha sufrido el abandono de la administración durante demasiados años. De una secuencia compuesta por planos fijos que muestran el barrio en una noche de invierno, a otra donde aparece el descampado de la ermita (centro del barrio) completamente encharcado. A continuación se pasa a un travelling que, junto a diferentes audios de la radio, nos sumergen en la realidad del barrio e introducen el proyecto que se está llevando a cabo desde la Asociación Orriols Convive.
A partir de aquí, entrevistas a los participantes, asambleas, manifestaciones, acciones y talleres se irán sucediendo, junto a diferentes citas de distintos autores como Judith Butler, Marina Garcés, Stéphane Hessel, Santiago López Petit o Antonio Negri, que contribuirán a mostrar que la gente más pobre y más desposeída organizada tiene un enorme poder y es capaz de hacer frente a los problemas por sí misma.
La última parte del proyecto se centra en el solar de la Ermita, lugar simbólico para el barrio y muy importante para el proyecto de convivencia que se está desarrollando desde Orriols Convive y que necesita de un marco físico, un espacio urbano donde poder desarrollar esas relaciones y actividades que mejorarán la calidad social del barrio.
Anna Katarina Martín
Cobertizo un lugar de paréntesis, 2015
Impresiones, pizarra, mesa y objetos
El proyecto en cuestión parte de la fascinación por las pequeñas construcciones abandonadas en las afueras de la ciudad, o mejor dicho, en el límite de ciudad con la naturaleza. Ya casi no quedan. Una de las cosas que me atrajeron desde el principio es lo precario, lo no permanente, el “a punto de derrumbarse” y convertirse en un montón de maderos. Un espacio y una arquitectura que contradice todo lo que arquitectura y espacialidad representa: Que sea permanente y estable.
Mi.MO 2010-2015
Revista digital
Mi.Mo, es en su máxima expresión una interfaz digital, que tiene como fin común en todas sus publicaciones, que el usuario navegue cual paseante que camina por primera vez en un hábitat desconocido sobre las obras de alumnos seleccionados de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-la Mancha (UCLM).
La característica principal de sus interfaces se basa en la filosofía rizomática de Deleuze y las ensoñaciones que abarca hacen que sus recovecos sean infinitos y se autogeneren automáticamente.
Cuando releo los autores de MI.MO es como si me tomara la Magdalena de Proust, las obras toman vida, olores, momentos, sensaciones que vuelven a un primer plano y evocan un mundo más allá del espacio-tiempo que denominan ‘espacio real’ y al que quizás debiéramos acercarnos de forma más ‘implicada’ como si del orden de David Bohm se tratara.
Desde 2005, momentos complejos ponen a Mi.MO en la cuerda floja de la continuidad, de su existencia, todo parece desdibujarse. Este es un intento de recuperar lo perdido y de homenajear a aquellos que de forma voluntaria y sin ánimo de lucro quieren seguir ahí, defendiendo un proyecto que va más allá del catálogo, más allá de la docencia, más allá de la frontera del archivismo exacerbado o las exposiciones por doquier. Mi.MO quiere seguir vivo y a pesar de las dificultades, aquí sigue, intentando contrariarnos en sus navegaciones sin rumbo fijo, pero con emociones y sentimientos expresados con todos los sentidos.
Mi.Mo is in it’s fullest explanation is a digital interface that has endless connected links in all of it’s publications. As a result each time a user navigates around Mi.Mo (the interface) he or she walks for the first time in an unknown habitat of the students from Faculty of Fine Arts (University of Castilla-La Mancha, UCLM).
The principal characteristic of it’s interfaces are based on rhizomatic philosophy, you slip into reverie where your direction of thought twists and turns infinitely, in a self generating way.
When I re-read the authors of Mi.Mo it was as if I had tasted the madeleine of Proust, the works gained life, smells, created sensations that returned again to the foreground of my mind and evoked a world beyond that of time and space but which is called ‘real space’. This perhaps we must approach in a more ‘involved’ way as if it were the order of David Bohm.
