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Tenéis la palabra. Apuntes sobre teatralidad y justicia

La uÑa RoTa, Segovia, 2023. ISBN: 978-84-18782-28-2

¿Qué habría ocurrido si Hamlet hubiera sido detenido tras acuchillar a Polonio y procesado por asesinato? La tragedia no habría tenido lugar, pero sí un teatro judicial de consecuencias sorprendentes. La idea realizada por Roger Bernat y Jan Duyvendak en Please Continue (Hamlet) (2011) sirvió de estímulo para iniciar una indagación sobre la relación entre teatro y justicia, que se remonta a la fundación mítica de los tribunales en Las Euménides, de Esquilo, se despliega con una complejidad metateatral en Hamlet, de W. Shakespeare, y se multiplica en un heterogéneo catálogo de dramas judiciales fílmicos y televisivos. Cuando el teatro aborda los procesos judiciales se interesa paradójicamente por los fallos de la justicia y por sus límites éticos, y plantea preguntas que no tienen cabida en el debate jurídico, como la razón del mal o la legitimidad misma de las instituciones en que se representa o en que la propia justicia se administra. Tal cuestionamiento incluye un deseo de actuar, en términos de Agnes Heller, más allá de la justicia. Esta tensión que la representación teatral permite no sólo ha sido efectiva en el teatro, sino que ha dado lugar a diversos modos de teatralización de los procesos judiciales, con una intencionalidad política, tanto en el modo de juicios espectáculos (organizados desde el poder), como en el modo de “estrategias de ruptura”, en términos de Jacques Vergés (organizados desde la resistencia al poder). La teatralización o espectacularización de los procesos judiciales no tiene sólo una efectividad simbólica, sino que traslada a la esfera pública debates que pueden dar lugar a legislaciones y acuerdos. De ello son ejemplo los tribunales simbólicos impulsados en su inicio por Bertrand Russell (1966-2014) o las Comisiones de Verdad (1971-2022). Por la misma razón, el cine y el teatro pueden intervenir desde un marco de ficción y por medio de tribunales sin efectividad punitiva o redistributiva en debates políticos abiertos o bien en el tratamiento de crímenes silenciados, resistiendo el desinterés, la ineficacia o la incompetencia de la administración de justicia. De lo que son ejemplo Bamako (2006), de Abderrahmane Sissako, o Los juicios de Moscú (2013), de Milo Rau, entre otros. El teatro y la justicia comparten un límite, que es el de la irreversibilidad de los hechos. La justicia, como sostiene Hélène Cixous, es necesaria para cortar, para interrumpir. Pero no es suficiente. Pues de lo que se trata de es de transformar, de cambiar el presente. Para ello, el teatro, como la sociedad misma, debe aspirar actuar y a existir más allá de la justicia. ¿O quizá tenga razón Paula Rego y sí sea posible para el arte regresar al pasado y hacer justicia allí donde sea necesaria?

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Presentaciones

Madrid. Librería la Central del Museo Reina Sofía. 28 de junio. 19.00 h.

Madrid. Coloquio sobre Teatralidad y Justicia.. El Faro de la Abadía: conversación con Pablo Rosal y Juan Mayorga, 17 de abril de 2023. 19.00. Hacer público. (Entrada de Parataxis a partir del diálogo anterior)

Ciudad de México. Conferencia Tenéis la palabra. Festival Aleph, Cátedra Bergman -UNAM, Museo del Chopo, 20 de mayo de 2023. 13.00 h. Ver entrevista realizada por el equipo de la Cátedra Bergman antes con motivo de la presentación.

Bogotá. Conversación con Yolanda Sierra (Universidad Externado). Librería Casa Tomada. 29 agosto. 17.30 h.