Since 2005, difficult situations put the future of Mi.MO in the balance. With regards to it’s continuing existence everything seemed hazy.It is in an attempt to recupérate what was lost and to pay homage to those who volunteered and wanted to see it continue. Defending this project that doens’t just scratch the surface, it goes beyond the teaching and beyond the frontier of exacerbated archivism or exhibitions here and there. Mi.Mo wants to continue to live and apart from some difficulties, here it continues, trying to thwart us with it’s aimless navigations whilst still doing it with emotion and triggering all your senses.
http://bellasartes.uclm.es/mimo
Mariano Orte
Lo público sin espacio será clandestino, 2014
Performance, vídeo y pancarta
“Toute théorie révolutionnaire a dû inventer ses propres mots, détruire le sens dominant des autres mots et apporter de nouvelles positions dans le « monde des significations », correspondant à la nouvelle réalité en gestation, et qu’il s’agit de libérer du fatras dominant”
–
[ Every revolutionary theory has had to invent its own terms, to destroy the dominant sense of other terms and establish new meanings in the “world of meanings” corresponding to the new embryonic reality needing to be liberated from the dominant trash heap ]
Mustapha Khayati Internationale Situationniste n°10 / mars 1966
Daniela Ortiz
Condecoración, 2016
Vídeo y documentos
Las sociedades euroblancas, sus medios de comunicación y sus representantes políticos ponen el foco de atención de forma constante sobre la población migrante al momento de describir, analizar y debatir la situación de las fronteras internas y externas de la Unión Europea. La hipervisibilización de la población migrante contribuye a la invisibilización del Sistema de Control Migratorio, sus mecanismos de persecución, detención y deportación así como de las personas responsables de éste.
El proyecto Condecoración propone dar visibilidad a aquellos sujetos responsables del Sistema de Control Migratorio mediante una serie de acciones realizadas sobre sus imágenes.
Condecoración se compone de un busto atacado, que representa al director de la Agencia de Control Migratorio FRONTEX, y de las imágenes de los rostros de Ilkka Laitinen – Director Ejecutivo de FRONTEX hasta 2015, Gil Arias – primer Sub Director de FRONTEX y Berndt Körner, actual Sub Director de la Agencia.
El proyecto también incluye un poster mostrando a diversos sujetos implicados en cuatro ámbitos fundamentales del Sistema de Control Migratorio: El marco político, que incluye a representantes de la Comisión y el Consejo Europeo, así como representantes de los Estados Miembro. El económico, que incluye a miembros de diversas empresas privadas y lobbies dedicados al lucro en la industria de la seguridad mediante el control de fronteras. El persecutorio, relacionado a agencias de control tales como FRONTEX así como las policías de cada Estado Miembro. Y finalmente el de la Industria de los Derechos Humanos, que incluye a personas implicadas en agencias tales como el ACNUR , Amnistía Internacional, Cruz Roja y Cáritas quienes colaboran en legalizar y normalizar la violencia en el sistema de control migratorio mediante su participación en plataformas tales como el FRONTEX Consultative Forum; además de realizar un uso constante de la imagen de personas migrantes y refugiadas para la creación de lucro.
David Ortiz
Los hechos son hechos. Video
Un viajero presenta el paisaje como una entidad capaz de revelar los sistemas invisibles del poder y su relación con la capacidad del cuerpo humano para encarnar los recuerdos de sus antepasados. Con este punto de partida, Los hechos son hechos reflexiona sobre la relación entre la memoria y los monumentos, sus silencios e incapacidades para superar el trauma; la alienación de las grandes narrativas, y la superación de lo absurdo por medio de su aceptación. Filmado en la isla de Palma, Los hechos son hechos explora narrativas e imágenes alternativas para restablecer las historias silenciadas de aquellos que desaparecieron a causa de la represión política durante la dictadura de Franco en España.
David Ortiz Juan (Alcoi, 1983), es artista visual. Vive y trabaja entre Beirut, Amsterdam y Cuenca. Ha estudiado arte y diseño gráfico en la ArtEZ School of Arts de Arnhem, Holanda, y una maestría de arte en la Sandberg Instituut (Rietveld Academy) de Amsterdam. Actualmente es profesor visitante en la Lebanese American University de Beirut, Líbano. Ha presentado su trabajo en centros, museos y galerías como CICA Museum, (Gimpo, Corea del Sur, 2016); The State Darwin Museum, (Moscow, Rusia, 2016); Espacio Oculto (Madrid, España, 2015); MOTI museum (Eindhoven, Países Bajos, 2014); Galerie Juliètte Jongma (Amsterdam, Países Bajos, 2014), Tien Tien Circle (Taipei, Taiwan, 2013) o La Rambleta (Valencia, España, 2012).
Colectivo Out-ziders
(Identidad) Obra #2, 2016. Vídeo, 8′ 09”
A través de la creación conjunta, el Colectivo Out-Ziders presenta un vídeo realizado ad hoc para el contexto de la exposición “Andaluzía Rabiosa: Voces más allá del imaginario cañí”.
Cada sucesión radicalmente diferente, supone un acercamiento al concepto de la identidad. Se comienza con el reverso del discurso oficial institucional y poco a poco se va hilvanando una línea hacia la deconstrucción de la simbología a través de filtros poéticos esenciales, terminando con un diálogo que desvela el vacío de los valores identitarios en la construcción íntima e individual.
https://outziders2016.wordpress.com
Nicolás Paris
Estudio para material pedagógico, 2011-2013
Ejercicios de dibujo, diagramas, tiempo, lápiz e impresión láser sobre papel
Es preciso aclarar que las hojas de Estudio para material pedagógico no buscan servir como material de apoyo para explicar obras o conceptos artísticos. Por el contrario, son una compañía para recorrer la incertidumbre que promete el arte en su novedad y rareza.
Estas hojas son entonces una suerte de brújula desmagnetizada que no marca el norte, que nos sigue y acompaña en la dirección que escojamos. Es una merienda de dibujos, un espacio de múltiples encuentros, donde trazos, frases y diagramas nos ofrecen un refugio para cuando nos sintamos perdidos en medio de la oscuridad o cegados por el exceso de luz en medio de la espesa selva.
Mariangela Méndez, curadora.
Miguel Ángel Rego
Cinetract #1. From Oikos to Thanatos, 2015-2016
Vídeo, 3′ 00”
En términos conceptuales, este cinetráct trata sobre el tema de la vivienda. Desde su aparición en Grecia como primera forma privada (Oikos), pasando por la Revolución de 1977 en Irán (donde varias prácticas que eran realizadas en el espacio público se vieron constreñidas al espacio privado de la casa), hasta llegar a Otxarkoaga. Un barrio en la ciudad de Bilbao construido durante el franquismo para transformar a los habitantes del antiguo barrio de Otxarkoaga, quienes en su mayoría alquilaban o construían sus propias casas, como propietarios creando una nueva subjetividad para la época. Estas ideas provenían del primer Ministro de Vivienda de España, José Luís Arrese. La producción ha sido realizada de forma directa y efectista emulando una de las ideas de los cinétract del ’68. Por otra parte, el sonido, que no era propio de los cinétract de Godard, Resnais o Marker, ha sido incluido, reconfigurado este formato a día de hoy.
Cinetract #1. From Oikos to Thanatos es el primer cinétract de una serie a desarrollar. Emulando y reconfigurando sus características, estos cinétract están basados en diferentes cuestiones políticas contemporáneas. Esta serie de videos serán recopilados en una página dedicada a todo el material acumulado en torno a los cinétract y una recopilación de videos de artistas contemporáneos que estén trabajando en torno a este formato y su replanteamiento.
Simeón Saiz
Agosto-Septiembre 2016
Presentación PWP
Después de dedicar dos libros al dadaísmo con motivo del centenario de su aparición sentí la necesidad de editar una pequeña guía para una comprensión rápida de dicho movimiento por parte de las liebres muertas.
Juan Sánchez
Las auténticas protagonistas son las gallinas, 2016
Impresión fotográfica
El proceso de trabajo manual y funcional ha llevado a las siguientes reflexiones probablemente inútiles: primero, pensando con las manos[1] y por indicación de Juan Peiró, el recuerdo de que la base del arte es la metáfora y de que éstas habitan relajadamente en los lugares más inesperados. Segundo, la vinculación con la idea de “hacer esfuerzos enormes para conseguir reformas mínimas” [2], o resultados mínimos, que Francis Älys materializa en La fe mueve montañas. Tercero, la ambivalencia que supone esta última cuestión si pensamos en que el organizador de esta situación está preparando las condiciones óptimas para que ocurra la obra artística delegando, a diferencia de Piero Manzoni con su Merde d’artista, en un ambiente de azar controlado a través de seis aparatos digestivos aviares ignorantes de su labor artística.