Reseñas

María Miranda. Centro de Estudios Literarios Iberoamericanos Mario Benedetti. Alicante. Boletín N.º 21 (febrero-agosto 2023), página 28 https://web.ua.es/es/centrobenedetti/documentos/boletin-cemab/boletin-21.pdf

Màpes en diàleg: seminari-diàleg amb Rolf Abderhaldeni José + Antonio Sánchez

La xerrada Mapas en diàleg, amb el teòric José Antonio Sánchez i amb el cofundador de Mapa Teatro Rolf Abderhalden, estarà moderada per la investigadora Daniela Palmeri. Mapa Teatro és un laboratori de creació transdisciplinária, fundat el 1983 pels germans Heidi i Rolf Abderhalden, artistes visuals i escenics colombians, pioners de les arts vives a America Latina. José Antonio Sánchez és professor a la Facultat de Belles Arts de Conca (UCLM), investigador i autor prolific d’assajos sobre arts escèniques des d’una perspectiva política i ética. A la xerrada, Daniela Palmeri, profesora Institut del teatre i profesora associada UAB, llançarà unes qüestions neuràlgiques a Mapa Teatro i a José Antonio Sánchez sobre teatralitat, hibridacions artistigues i ética/política de la re-presentació. El seminari-diàleg està organitzat per l’Institut del Teatre, dins el MUET (Mäster Universitari en Estudis Teatrals), amb la colaboració del Doctorat en Lengua i Literatura Catalans i Estudis Teatrals i del Centre de Recerca d’Arts Escèniques. CRAE de la UAB.

Auditori del Institut del Teatre. 14/03/2023. 16.00 h.

“Poner el cuerpo”, una decisión ética / “Posar el cos”, una decisió ética

Una conversación entre Helena Maleno y José A. Sánchez, moderada por Marina Garcés.

Teatre Lliure. Gràcia. Barcelona. 22/02/2022.

¿Cómo narramos la violencia? ¿Qué representaciones del mal han dejado de interpelarnos y por qué motivos? ¿Qué incomoda más, la poesía o el documento?

Quedarse al margen no siempre es una opción. Para unos puede ser una condena, para otros un privilegio. Los cuerpos que se tiran en el mar, deciden su acción? Y qué decisión hay en aquellos que hacen de su compromiso una infinita operación de rescate que los pone a ellos mismos en peligro? Tenemos una cultura del cuerpo que nos dice que es aquello más nuestro, la última frontera del individuo. Pero nuestro cuerpo es el campo donde se dibujan todas las relaciones de poder que nos atraviesan, así como la potencia de todos los vínculos que nos pueden liberar.

La activista Helena Maleno, fundadora de la organización Caminando Fronteras e investigada por su labor de auxilio a personas a bordo de pateras, charla con José A. Sánchez, autor de Cuerpos ajenos, ensayos sobre ética de la representación.

Sigue adelante el espacio de diálogo, crítica y debate organizado por el Teatre Lliure y dinamizado por Marina Garcés y Albert Lladó en el que las herramientas de la dramaturgia y la filosofía sirven para poner sobre la mesa los grandes conflictos del presente. Esta temporada os ofrecemos 8 sesiones.

En el canal de Youtube del Teatre Lliure encontraréis grabadas todas las sesiones de la Escola de pensament.
Con la ayuda del Institut Ramon Llull en la grabación de las sesiones y la subtitulación en inglés.

Teatre Lliure. Escola de pensament.

The Presences and Doings of María Teresa Hincapié

In María Teresa Hincapié. If This Were a Beginning of Infinity, Turner – MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona) – MAM (Museo de Arte Moderno de Medellín, Barcelona y Medellín, pp. 42-66. ISBN: 978-84-18895-67-8

This essay explores the form of theatre at the heart of María Teresa Hincapié’s artistic practice. It considers the context and genealogies, but makes no claim to be exhaustive, nor does it aim to tackle specific analyses of her performances. Instead it focuses on a number of experiences and ideas in which her theatre training and her constant self-identification as an actress proved significant. Research into her work was made possible by a stay in Colombia financed by the UCLM, and numerous meetings and encounters. I would like to express my particular thanks to Claudia Segura, Rolf Abderhalden, Heidi Abderhalden, Juan Monsalve, Sofía Monsalve, Paula Bossa, Carolina Ponce de León, Marta Rodríguez, Álvaro Restrepo, Emiliano Valdés, José Alejandro Restrepo and Santiago Zuluaga.

If living is walking.

And making decisions.

There are paths you can head down and then retrace your steps with no serious consequences. But there are crossroads at which, once you have chosen one direction or another, there is no turning back.

Then there are thresholds that open in the most unexpected places but which are invisible. To discover them, it is not enough simply to walk about in a distracted state; you have to be alert, prepared to listen, with every muscle, every pore, defying the lethargy of our animal being.