[1] PALLASMAA, J. La mano que piensa. Sabiduría existencial y corporal en la arquitectura. Gustavo Gili: Barcelona, 2015
[2] ESPEJO, B. Francis Älys. En: El Cultural de El Mundo. Madrid, 2016 [consulta: 2016/15/03] <http://www.elcultural.com/revista/arte/Francis-Alys/28336>
José Antonio Sarmiento
Cómo explicar el dadaísmo a una liebre muerta a través de nueve poemas, una obra de teatro y tres manifiestos escritos por Tzara, Aragon, Picabia, Soupault, Éluard, Man Ray, Duchamp, Breton y Ribemont-Dessaignes, 2016
Libro-acción, 12 x 17. 5 cm. Precio: 1 €
La obra son fotografías de partes de una selección de páginas de la Gaceta Wyborcza, el periódico de más difusión en Polonia, de entre los números de agosto y parte de septiembre. Las páginas están fotografiadas sin ninguna intervención, pero las imágenes llevan sobreimpuestas la traducción de algunos de los titulares al castellano. Al igual que las noticias publicadas por el diario corresponden a las expectativas de su público y a su particular punto de vista, también mi selección corresponde a aquello sobre lo que me interesa posar la mirada. Esto es algo conocido por todos, pero eso no hace que sea habitualmente reconocible cuando leemos la prensa. Esta obra pretende hacerlo palpable. El conjunto, pues, no puede expresar una globalidad en su totalidad, pero sin duda es un pedazo de la situación ahora, tal como ésta se suele presentar a los individuos.
Isis Saz
Nuestras armas, nuestras manos
Acción: 20-10-2016 de 17:30 a 20:30 horas
Lugar: Tetería Antik. C/ Poeta Diego Jesús Jiménez, 4
Aforo: 30 personas sentadas tejiendo + 15 de pie o en taburetes
Instalación: 18-10-2016 al 25-10-2016
En la oscuridad
con los brazos extendidos
tocamos el mundo
reconocemos las cosas
nos extrañamos de lo desconocido
exploramos lo nuevo
y nuestra memoria recuerda
que hemos sido rastreadores
recorriendo montañas,
tejiendo lugares comunes
y nuestras armas
han sido siempre nuestras manos
Acción: Conversar y tejer un puño de amor al arte
El objetivo de esta acción es hacer visibles a todas aquellas personas que luchan por transformar el mundo en un lugar mejor: artistas conocidos o desconocidos, creadores, pensadores…..conectar a personas tejiendo por una causa común de manera simbólica.
Acción 1: Conversar y tejer un puño de amor al arte
***¿Cómo participar? Teje tu puño, fotografíalo y comparte en Instagram con el hashtag #nuestrasarmasnuestrasmanos #ourweaponsourhands (o envíanos tu fotografía por e-mail). Con todas las fotografías realizaremos la exposición final “Nuestras armas, Nuestras manos”
Our weapons, Our hands
***How can I participate? Crochet your brass knuckle, take a picture and share on Instagram #nuestrasarmasnuestrasmanos #ourweaponsourhands or send us an e-mail. With all the pictures we would make an exhibition “Our weapons, Our hands”
Andrés Senra
Do it ourselves, 2015
Video, 137′. Videoretratos, 3′ 17”. Impresión, 90×90 cm.
“do it ourselves” es una videocreación que surge a partir del retrato individual y colectivo de personas que se han unido para desarrollar proyectos autogestionados con el objeto de resolver situaciones de desempleo, proponer espacios culturales al margen de las instituciones o construir espacios colectivos que les permitan autoorganizar formas de vida más autónomas y libres, ante la situación de crisis económica, política, social y cultural en el Estado español. Transita entre España y Argentina. Los colectivos presentados en Madrid son “Storm and Drunk (S.A.D.)”, “La Casquería Libros”, “Sampedro Accesories” y “Swinton & Grant” mientras que en Argentina ha retratado a “Evencoop”, “Centro Cultural Matienzo”, “La Tribu”, “Subcoop” y “El Quetzal”. Cada uno de los nueve video-retratos contempla los mismos ejes: qué son, cuál es el modelo organizativo, cómo ejecutan la distribución de tareas y cuáles son las ventajas y dificultades que encuentran en su proceso de empoderamiento. Colectivos creativos, asociaciones culturales, cooperativas de trabajo y agrupaciones autogestionadas o vinculadas a la economía social y solidaria se presentan como nuevas estructuras laborales para artistas, libreros, joyeros, galeristas, profesionales de la gastronomía, gestores culturales, comunicadores, fotógrafos o promotores musicales que buscan el desarrollo de sus propios intereses creativos en el marco de un proyecto común.