Walking life. And allowing yourself to cross the landscape, venturing into the unknown, surrendering to love, feeling the earth, sustaining memory, working out grief, rebelling, caring, cultivating, nurturing hope, not losing your joyfulness.

If the theatre is a way. 

The theatre is a place where the experience of transformation is made visible. But the transformation is no longer represented − or not just represented − but announced, demanded, realized. And its radicalism can be just as intense as the involvement with which you act or the manifestation you witness. Being an actress requires you to situate your own body in the experience of otherness, whether by incorporating the lives, passions or ideas of others or by exploring the unknown Other who beats within you. It is a matter of allowing your body to be affected by outside forces, to discover capacities and dimensions of awareness you knew nothing of or which you had forgotten when you abandoned childhood or mere formless being. Acting only makes sense if it enables the growth of life, when it is work in favour of life.


Read the whole text in the book

Presencias y haceres de María Teresa Hincapié

En María Teresa Hincapié. Si este fuera un principio de infinito / If This Were a Beginning of Infinity, Turner – MACBA (Museu d’Art Contemporani de Barcelona) – MAM (Museo de Arte Moderno de Medellín, Barcelona y Medellín, pp. 42-66. ISBN: 978-84-18895-67-8.

English Version

Este texto es una indagación sobre el núcleo teatral en la práctica artística de María Teresa Hincapié. Atiende al contexto y a las genealogías sin pretensión de exhaustividad ni posibilidad de abordar análisis concretos de las acciones. Se trata más bien de focalizar la atención sobre algunas experiencias e ideas en que su formación teatral y la pervivencia en ella de la identidad de “actriz” resultan significantes. La investigación sobre su trabajo ha sido posible gracias a una estancia en Colombia financiada por la UCLM. Y a múltiples encuentros, con mi especial agradecimiento a Claudia Segura, Rolf Abderhalden, Heidi Abderhalden, Juan Monsalve, Sofía Monsalve, Paula Bossa, Carolina Ponce de León, Marta Rodríguez, Álvaro Restrepo, Emiliano Valdés, José Alejandro Restrepo y Santiago Zuluaga.

Si vivir es caminar.

Y tomar decisiones. 

Hay senderos en los que te puedes adentrar y desandar sin mayores consecuencias. Pero hay encrucijadas a las que, una vez las pasas en una dirección o en otra, ya no puedes retornar. 

Luego están los umbrales, que se abren en los lugares más inesperados, pero son invisibles; para descubrirlos, no basta el mero andar distraído, toca ponerse en alerta, disponerse a la escucha, con cada músculo, con cada poro, desafiando el letargo de nuestro ser animal.

Caminar la vida. Y dejarse atravesar por el paisaje, atreverse a lo desconocido, entregarse al amor, sentir la tierra, sostener la memoria, trabajar el dolor, rebelarse, cuidar, cultivar, alimentar la esperanza, no perder la alegría.

Si el teatro es un camino 

El teatro es el lugar en que la experiencia de la transformación se hace visible. Pero la transformación ya no se representa, o no sólo, sino que se anuncia, se reclama, se realiza. Y su radicalidad puede ser tanta como intensa la implicación con que actúas o con que asistes a su manifestación como testigo. Ser actriz consiste en poner tu propio cuerpo en la experiencia de la alteridad, sea incorporando las vidas, las pasiones o las ideas de otros, sea explorando lo Otro desconocido que late en ti misma; se trata de dejar que tu cuerpo sea afectado por fuerzas ajenas para descubrir capacidades y dimensiones de conciencia que ignorabas o habías olvidado al abandonar la infancia o el mero ser informe. Actuar sólo tiene sentido si hace posible la expansión de la vida, cuando es un trabajo a favor de la vida.

Leer texto completo en el libro impreso. https://www.turnerlibros.com/libro/maria-teresa-hincapie/

Variation on The Unaccounted: A Triptych, by Mapa Teatro

Die un- /                                                                            
bestatteten, un gezählt, droben, die Kinder,               
sind absprungbereit.

The un- / buried, unaccounted, up there, the children, / are ready to jump.

– Paul Celan (1999)

Unaccounted, or incontados, does not exist as a noun in Spanish. And its very inexistence performatively reflects not only the absence of the disappeared and murdered, but also the silence of witnesses and sur- vivors, the victims that cannot be accounted for, who were never giv- en a voice to tell their story. ‘The Unaccounted’ expresses the difficulty of representing violence, while also denouncing the reasons for which certain facts are declared irrepresentable, thus justifying censorship or waiving the responsibility of representation.

Heidi and Rolf Abderhalden rose to the challenge, as artists, tak- ing on the role of active witnesses of conflict (Celan 1999, p. 235). In the Anatomy of Violence trilogy, paramilitary violence, narco violence and guerrilla violence were poetically confronted in three successive performances: The Holy Innocents (2010), Discourse of a Decent Man (2012) and The Farewell (2017). The idea was to chart an historic period that roughly coincided with the biographic timeline of the Mapa Teatro founders. Hence, it comes as no surprise that The Holy Innocents super- imposes the birthday celebration of Heidi Abderhalden (as a watching body) on the carnivalesque delirium of the dancing bodies in Guapi. And that The Unaccounted: A Triptych, a synthesis of the trilogy, begins with a tableau vivant that reinterprets A Ventriloquist at a Birthday Party in October 1947 (1990), by Jeff Wall.

En Joanna Zielinska, Performing Collections, L’internationale (MG+MSUM (Ljubljana), Museo Reina Sofía (Madrid), MACBA (Barcelona), M HKA (Antwerp), SALT (Istanbul & Ankara), Van Abbemuseum (Eindhoven), MSN (Warsaw) / NCAD (Dublin), HDK-Valand (Gothenburg), pp. 250-257. ISBN 978-91-527-1341-9

Descargar pdf o ePub desde la página de L’internationale.

Sobre la puesta en voz de Palabras ajenas

Texto publicado en la revista Caiana nº 17.

Palabras ajenas es un collage textual que inaugura un modo singular de teatro político. La obra fue realizada por León Ferrari entre 1965 y 1967, en plena guerra de Vietnam y en los años previos a la instauración de las dictaduras más duras de América Latina. Su intención es la denuncia del imperialismo norteamericano, al que se compara con el nazismo, y la responsabilidad de la religión cristiana en la justificación de los crímenes contra la humanidad. Las noticias sobre los bombardeos, las fumigaciones, la destrucción indiscriminada de aldeas y, especialmente, las torturas perpetradas por ej ejército invasor movilizaron al artista, que asumió la ingente tarea de reunir esos miles de recortes para alzar su voz contra la guerra por medio de las palabras de los otros. El resultado es un inmenso oratorio concebido para ser leído públicamente, y en cual se escuchan las voces de líderes políticos y religiosos (Johnson, Hitler, Paul VI, Goebbles, McNamara, Spellman), las de altos cargos, asesores y expertos de las administraciones estadounidense y nazi, las de personajes míticos (Dios, San Juan, Cristo), algunas voces anónimas y de víctimas y un gran coro compuesto por las voces de la prensa internacional de la época.

Palabras ajenas fue presentada por primera vez en público en su versión completa el 16 de septiembre de 2017 en el teatro del Redcat de Los Angeles, en el contexto del evento Pacific Standard Time organizado por la Fundación Getty. Ese mismo día se inauguró la exposición The Words of Others: León Ferrari. And Rhetoric in Times of War, con curaduría de Ruth Estévez, Agustín Díez-Fischer y Miguel A. López, resultado de un proceso de investigación de tres años en el que también colaboraron Juliana Luján y Carmen Amengual. 

Leer texto completo en la revista Caiana

La grieta del oro (2018)

Texto escrito para la publicación que acompaña la exposición de Mapa Teatro “De los dementes, ò faltos de juicio” en el Museo Reina Sofia, programa Fisuras, del 30/10/2018 a 29/04/2019.

Esta fisura que abre ahora Mapa nos habla de una grieta lejana, aún sin cerrar, lugar de explotación y deseo, de ingenio y brutalidad, de resistencia y olvido. La ficción es a la fisura lo que la pólvora a la grieta: practica el corte para hacer visible lo encubierto. Este gesto produce una narración que podría ser leída casi como un cuento fantástico; sin embargo, en la naturaleza de la operación que la fabrica se manifiesta una afirmación de lo poético que es ya una toma de partido, una respuesta al seccionar extractivo, a la soberbia racionalista y a las memorias borradas.

Leer texto completo en AVAE