Alejandro Simón
Universitario, 2016
Impresión en B/N y publicación
Universitario son unas anotaciones desde la experiencia de ser estudiante. Pretende mostrar la situación extraña de esta figura y de la universidad y propone unos materiales para un debate
Somos nosotros
Nada que ganar, nada que perder, 2015
Vídeo, 10′ 19”
“Hemos logrado adaptarnos a la condición flexible entendiendo que no hay otra posibilidad, nos hemos convertido en trabajadores fulltime, formando una parte más del engranaje del sistema neoliberalista, cuando en realidad quisimos ser artistas para no tener que trabajar.”
Desde 2013 estamos realizando un estudio de campo, donde se pone en evidencia las paradojas y contradicciones de los productores culturales emergentes en el panorama artístico español. Hemos realizado entrevistas a los distintos agentes emergentes que nos hemos ido encontrando en residencias, exposiciones o becas en las que hemos participado. Interesados acerca de su relación con la emergencia y el sistema artístico, hemos ido desvelando cómo se relacionan con la economía del arte, de qué manera se vinculan con el recorrido establecido para traspasar la frontera hacía una supuesta profesionalización, qué tipo de abusos encuentran en el sector y como lo invisibilizan, aceptan o luchan contra él. Con las diferentes respuestas obtenidas, acerca de los miedos, fantasías, inseguridades o contradicciones, hemos generado una entrevista ficticia de lo que podía haber sido, obteniendo así un retrato en primera persona de la situación actual de los agentes emergentes en España. La supuesta entrevistadora ejerce una serie de acciones irónicas al entrevistado en relación a sus respuestas, mientras él se mantiene pasivo. La entrevista se genera en un falso paraíso, un decorado retocado burdamente, grotesco, haciendo alusión a la búsqueda de un paraíso inexistente al que todos los agentes emergentes queremos llegar.
Terrorismo de autor.
Los artistas de todo a 1 euro. 2015.
Vídeo, 25′ 10”
La pieza “Los artistas de todo a 1 euro” es un trabajo que se inscribe en el marco de la precariedad o de la minusvaloración del trabajador cultural. Una reflexión sobre los usos y abusos institucionales y del desvío como respuesta para que acontezca lo inesperado. La institución, la precariedad y el trabajador cultural no dejan de ser aquí trasuntos de una realidad mucho más amplia donde la violencia, la explotación y el abandono están a la orden del día.
Sin embargo, no es el resultado final de la pieza ni su alcance lo verdaderamente importante. Tal vez la pregunta que haya que hacerse sea la siguiente: ¿cuáles son las condiciones que han de darse para que se produzca el desvío como respuesta? Entendido el desvío, en este caso, siempre como un mal menor, repleto de contradicciones, y jamás considerado como una pequeña victoria. Pero cómo salirnos de la alternancia entre exclusión y abuso como formas de respuesta; cómo salirse del rechazo categórico a unas condiciones de programación inaceptables y, por otro lado, no sucumbir a la aceptación de dichas condiciones con el plus de impotencia y frustración que acarrean. De momento, no hay salida. Solo desvío.
El cuento de la visibilidad ya no nos vale, a no ser que nos seduzcan los cantos de sirena de la vanidad, el narcisismo y la irresponsabilidad. No necesitamos ser vistos, lo que necesitamos es que quien nos programe con esas condiciones al menos nos deje meterle un dedo en el culo… o dos.
En el caso de “Los artistas de todo a 1 euro” el desvío comienza por trabajar con lo que hay. Y lo que hay de partida son unas condiciones de exhibición decepcionantes que propician un malestar. Justamente es sobre esa relación insatisfactoria y sobre la sensación de mierda que nos queda en el cuerpo sobre lo que vamos a trabajar. Es decir, nos desviamos sencillamente al poner el foco en la relación que se establece y en lo que nos pasa a nosotros al entablar esa relación. Dicho de otro modo, ¿qué nos pide el cuerpo cuando nos abusan? Y ante esta pregunta surgen las contradicciones, porque al final lo que nos pide el cuerpo implica mayor trabajo, esfuerzo y riesgo, pero también mayor disfrute, deseo y responsabilidad. Así que bendita contradicción, bendita situación.
Laura Torrado
Revolution: work in progress, 2014-2016
Vídeo, loop
En este vídeo la protagonista, en un espacio que recuerda la caja negra de un teatro, ondea una bandera roja llamando a la revolución. En este caso es una llamada hacia la evolución, la evolución del individuo y de la humanidad. Una llamada al despertar de las memorias de pasado y futuro latentes en nosotros, una llamada a mirar con ojos nuevos que nos conduzca a la posibilidad de vivir al borde de nuestra capacidad de consciencia.
The birth, 2014
Vídeo HD, 2′ 26”
En el video The Birth 2014, la protagonista, con el sonido inquietante de fondo del vuelo de moscas, expulsa por la boca, lentamente y con dificultad, una madeja de pelo negro. El pelo, al encontrarse fuera de su lugar de origen, adquiere un carácter abyecto, de desecho. Alumbrar lo que el cuerpo ha desechado nos remite al alumbramienro de nuestra propia sombra y a la pulsión entre Eros y Tánatos. Este cuerpo puede ser leído como individuo o como cuerpo social.
Yerreyese
Serie Casas Veladas 2015
5 fotografías en A6. Impresión digital sobre papel glossy.
La Serie Casas Veladas (2015) está conformada por 5 fotografías de edificios en reparación de diversas ciudades de España. Las lonas de construcción sirven de metáforas análogas a los velos nupciales y funerarios. A través de las fotografías se entablan vínculos entre la fabricación identitaria del sujeto a través de lo canónico como tema transversal, cuestionando lo legítimo que puede haber en el constructo social.
Yerreyese (Yris Blasco, 1990, Valencia) es doctoranda en Humanidades, Artes e Investigación y Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha. Al término de la licenciatura decide complementar su formación en la Universitat Autónoma de Barcelona, donde realiza el Máster de Literatura Comparada y Estudios Culturales. Su investigación se centra en los signos y límites del lenguaje, que concibe como un material físico moldeable, a la vez barrera y puerta a lo real, sin deslegitimar su carácter sociopolítico inherente.
Manuela Zechner
Recordando Europa, 2016. Película, 59′
2040 y el sol brillando: ¿alguien se acuerda de Europa? La película viaja a través de continente preguntando a la gente por sus experiencias y memorias de Europa y la UE en cuanto territorio vivido y en cuanto constructor social y (geo)político. La crisis de 2008-18 sigue pesando en la memoria colectiva, y las historias permanecen fragmentado. Como narrar una crisis de imaginación y de la historia con H-mayúscula? Mateando y redituando conjeturas y territorios, Recordando Europa cuenta una historia de Europa por medio de fragmentos y contradicciones, sentimientos y recuerdos. Un ensayo de docu-ficción, basado en el método del archivo futuro, que entreteje entrevistas performativas con intuiciones poéticas. Más que una meditación sobre el futuro, la película es una meditación sobre las posibilidades y límites de la imaginación. Pues ¿qué es la memoriasino imaginación vivida?
Remembering Europe, 2016. Film, 59′
2040 and the sun is shining: does anybody remember Europe? This film travels across the continent asking people about their experiences and memories of Europe and the EU, as lived territory, social and (geo)political construct. The crisis of 2008-2018 weights heavy in collective memory, yet stories remain fragmented. How to narrate a crisis of the imagination and of capital-H history? Mapping and re-tracing conjectures and territories, Remembering Europe tells a story of Europe through fragments and contradictions, feelings and flashbacks. A docu-fiction-essay, it is based on the method of the future archive, weaving together performative interviews with poetic intuitions. More than a meditation on the future, this film is a meditation on the possibilities and limits of the imagination. For what is memory, but lived imagination?